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Expédition dans des eaux tempérées, attribuée à l'artiste italien Francesco Guardi 18th Century
18th Century
À propos de cet article
La splendeur de la mer tragique
Francesco Guardi et la peinture maritime dans l'art vénitien
Aucun peintre vénitien n'était étranger à la mer. Après tout, Venise était non seulement l'un des ports les plus importants de la Méditerranée, mais aussi une ville littéralement immergée dans l'océan de temps à autre. Curieusement, la célèbre école de peinture vénitienne s'est peu intéressée aux motifs maritimes, privilégiant les scènes de l'architecture emblématique de la ville plutôt que les paysages marins. C'est pourquoi ce tableau est une fenêtre particulièrement intéressante non seulement sur le peintre Francesco Guardi lui-même - mais aussi sur la signification de l'élément eau dans l'histoire de l'art, aussi bien en absence qu'au centre de l'attention.
Qu'il s'agisse de journées calmes et ensoleillées offrant des vues imprenables sur les palais le long des canaux de Venise ou - plus rarement - de tragédies de naufrage en mer, l'eau comme élément unificateur fait partie intégrante des œuvres du peintre Francesco Guardi (1712-1793). Au cours de sa vie, l'art vénitien a connu plusieurs de ses plus grands triomphes, des noms comme Tiepolo ou Canaletto acquérant une reconnaissance internationale et faisant de Venise l'une des communautés artistiques les plus dynamiques d'Europe. Si, au XVIIIe siècle, la ville elle-même était déjà un lieu de tourisme précoce où les aristocrates et la haute société se rendaient lors de leur grand tour ou de leurs voyages, les artistes ont eux aussi contribué à cette renommée et leurs œuvres ont diffusé l'image de Venise comme ville de romance et de loisirs auprès d'un public international, dont beaucoup n'ont jamais pu s'y rendre en personne.
Aujourd'hui encore, l'image iconique de Venise, avec son éventail fantaisiste de palais, d'églises et d'autres bâtiments historiques, est largement influencée par ces artistes, dont beaucoup ont très bien résisté à l'épreuve du temps et restent parmi les plus appréciés de toute l'histoire de l'art. Ce n'est pas principalement la subtilité, les significations intellectuelles ou les idéaux moraux que l'art vénitien a essayé de capturer, mais plutôt le simple dynamisme de la vie et la ville au rythme effréné, avec ses palais en ruine et ses gens festifs, qui ont rendu cette atmosphère si particulière. Bien sûr, Venise pouvait compter parmi ses résidents des peintres dans la plupart des genres, du portrait aux motifs religieux, en passant par la peinture d'histoire et bien d'autres choses encore. Pourtant, ce sont les Vedutas et les vues de la ville qui semblent s'être gravées dans notre mémoire plus que toute autre chose, notamment dans la tradition de Canaletto qui était peut-être le maître incontesté de tous les peintres vénitiens.
Né dans sa profession, Francesco a vécu et respiré la peinture toute sa vie. Son père, le peintre Domenico Guardi (1678-1716), est décédé alors que Francesco n'était qu'un petit enfant, mais lui et ses frères Niccolò et Gian Antonio ont continué à suivre les traces de leurs pères. La famille Guardi appartenait à la noblesse et était originaire de la région montagneuse du Trentin, non loin des Alpes. Les frères ont travaillé ensemble sur des commandes plus difficiles et se sont soutenus mutuellement à la manière des ateliers familiaux ou des réseaux d'artistes. Leur sœur Maria Cecilia n'a épousé que l'artiste Giovanni Battista Tiepolo lui-même, liant la famille au nom vénitien le plus renommé de l'époque. Pendant près d'une décennie, Guardi a travaillé dans l'atelier de Michele Giovanni Marieschi, parfois simplement connu sous le nom de Michiel, un peintre similaire tant par son style que par son motif. Canaletto est cependant l'artiste auquel Guardi est le plus souvent comparé, car ils partageaient une fascination commune pour la représentation de l'architecture et du paysage urbain de Venise.
Au cours de sa carrière, Guardi s'est essayé à de nombreux genres différents. Il était aussi prompt à peindre des paysages, des Vedutas de Venise, des motifs sacrés, des intérieurs et des compositions architecturales que d'autres motifs. Son style est typique de l'école vénitienne, mais aussi distinct et personnel dès que l'on y regarde de plus près. Il y a une certitude absolue dans la composition, dont le choix ressemble parfois à celui d'une photographie soigneusement calculée - mais elle est aussi très picturale, dans le meilleur sens du terme : fluide, audacieuse, sensible et pleine de caractère. Le coup de pinceau est rapide, intense, apparemment négligé et extraordinairement minutieux à la fois ; frais et planifié dans un mélange très agréable. Ses intérieurs restituent souvent le glamour spacieux et époustouflant des palais et de leur décor exquis. Il construit généralement le motif à l'aide de traits et de formes remarquablement simples, presque spontanés mais d'une précision intuitive. Il en résulte une atmosphère festive, pleine d'entrain, loin de la ressemblance stérile et exacte dont d'autres peintres ont été victimes en essayant de copier Canaletto.
La peinture ici n'a rien de la ville de Venise. Au contraire, nous semblons être transportés au loin dans l'océan solitaire, sans architecture, sans rien à quoi s'accrocher - seulement la mer rugissante et les falaises dangereuses sur lesquelles les navires sont à deux doigts de s'écraser. Il s'agit d'une composition maritime évoquant des précurseurs flamands et italiens, dans la fière tradition de la peinture maritime qui, pendant des siècles, a constitué un élément crucial de notre culture visuelle.
Ce genre de peinture est aujourd'hui curieusement négligé, comparé à l'estime et à la signification qu'il avait à l'époque où notre relation à la mer était beaucoup plus naturelle qu'aujourd'hui. Lorsque les personnes et les marchandises voyageaient par voie d'eau et que de nombreuses nations et villes - dont Venise - dépendaient entièrement du transport maritime, le lien existentiel avec l'océan était beaucoup plus naturel et intégré à l'imaginaire. Les écoles et les traditions de l'art maritime sont aussi nombreuses qu'il y a de pays liés à la mer, et toutes reflètent le besoin de traiter les dangers et les merveilles de l'océan.
Il peut symboliser une opportunité, la perspective excitante de nouveaux pays et d'aventures, un commerce prospère, de beaux paysages, mais aussi la guerre et la tragédie, la perte de vies, le danger et le malheur. Dire que l'eau est ambivalente par nature est un euphémisme, et ces nombreuses couches ont été explorées par les artistes de la manière la plus merveilleuse qui soit. Il faut peut-être un peu plus de temps à l'œil moderne pour identifier les différentes nuances et qualités des peintures maritimes historiques, qui peuvent sembler difficiles à différencier les unes des autres à première vue. Mais en permettant à ces motifs de se déployer et de raconter des histoires de mer à la fois dans la fiction et la réalité - ou quelque part entre les deux - nous sommes récompensés par une compréhension de la façon dont les océans ont véritablement construit notre monde.
Dans l'interprétation de Guardi, nous voyons une scène de naufrage presque théâtrale. Pas moins de cinq navires sont représentés au moment du désastre le plus total. Pris dans une violente tempête, les vagues les ont poussés vers un rivage de falaises abruptes. S'ils ne sont pas avalés par les vagues, l'écrasement contre les falaises semble être la seule issue. Les grands navires en bois sont décorés de manière impressionnante avec des sculptures élaborées, et sont en fait des reliques déjà du vivant de Guardi. Elles sont en fait typiques des navires néerlandais et flamands du XVIIe siècle, ce qui nous donne un indice de l'origine de son inspiration. Guardi a dû voir des exemples d'art maritime flamand, ce qui l'a rendu curieux de ces motifs particuliers. On pense à des peintres flamands comme Willem van de Velde et Ludolf Backhuysen, et ce tableau a été attribué par erreur à Matthieu van Plattenberg. Elle porte cependant tous les traits typiques de Guardi et la connaissance de son impressionnante polyvalence renforce encore l'attribution à ce dernier, comme le font pas moins de dix autres versions connues de la même scène et un dessin d'étude. Les versions du Musée des Beaux-Arts de Montréal et de la collection Gnecchi à Milan sont particulièrement similaires dans leur impact dramatique, le traitement des vagues et la position des navires, formant ensemble un exemple intéressant de la façon dont un artiste pouvait retravailler et explorer une composition.
Même si les paysages marins ne sont jamais devenus la spécialité de Guardi, l'existence de cette peinture est un témoignage intriguant de sa virtuosité et des avantages artistiques qu'il a su utiliser la mer comme une métaphore de la fragilité de la vie et de la vulnérabilité de l'homme face aux éléments. En outre, il permet d'approfondir la compréhension de toute l'école de peinture vénitienne qui, pour toute sa splendeur architecturale iconique, était beaucoup plus polyvalente qu'on ne le pense généralement. Le fait que des œuvres d'art comme celles-ci nous rappellent également une relation oubliée avec la mer renforce la précieuse leçon selon laquelle une peinture peut être un révélateur de l'histoire, dès lors que nous lui accordons l'attention qu'elle mérite.
huile sur toile
dimensions de la toile 20 x 23 ½ in. (50,8 x 59,7 cm.)
cadre 25,7 x 29 pouces (65,5 x 74 cm.)
Provenance :
Christie's Londres, 2 novembre 2016, lot 180 (comme Attribué à Francesco Guardi), vendu pour 102,500 GBP ;
Collection privée France ;
Sotheby's Paris, 17 juin 2021, lot 165 (comme Attribué à Francesco Guardi)
La littérature :
A. Bonfand, Francesco Guardi, una burrasca, étude inédite, 2017, cat. 15 comme Francesco Guardi, fig. 1.
J. Byam Shaw, The Drawings of Francesco Guardi, Londres, 1951, p. 78, n° 73, illustré.
Une esquisse préparatoire de cette composition est enregistrée par Byam Shaw. À plusieurs égards, ce dessin est plus proche de cette peinture que des deux versions de cette composition de Guardi conservées au Musée des Beaux-Arts de Montréal et dans la collection Bortolotto. Le dessin de la poupe du navire à l'extrême droite est différent de celui de la photo de Montréal, les nids de corbeaux sont représentés à des angles plus aigus et les falaises le long du bord droit sont plus mises en évidence dans le dessin et dans ce lot. Dans le dessin, l'homme debout sur le rocher a les bras tendus et essaie d'attraper le gréement : sur cette image, il l'a déjà attrapé.
- Attribué à:Francesco Guardi (1712 - 1792, Italien)
- Année de création:18th Century
- Dimensions:Hauteur : 65,5 cm (25,79 po)Largeur : 74 cm (29,14 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:Bon état général, prêt à être accroché. La toile a été regarnie. Il y a des saletés en surface et le vernis a pris une couleur jaune. La surface de la peinture présente un fin motif de craquelure. Contactez-nous pour un rapport d'état complet.
- Adresse de la galerie:Stockholm, SE
- Numéro de référence:
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