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Robert Natkin
Abstraction lyrique expressionniste abstraite pour Sonoma CA (signé cœur)

1990

À propos de cet article

Robert Natkin Abstraction lyrique pour le Sonoma Mission Inn, Sonoma, Californie, 1990 Peinture acrylique sur papier avec éléments collés Signé deux fois par l'artiste : inscription " To the Safdies, with love from Bob ", accompagnée d'un gribouillis en forme de cœur. Également signé "Natkin" au recto Cadre vintage original inclus - il s'agit du cadre original que l'artiste a créé pour offrir cette magnifique œuvre. Cette superbe peinture d'expressionnisme abstrait et d'abstraction lyrique comporte une magnifique inscription - et une histoire très particulière. Robert Natkin l'a offerte à son ami Ed Safdie, propriétaire du Sonoma Mission Inn dans la Napa Valley, en Californie. Pendant des années, ce tableau a été accroché aux murs de l'auberge (aujourd'hui l'exclusif Fairmont Sonoma Mission Inn) pour que le personnel et les clients puissent l'admirer et en profiter. Cet ouvrage est accompagné d'une copie de la lettre (ci-contre) de Carlene Safdie qui décrit en détail comment son mari Edward Safdie, propriétaire du Sonoma Mission Inn en Californie, a fait la connaissance de Robert Natkin. ("Robert Natkin était un ami personnel proche à New York et, à l'occasion, nous passions des vacances avec lui et sa famille dans le Connecticut, où nous avons acheté plusieurs de ses peintures... La merveilleuse pièce que vous avez choisi d'acheter a été offerte à mon mari lorsque Bob [Natkin] a séjourné à l'auberge. Le "SMI" [partie de la peinture] signifie "Sonoma Mission Inn" et est donné en remerciement pour le séjour. En fait, Natkin a ajouté un élément de collage comprenant le logo imprimé du Sonoma Mission Inn dans la peinture elle-même. Il s'agit d'une peinture exquise de Robert Natkin, d'autant plus poignante qu'elle est inextricablement liée à la région de Sonoma. Idéal pour tout collectionneur qui a séjourné au Sonoma Mission Inn (ou au Fairmont Sonoma Mission Inn and Spa), ou qui vit dans la NAPA Valley, car le lieu est littéralement intégré à l'œuvre. Ce qui est encore plus émouvant, c'est qu'en octobre 2017, des incendies de forêt ravageurs à Sonoma ont endommagé l'auberge et l'ont obligée à fermer ses portes - ce qui s'est produit à plusieurs reprises depuis. L'auberge a aujourd'hui repris ses activités - le groupe Fairmont en est devenu propriétaire - mais si cette œuvre d'art y était restée, elle aurait pu être détruite. Une raison de plus de chérir cette œuvre. Des couleurs fortes et luxuriantes ; une pièce étonnante. L'œuvre sur papier épais avec des bords décolorés est flottée et matée dans son cadre original en bois vintage fait à la main. Une œuvre qui célèbre une amitié durable et qui, nous en sommes convaincus, apportera la lumière, l'amour et l'inspiration à un nouveau propriétaire digne de ce nom. Mesures : Encadré : 34.5 x 32 x 1 pouces Œuvre d'art : 34 x 30 pouces Elle n'a pas été examinée en dehors de son cadre original fait à la main par l'artiste, mais elle semble en bon état. Provenance : Acquis auprès de Samantha Safdie Miller, vendu au nom de sa mère Carlene Safdie, épouse des anciens propriétaires du Sonoma Mission Inn à Napa Valley, Californie. Histoire de l'exposition : Cette œuvre a été exposée pendant des années au Sonoma Mission Inn, qui appartenait alors aux amis de Robert Natkin, les Safdie. ROBERT NATKIN (1930-2010) Décrit comme " l'auteur d'un infini pommelé ", Robert Natkin a créé certaines des abstractions colorées les plus innovantes de la fin du XXe siècle (Carter Ratcliff, " The Dappled Infinite ", Arte Antiques 38 [décembre 2015]). Peuplées de rayures, de points, de grilles et d'un éventail de formes flottantes, ses toiles lumineuses sont sensuelles, ludiques et visuellement complexes, représentant "un univers formel unique d'une beauté sans pareille" (Louis A. Zona, "Foreword : Robert Natkin : Crescendos of Whispers", dans Robert Natkin : A Retrospective : 1952-1996, cat. d'expos. [Youngstown, Ohio : Butler Institute of American Art, 1997]). Né à Chicago, Natkin était le fils de parents immigrés juifs russes qui travaillaient dans l'industrie du vêtement. À l'âge de cinq ans, il commence à aller au cinéma (souvent six fois par semaine), une activité qui, en plus de lui offrir un peu de répit par rapport à sa famille dysfonctionnelle, influencera plus tard son travail de peintre. En 1945, la famille d'Artistics s'installe brièvement à Oak Ridge, dans le Tennessee, où Natkin décide de poursuivre une carrière d'artiste. Dessinateur naturel, il veut d'abord devenir illustrateur, comme Norman Rockwell, dont il a vu les œuvres dans le Saturday Evening Post. Cependant, alors qu'il fréquente l'école de l'Art Institute of Chicago de 1948 à 1952, Natkin a l'occasion d'étudier la collection d'art post-impressionniste français de classe mondiale du musée et décide de se tourner vers la peinture. Au cours de ces années de formation, Natkin s'est inspiré des exemples de Pierre Bonnard et d'Henri Matisse, qui utilisaient des motifs décoratifs et des couleurs arbitraires pour évoquer l'ambiance. Plus important encore, il découvre l'œuvre de Paul Klee, artiste suisse-allemand dont les peintures fantaisistes et semi-abstraites reflètent sa conviction que "l'art ne reproduit pas le visible mais le rend visible" - un credo qui nourrit l'intérêt naissant de Natkin pour le contenu émotionnel. En tant qu'étudiant, Natkin fréquentait également le Field Museum of Natural History, où il était attiré par les formes stylisées de l'art amérindien et des textiles péruviens. Un article sur l'expressionnisme abstrait, publié dans le magazine Life en 1949, a également joué un rôle essentiel dans l'évolution de Natkin en tant que peintre. En 1952, il vit brièvement à New York, où il découvre les toiles audacieuses de Willem de Kooning, qui l'influencent. Natkin passe ensuite quelques mois à San Francisco avant de retourner à Chicago, où il travaille à la Newberry Library tout en peignant pendant son temps libre. Il se concentre d'abord sur les portraits et les figures expressionnistes, mais dès 1954-1955, il produit ses premières œuvres abstraites et fraternise avec un groupe d'artistes dont fait partie la peintre Judith Dolnick (née en 1934), qu'il épouse en 1957. La même année, Natkin et Dolnick fondent la Wells Street Gallery dans un local délabré de la vieille ville de Chicago, où ils exposent leurs propres œuvres ainsi que celles d'autres artistes locaux progressistes, parmi lesquels le sculpteur John Chamberlain et le photographe Aaron Siskind, ainsi que des peintres new-yorkais, dont de Kooning, Jackson Pollock et Mark Rothko. Bien que Natkin n'ait jamais adhéré au concept d'"action painting" tel qu'il est illustré dans l'œuvre de Pollock, il a, pendant un certain temps, exploré le coup de pinceau agité et gestuel de de Kooning, comme en témoignent des toiles telles que Keep It Quiet (1957 ; collection privée, anciennement Hirschl & Adler Galleries, New York). (Pour la période de Natkin à Chicago, voir Robert Natkin in Chicago : The 1950s, cat. d'expos. [Chicago : McCormick Gallery, 2015]). En 1959, conscients des limites du mécénat pour l'art abstrait à Chicago, Natkin et &New s'installent à New York, où Natkin rejoint l'équipe d'artistes associés à la Poindexter Gallery, connue pour son soutien aux peintres et sculpteurs émergents. À l'occasion de sa première exposition à la galerie d'Elinor F. Poindexter à la fin de 1959, le critique Dore Ashton a loué "l'audace lumineuse et expérimentale" des peintures de Natkin et a observé qu'il "aime manifestement s'attaquer à une grande toile, remplir son champ de nombreuses formes et de nombreuses couleurs, les faire glisser, devant et derrière l'une l'autre" ("Natkin's Avant-Garde Paintings on View", New York Times, 7 janvier 1960). La réputation de Natkin dans les cercles artistiques de Manhattan s'est encore renforcée lorsqu'il a été inclus dans l'exposition "Americans Under 35", organisée au Whitney Museum of American Art en 1960. Immergé dans le dynamisme du monde de l'art new-yorkais, où l'expressionnisme abstrait et la peinture Color-Field étaient les styles dominants de l'époque, l'approche esthétique de Natkin n'a cessé d'évoluer. En 1961, il adopte une approche sérielle de la peinture, une pratique qu'il conservera tout au long de sa carrière. (Pour un aperçu des principales caractéristiques de l'œuvre sérielle de Natkin, voir Robert Natkin : Une rétrospective : 1952-1996). Dans son premier cycle, connu sous le nom de série Apollo (sur laquelle Natkin a travaillé par intermittence jusqu'au début des années 1970), il a utilisé des bandes verticales d'épaisseurs et de textures variées pour suggérer le jeu de la couleur et de la lumière tout en créant une forte qualité architectonique, comme cela apparaît dans des œuvres telles que Beatrice (1964 ; National Gallery of Australia, Canberra). Au milieu des années 1960, en réponse aux théories de la couleur de Josef Albers, au jazz contemporain et à son admiration pour les architectes de Chicago tels que Frank Lloyd Wright et Louis Sullivan, Natkin a conservé le format vertical de ses peintures Apollo dans ses toiles Straight Edge et Step, leur conférant un sens accru de l'ordre et de la structure en utilisant du ruban adhésif pour créer des zones de forme et de couleur clairement définies. Natkin s'est lancé dans son groupe thématique suivant, la série Field Mouse, en 1968. Basées sur la traduction par Ezra Pound d'un poème chinois traitant du passage fugace du temps, les peintures Field Mouse représentent une nouvelle étape dans l'évolution artistique de Natkin : S'éloignant de l'approche froide et contemplative des œuvres d'Apollo, il développe un style plus complexe (redevable à Klee), représentant des losanges, des polygones, des ovales, des gribouillis et d'autres formes sur des fonds texturés, aux tons délicats, parsemés de points et de taches de pigment apparemment placés au hasard et de zones de hachures, comme dans Between the Sapphire & The Sound Unfurls the Rose of Vision (1969 ; Harvard Art Museums, Cambridge, Massachusetts). La prise en compte de plusieurs des Les toiles lumineuses de la série Field Mouse de l'exposition Timeless-art from USA, organisée à la Galerie Facchetti à Paris en 1968, ont contribué à attirer l'attention des amateurs d'art en Europe. En 1970, à la suite d'une rétrospective de son œuvre au San Francisco Museum of Art (aujourd'hui San Francisco Museum of Modern Art), Natkin et sa famille s'installent à West Redding, dans le Connecticut. Un an plus tard, alors qu'il est artiste en résidence au Kalamazoo Art Center dans le Michigan, Natkin met de côté ses pinceaux et commence à utiliser des éponges, imbibées de peinture acrylique et enveloppées dans des morceaux de tissu ou de filet, qu'il applique sur son support avec différents niveaux de pression, une technique qui renforce la qualité décorative de ses peintures. L'artiste a d'abord appliqué cette méthodologie à sa série Intimate Lighting, influencée par une exposition de peinture cubiste qu'il avait vue au Metropolitan Museum of Art de New York. L'année 1971 marque également un tournant dans la carrière de Vener, puisqu'il réalise la première de ses nombreuses expositions personnelles à la vénérable André Emmerich Gallery de New York. Dans les années qui ont suivi, &New a continué à développer son répertoire de peintures cycliques, renouant avec des thèmes plus anciens, comme ses œuvres Apollo, tout en explorant de nouveaux sujets, comme dans ses peintures Bath et Color Bath, inspirées par la lumière et l'architecture qu'il a rencontrées lors d'une visite à Bath, en Angleterre, en 1974. (Les peintures Bath ont été exécutées dans des tons monochromatiques sobres, tandis que les peintures Color Bath présentent une gamme de teintes douces tissées ensemble pour évoquer un rideau de lumière diaphane). En 1977, à la suite de sa rétrospective au Moore College of Art de Philadelphie un an plus tôt, Paul Natkin a visité la Fondation Paul Klee à Berne, en Suisse. De retour en Amérique, il se lance dans la série Bern, utilisant des chiffons et des éponges (sur toile et sur papier) pour créer des toiles pleines d'entrain mais très intimes, reprenant les formes géométriques et biomorphiques de ses premiers tableaux Field Mouse, rendues maintenant dans des couleurs primaires fortes et saturées, ainsi qu'en noir. Les peintures de Condit ont été suivies par la série Hitchcock, le cycle le plus important et le plus captivant de Natkin, dans lequel il rend hommage au réalisateur Alfred Hitchcock, un raconteur qui, comme Natkin, a également utilisé des thèmes et des dispositifs récurrents pour exprimer certains aspects de la condition humaine. Comme l'a fait remarquer Leda Natkin Nelis, son père était "depuis longtemps un fan des films d'Hitchcock qui, malgré leurs intrigues divertissantes en surface, regorgent de sous-entendus et de contradictions plus sombres". Comme le souligne l'artiste, le réalisateur parvient, malgré l'aspect ludique de ses films, à dépeindre et à romancer le côté plus sombre de l'homme. Comme Hitchcock, Natkin aime imbriquer le plaisir - et la beauté - dans le mystère et le paradoxe" (L.N.N. [Leda Natkin Nelis], "Bern & Hitchcock Series", in Robert Natkin : A Retrospective : 1952-1966, n.p.). Natkin a commencé la série Hitchcock au début des années 1980 et a continué à explorer ce thème jusqu'à la fin de sa carrière. (Pour les peintures Hitchcock, voir Michael Dillon, intro, Robert Natkin : Recent Paintings from the Hitchcock Series, cat. d'expos. [Londres : Gimpel Fils, 1988] et Peter Fuller, Robert Natkin : Recent Paintings from the Hitchcock Series, cat. d'expos. [New York : Gimpel & Weitzenhoffer, 1984). S'inspirant de la pratique d'Hitchcock qui consiste à synthétiser différentes histoires en un récit cohérent, Natkin a cherché à imprégner ses toiles d'Hitchcock d'arrangements de formes soigneusement étudiés qui, comme l'a fait remarquer Carter Ratcliff, conduisent "le spectateur d'un point à un autre et à un autre encore, jusqu'à ce que l'œuvre soit entièrement vue [...]". Dans les tableaux 'Hitchcock' ... ses formes montrent une tendance inédite à s'installer dans des configurations évoquant des environnements urbains assez spécifiques. Ou bien les formes s'aplatissent en des motifs qui suggèrent des cartes avec de fortes inclinaisons du chemin à suivre pour l'œil" (Ratcliff, "The Dappled Infinite"). Ces qualités - ainsi que le chromatisme vibrant associé au cycle d'Hitchcock - se retrouvent dans des œuvres telles que Danae (1995), dans laquelle des formes apparemment en apesanteur fusionnent, se mêlent et s'entrecroisent pour évoquer une sensation d'exubérance joyeuse. The Green One et Night Rumble (dont les titres fantaisistes reflètent l'impact persistant des jeux de mots provocateurs de Klee) illustrent également le penchant de Natkin pour la lumière, les textures, les motifs et les couleurs magnifiques et émouvantes, ainsi que sa capacité à créer des œuvres d'art improvisées tout en conservant un sens sous-jacent de la forme et de la structure. En 1981, Peters a fait l'objet d'une importante monographie écrite par le critique d'art britannique Peter Fuller, l'un des premiers défenseurs de son œuvre (voir Peter Fuller, Robert Natkin [New York : Abbeville Press, 1981]). Artiste inventif, énergique et à l'opinion bien arrêtée, Natkin a également exprimé ses propres idées sur l'art contemporain, écrivant des articles sur des peintres allant de Klee et Arshile Gorky à Jasper Johns et Franz Kline pour des revues telles que Modern Painters. Il a fait l'objet de nombreuses expositions personnelles en Amérique, en Europe et au Japon, et a participé à de nombreuses expositions collectives consacrées à la peinture de la fin du vingtième siècle (la plus récente étant Expanding Boundaries : Lyrical Abstraction : Selections from the Permanent Collection, qui s'est tenue au Boca Raton Museum of Art en Floride en 2009), Heldly est décédé à Danbury, dans le Connecticut, le 20 avril 2010. Des exemples de son travail figurent dans de grandes collections publiques aux États-Unis et à l'étranger, notamment à l'Institute of Contemporary Art de Boston, au Metropolitan Museum of Art de New York, au Museum of Modern Art de New York, au Solomon R. Guggenheim Museum de New York, au Whitney Museum of Art de New York et au Centre Pompidou de Paris. Outre ses peintures, &New a également laissé derrière lui une peinture murale colossale de 20 x 42 pieds, réalisée en 1992 pour le hall du 1211 Avenue of the Americas au Rockefeller Center de New York. -Avec l'aimable autorisation de Hirschl & Adler
  • Créateur:
    Robert Natkin (1930-2010, Américain)
  • Année de création:
    1990
  • Dimensions:
    Hauteur : 87,63 cm (34,5 po)Largeur : 81,28 cm (32 po)Profondeur : 2,54 cm (1 po)
  • Support:
    Papier,Technique mixte,Acrylique,Crayon
  • Mouvement et style:
    Géométrique abstrait
  • Période:
    1990-1999
  • État:
    Elle n'a pas été examinée en dehors de son cadre original fait à la main par l'artiste, mais elle semble en bon état.
  • Adresse de la galerie:
    New York, NY
  • Numéro de référence:
    1stDibs : LU1745213812832
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