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Harry NadlerLa spirale du temps II1986
1986
À propos de cet article
La spirale du temps II
Technique mixte avec acrylique sur papier, 1986
Signé en bas à droite (voir photo)
Condit : Excellent
Taille de l'image : 35 x 15 1/2 pouces
Provenance : Peter Marciniak, New Hampshire
Collection privée distinguée du Midwest
Sélectionner l'exposition :
1991 Franz Bader Gallery, Washington, C.I.D. (solo)
1980 Musée Guggenheim, New York, NY
1974 Bertha Schaefer Gallery ; New York, NY (solo)
1972 Childe Hassam Purchase Show, Institut national des arts et des lettres
1971 "Le bain turc d'Ingres, Musée du Louvre, Paris, France
1971 Artistics invités, Tamarind Institute ; Albuquerque, NM
1970 "Dessins américains des années 60", New School Art Center ; New York, NY
1966 Dorsky Gallery, New York, NY (a) Gallery, New York, NY (solo)
1962 Dwan Gallery ; Los Angeles, CA (solo)
1959 Dwan Gallery, Los Angeles, CA (solo)
Collectional :
Musée d'art américain Smithsonian
Musée d'Albuquerque, Albuquerque, NM
Musée d'art de Cincinnati, Cincinnati, OH
Institut des arts de Détroit, Détroit, MI
Musée des beaux-arts, Santa Fe, NM
Musée Guggenheim, New York, NY
Musée d'art de l'Université du Nouveau Mexique, Albuquerque, NM
Centre d'art de l'Oklahoma, Oklahoma City, OK
Académie des beaux-arts de Pennsylvanie, Philadelphie, PA
Centre d'art Storm King, Mountainville, NY
Université Wesleyan, Middletown, CT
Musée d'art de Harwood, Taos
Peintre abstrait ayant vécu à New York, à Amagansett (Long Island) et à Albuquerque (Nouveau Mexique), Harry Nadler est décrit comme un "peintre abstrait formaliste des années 1960-1990 dont les œuvres se distinguent par la richesse de leurs couleurs, leurs transparences et leurs constructions labyrinthiques". -La tentative de capturer dans une imagerie purement abstraite la quintessence de la qualité de la lumière et des contours qui émanent d'un paysage particulier est une ambition picturale hasardeuse, mais M. Nadler a relevé le défi de ce problème avec un succès remarquable.˜ (Hilton Kramer, The New York Times, 27 avril 1974)
Noted Fine Print Publications : Lincoln Center/Fine Art Prints, 1990, "Live From Lincoln Center", sérigraphie, édition 72
Biographie de Harry Nadler
DESCRIPTION SANS LIEU
Harry m'a raconté une histoire qu'il considérait comme une métaphore de sa vie et de son travail : celle de son "oiseau d'or". Un jour, alors qu'il avait huit ans, il rentrait à pied de l'école, une tâche dangereuse pour un garçon juif dans l'est de Los Angeles dans les années 30. Il porte une peinture qu'il a réalisée à l'école. Il a dû traverser un tunnel sombre et a eu peur. Sa peinture d'un bel oiseau doré, rayonnant de couleurs tropicales, brille dans l'obscurité et il perd toute peur. L'image de la beauté, de l'envol, de l'obscurité et le pouvoir de sa propre création d'images l'ont accompagné toute sa vie.
Il a découvert une sorte de liberté à l'école ; il a obtenu son diplôme à 16 ans, est allé à l'école d'art, a subvenu à ses besoins en tant qu'illustrateur pour un journal ; puis a découvert un nouveau monde de littérature et de beaux-arts à l'université de Californie, à Los Angeles. Il a obtenu une licence et une maîtrise, et son talent d'artiste s'est manifesté par des assistanats d'enseignement, des prix de peinture et des premières expositions. Son affinité pour la peinture européenne est forte et il souhaite ardemment se rendre à New York pour s'immerger dans les musées et dans le travail en cours des expressionnistes abstraits.
Lauréat d'une bourse Fulbright pour l'Espagne en 1960, Harris a réalisé son rêve de voyager en Europe et d'étudier les Désastres de la guerre de Goya au Prado. C'est à cette époque qu'il s'est engagé à trouver un langage visuel pour exprimer ses profondes préoccupations éthiques. Il a produit une série d'œuvres dédiées aux victimes de l'Holocauste et appelées "Paysages de Buchenwald", qu'il a exposées à la fin de son année en Espagne. Il s'est interrogé à ce sujet, estimant que l'imagerie était trop littérale. Il cherchait quelque chose - un instrument formel qui atteigne un sens au-delà de l'horreur évidente du sujet.
À son retour aux États-Unis, il s'installe à New York, convaincu que c'est là que se trouvent ses racines artistiques. Il a d'abord gagné sa vie en donnant des cours de vulgarisation, tout en étudiant les grands tableaux dans les musées de la ville, en participant au monde de l'art actuel et en développant son propre travail.
Entre 1961 et 1965, Harris a réalisé des peintures représentant des espaces étranges remplis d'objets autobiographiques. La poésie de Wallace Stevens l'a particulièrement marqué. Pour Harris, l'activité de peindre était un moyen de relier des réalités distinctes. Le travail de l'imagination, de la métaphore ou du "paraître", comme l'a décrit Stevens, s'effectue dans l'interstice entre des éléments disparates, en établissant des connexions de sens à un niveau plus profond. Dans cette brèche, il s'est efforcé de formuler avec précision sa compréhension de ses outils : ses matériaux, sa connaissance de la philosophie et de l'histoire de l'art, sa tradition religieuse, son expérience de vie. Dans ce vide, il a vécu avec l'angoisse de savoir, avec la foi en un processus plus grand que lui. Et il a travaillé. La géométrie est devenue un moyen de parler de la pureté ultime, de l'intégralité, de la parenté ; le matériau sensuel qu'est la peinture et la façon particulière dont il a combiné ces matériaux sont devenus un moyen d'exprimer la qualité de sa propre expérience.
Il a nommé une série de peintures Description Without Place, en l'honneur de Stevens. Dans cette série, les fenêtres et les boîtes contiennent des images de l'expérience (objets peints) qui séparent et fusionnent les espaces de la peinture. Il combine des images de crucifixion et de noirceur avec la vitalité de la vie dans les objets et les couleurs. La rupture des limites et des frontières, la fusion de l'espace et du temps, se sont poursuivies tout au long de sa vie.
En 1965, il se voit proposer un poste d'enseignant à l'université Wesleyan, dans le Connecticut. C'est là qu'il commence sa série Hommage à Ingres, exposée à New York en 1969, suivie d'une série sportive et de collages, basés sur des formes biomorphiques. À cette période, ses explorations portent sur le tissage de l'espace et la création de l'ambiguïté de la figure et du sol.
En 1971, Harry a accepté un poste à l'université du Nouveau-Mexique, avec l'intention de travailler à temps partiel et de conserver une maison et un studio à Amagansett, dans l'État de New York. Il continue à découper des images (dérivées de ses peintures d'Ingres) et réalise une lithographie à partir de ce travail à l'Institut Tamarind d'Albuquerque. Au cours de cette période, il a également travaillé sur de nouvelles peintures en grille, passant de formes biomorphiques à un accent mis sur le champ de la lumière et de l'espace d'une manière plus abstraite. Il a exposé ses peintures du Nouveau Mexique à New York en 1974. Ces œuvres lumineuses ont été suivies de peintures très sombres utilisant une imagerie similaire.
En 1975, il tourne ses toiles en diagonale et commence une série de peintures en diamant, en appliquant de la peinture noire et blanche, puis grise. Il a toujours été impliqué dans le symbolisme mystique cabalistique du "feu blanc/feu noir". Son imagerie s'est engagée dans l'ambiguïté entre l'espace bidimensionnel et tridimensionnel. En 1976, après avoir passé l'été à Amagansett, il commence une nouvelle série de peintures au diamant appelée Ocean Rhythms. À la recherche de la qualité de l'océan sans la représenter littéralement, il utilise les vagues de mouvement pour créer ce champ/espace qui était sa préoccupation formelle. En 1977, il reprend le même format en losange, mais s'intéresse à une imagerie plus symbolique et calligraphique, toujours attentif à la création de ce champ plat. À la fin des années 1977-1978, il revient au format carré ; l'imagerie devient pictographique et l'une de ses anciennes préoccupations réapparaît : la question des bords et du centre. C'est le début de la série Labyrinthe. Il s'intéresse davantage à la richesse de la surface et passe à la couleur pour créer une luminosité sombre. À cette occasion, il a fait remarquer, avec l'humour qui le caractérise, que le labyrinthe était une métaphore de sa vie ; il ne savait pas où il allait. Il a exposé ces œuvres en 1979 à New York et a été très stimulé par l'accueil qui leur a été réservé.
En 1980, il passe au format vertical et à la détrempe à l'œuf sur papier de riz tendu sur toile. Il a ainsi pu superposer des couleurs transparentes, trouvant une nouvelle façon d'obtenir la luminosité qu'il recherchait. Il assemble les panneaux verticaux pour en faire des triptyques, toujours dans un souci de transcendance. Lorsqu'il est arrivé au terme de cette série, il a soudain eu besoin de revenir à la création de couleurs qui émergent de l'obscurité. Il a commencé une série de grandes œuvres carrées et sombres, avec un champ labyrinthique d'objets colorés et lumineux, indiquant à nouveau une sensation ambiguë de deux et trois dimensions, le tout peint à l'encaustique épaisse.
- Créateur:Harry Nadler (1930, Américain)
- Année de création:1986
- Dimensions:Hauteur : 88,9 cm (35 po)Largeur : 39,37 cm (15,5 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Fairlawn, OH
- Numéro de référence:
Harry Nadler
Nadler est né en 1930 à Los Angeles. Il a obtenu une maîtrise à l'UCLA et a rejoint la faculté de l'université Wesleyan au Connecticut. En 1971, il s'installe au Nouveau-Mexique pour enseigner la peinture à l'Université du Nouveau-Mexique, tout en conservant une maison à Amagansett, dans l'État de New York. Nadler est décédé en 1990 à Albuquerque, NM.
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5,0
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