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Stefanie SchneiderHaley and the Bird Man (Haley et les oiseaux) - Polaroïd, 21e siècle, analogique2013
2013
À propos de cet article
Haley et l'homme-oiseau (Haley et les oiseaux) - 2013
105x100cm,
Edition de 5,
C-Print analogique, imprimé à la main par l'artiste sur papier Crystal Fuji Archive, surface mate,
à partir d'un Polaroïd,
Non monté
Stefanie Schneider interviewée par le film Instantdreams.
Quand avez-vous décidé de travailler avec des polaroïds ? Pourquoi les polaroïds semblent-ils si bien adaptés à nos sens (artistiques), à notre perception et à notre esprit ?
J'ai commencé à utiliser des films Polaroid périmés en 1996. Il est d'une qualité exceptionnelle et résume parfaitement ma vision. Les couleurs d'une part, mais aussi le moment magique où l'on assiste à l'apparition de l'image. Le temps semble s'arrêter, et l'acte de regarder l'image se développer peut être partagé avec les personnes qui vous entourent. Elle capture un moment, qui devient le passé si instantanément que la déchéance du temps est encore plus apparente ; - elle donne à l'image une certaine sentimentalité. L'instant Polaroid est toujours original.
Pourquoi utiliser un support du passé ?
Pour moi, l'analogique a toujours été présent dans le présent. Pour la nouvelle génération, l'analogique est intéressant parce qu'il est nouveau pour elle. Je comprends que les personnes ayant grandi à l'ère du numérique s'interrogent sur son utilité, mais c'est à eux de le récupérer s'ils le souhaitent. Lorsque j'ai commencé à travailler avec Polaroid, ce n'était pas le passé. Il s'agit d'un média partiellement oublié, mais qui existe néanmoins. C'est le mien par choix. Il n'y a pas de substitut à la beauté tangible.
Est-il imparfait ?
La perfection imparfaite dans une sorte de "wabi-sabi".
Wabi-sabi (侘寂) représente une vision du monde ou une esthétique japonaise globale centrée sur l'acceptation de l'éphémère et de l'imperfection. L'esthétique est parfois décrite comme une beauté imparfaite, impermanente et incomplète.
Si un objet ou une expression peut faire naître en nous un sentiment de mélancolie sereine et une aspiration spirituelle, alors on peut dire que cet objet est wabi-sabi. Le wabi-sabi nourrit tout ce qui est authentique en reconnaissant trois réalités simples : rien ne dure, rien n'est fini et rien n'est parfait.
La photographie polaroïd est-elle reconnaissable, voire parfois clichée ?
Absolument ! La façon dont je montre le rêve américain a quelque chose de cliché. Je le vis moi-même, en essayant de trouver la perfection dans un monde imparfait. Atteindre l'horizon. Le rêve est brisé, le cliché tombe. Il existe différentes manières d'impliquer un public. On pourrait faire des films comme "Gummo" d'Harmony Korine, un chef-d'œuvre à mon avis, qui éloignerait une grande partie du public. Une certaine éducation cinématographique est nécessaire. Ou bien vous pouvez commencer par des clichés, le public se sent alors en sécurité, ce qui l'attire dans la profondeur de votre monde sans même qu'il s'en rende compte ou qu'il comprenne où il est exactement conduit. Faire appel aux émotions et au subconscient. Normalité, changement, nouvelle normalité.
Dans votre travail, vous revisitez sans cesse le paysage de l'Ouest américain. Qu'est-ce qui vous ramène à cette scène ?
La Californie du Sud représente un rêve pour moi. Le contraste entre le nord de l'Allemagne, où j'ai grandi, et le soleil infini de Los Angeles est ce qui m'a d'abord attirée. L'Ouest américain est mon rêve de prédilection. Les grands espaces ouvrent des perspectives qui expriment des émotions et des désirs. L'isolement nourrit des sentiments de liberté ou parfois des réflexions sur le passé. Le High Desert de 29 Palms bénéficie d'une lumière très claire et très vive, ce qui est essentiel. Les films Polaroid périmés produisent des "imperfections" qui, selon moi, reflètent le déclin du rêve américain. Ces soi-disant "imperfections" illustrent la réalité de ce rêve qui se transforme en cauchemar. La désintégration de la société occidentale.
Jouez-vous avec la temporalité du matériau et la valeur du moment lui-même ?
La valeur du moment est primordiale, car c'est ce moment que vous essayez de transformer. Tout matériel est temporaire, il est relatif, et le temps est éternel.
Pourquoi le film analogique semble-t-il plus pur et plus intuitif ?
Il est tangible et lumineux et représente un seul moment.
L'instant numérique peut rester dans la boîte (le disque dur / l'appareil photo / l'ordinateur, etc.) pour toujours, sans jamais être touché, mis dans un album photo, envoyé dans une lettre ou accroché à un mur. L'impression en fait un accomplissement.
Le monde analogique est plus sélectif, il crée des images de notre mémoire collective.
Le clic numérique mondial détruit ce moment. La génération sans mémoire en raison de la surcharge d'informations et des défaillances des disques durs. Les albums photos appartiennent au passé.
Pourquoi ce sentiment ?
C'est ainsi que fonctionne l'instinct humain.
Lorsque j'étais enfant, chaque photo prise était un moment privilégié. Les pellicules photographiques analogiques ainsi que le matériel Super-8 étaient des trésors coûteux. Les souvenirs de ma famille ont été créés en choisissant certains moments. Il y avait un effort derrière la photo. Le rouleau de film pouvait attendre des mois à l'intérieur de l'appareil avant d'être entièrement utilisé. Ensuite, le film devait être développé, ce qui prenait plus de temps, et enfin, lorsque les photos étaient récupérées au magasin, les souvenirs étaient à nouveau visités en famille. Qui savait alors à quel point ces moments étaient éphémères. Le partage des souvenirs était un rituel.
Quelle est votre philosophie derrière l'art des photos Polaroid ?
L'"obsolète" est tout sauf obsolète. Les choses ne sont pas toujours ce qu'elles semblent être, et il y a des messages cachés. Nos souvenirs et nos rêves sont sous-évalués. C'est là que commence le véritable apprentissage et la compréhension en s'ouvrant à des perspectives différentes.
Qu'est-ce qui vous a incité à utiliser la cinématographie en stop motion ?
Mon travail a toujours ressemblé à des photos de films. Je me souviens de la première fois où j'ai apporté une boîte de polaroïds et où je l'ai glissée sur le bureau de Susanne Vielmetter (ma première a Gallery). Immédiatement, il est apparu qu'il y avait une histoire à raconter. Les histoires se sont multipliées. Il était indéniable pour moi que l'histoire émergente était l'endroit où j'étais destiné à aller. J'ai réalisé quatre courts métrages avant mon dernier long métrage, "The Girl behind the White Picket Fence". Ce film de 60 minutes comporte plus de 4000 polaroïds montés. Il est important de se rappeler que notre subconscient remplit les blancs, les parties manquantes de l'histoire permettant une expérience plus profonde et plus personnelle pour le spectateur. Enfin, si vous vous abandonnez et si vous me faites confiance en tant que directeur pour vous conduire là où vous n'êtes peut-être jamais allé auparavant.
Pourquoi pensez-vous qu'il est important de posséder des œuvres d'art ?
Nous avons l'art pour ne pas mourir de la vérité.
Nietzsche
Les nouvelles œuvres photographiques de Stefanie Schneider racontent des histoires fantastiques sur sa maison californienne d'adoption. Elle recherche les mythes américains délavés et distille une réalité chargée d'auras d'une manière très personnelle et surprenante. Elle utilise des pellicules Polaroid périmées, et les taches causées par la dégénérescence de la pellicule sont intégrées à la composition de manière picturale. Les erreurs d'exposition et les effets de films à petit budget sont combinés pour obtenir un effet aliénant. Tout scintille et vacille devant nos yeux. L'artiste joue avec l'authentique poésie de l'amateur, mêlant des mises en scène étrangement oniriques à des événements photochimiques aléatoires. Dans l'œuvre en 16 parties Frozen, qui se caractérise par une ambiance lumineuse étrangement transcendante, des grappes picturales semblables à des arrêts sur image s'assemblent pour former une histoire mystérieuse, dont l'artiste elle-même est le protagoniste solitaire. L'esthétique rappelle les premiers films de Lynch. Les éléments constitutifs de cette chorégraphie elliptique sont des scènes d'un paysage hivernal enchanté et étincelant, ainsi que des "instantanés mis en scène" d'une jeune femme pâle en jupon, qui irradie la réalité troublée d'un mirage par sa présence somnambulique. L'histoire est présentée à la manière de flashbacks cinématographiques ou de séquences de rêve. Du sang de scène et un couteau sont utilisés pour évoquer un crime passionnel dont l'attrait surréaliste provient de l'ouverture scénique de ce qui est montré. L'utilisation délibérée de vieilles photos instantanées met en évidence, de manière riche en facettes, la qualité éphémère de la vulnérabilité et du caractère éphémère d'une réalité qui est fragile dès le départ. Le Stars and Stripes américain, récemment réactualisé comme l'épitomé absolue d'un signifiant patriotique, est le sujet de l'œuvre en 9 parties Primary Colors (2001). Le point de vue européen rassurant de Schneider, exempt d'émotions excessives, présente le motif de la bannière étoilée sous une forme étrangement aliénée : elle montre des photos avec des phases de battements violents au vent, parfois même déchirées, et la mauvaise qualité de la pellicule accentue encore la fragilité de l'icône.
FlashART - Sabine Dorothee Lehner
(traduit de l'allemand par Michael Robinson)
- Créateur:Stefanie Schneider (1968, Allemand)
- Année de création:2013
- Dimensions:Hauteur : 105 cm (41,34 po)Largeur : 100 cm (39,38 po)Profondeur : 1 mm (0,04 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Morongo Valley, CA
- Numéro de référence:1stDibs : LU652310028382
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4,9
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