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Christian Houge
'Shibari 3', Tokyo de la série "Okurimono" Japan nude rope studio shibari

2019

À propos de cet article

Okurimono Impression pigmentaire À propos du travail : Shibari I est une œuvre du photographe contemporain Christian Houge, issue de la série Okurimono. Dans cette série, Houge a, à travers cinq voyages au Japon (Tokyo, Osaka et Kyoto), exploré la sous-culture japonaise d'un autre monde et sa perfection rituelle. Dans ce documentaire artistique personnel, il s'est aventuré sur des thèmes délicats tels que l'identité personnelle, la sexualité, la nostalgie et la dysphorie de genre. Dans cette série particulière, il utilise la mise en scène comme méthode pour créer une histoire dans une histoire. Les associations de spectateurs sont importantes dans la réalisation de ce travail et l'ambiguïté joue un rôle important. Les images de la série Okurimono- sont disponibles en 3 formats différents : Les images de la série Okurimono sont disponibles en 3 formats différents : * 50 x 75 cm : édition de 10 + (+2ap) * 80 x 120 cm : édition de 7 + (+2ap) * 113 x 170 cm : édition de 7 + (+2ap) Chaque tirage est numéroté et signé D'autres travaux seront envoyés à partir de la demande artistique. christian à soulfood non Dans cette série, Houge a, à travers cinq voyages au Japon (Tokyo, Osaka et Kyoto), exploré la sous-culture japonaise d'un autre monde et sa perfection rituelle. Dans ce documentaire artistique personnel, il s'est aventuré sur des thèmes délicats tels que l'identité personnelle, la sexualité, la nostalgie et la dysphorie de genre. Dans cette série particulière, il utilise la mise en scène comme méthode pour créer une histoire dans une histoire. Les associations de spectateurs sont importantes dans la rencontre avec ce travail et l'ambiguïté joue un rôle important. Okurimono (qui signifie à la fois "cadeau" et "ce qui est entre deux" en japonais) - est un mot qui lie ce projet global développé au cours de cinq voyages au Japon entre 2007 et 2018. La série explore la quête personnelle d'identité, parfois avec une obscurité sous-jacente, car Houge a eu la chance d'être introduit dans la sous-culture de Tokyo. En explorant ce thème, Houge s'est aventuré sur des sujets délicats tels que la sexualité, la nostalgie et la dysphorie de genre. Dans cette série particulière, il utilise la mise en scène comme méthode pour créer une histoire dans une histoire. L'artiste souhaite interroger le spectateur et susciter une réflexion sur des sujets souvent considérés comme tabous dans nos sociétés contemporaines. Les propres associations du spectateur sont importantes pour apprécier cette œuvre où l'ambiguïté joue un rôle important. Le projet a débuté dans le quartier de Harajuku à Tokyo, connu pour être un centre de la culture des jeunes japonais, où Houge a trouvé certains de ses premiers motifs : des adolescentes s'habillant en robes post-victoriennes ou en costumes "cosplay" pour s'identifier à un personnage de leur bande dessinée préférée. Ici, le désir d'exprimer sa singularité est central et le photographe explore la tension entre l'identité personnelle et l'esthétique partagée par tous (ou du moins par le même groupe de jeunes). Dans nombre de ses photographies soigneusement mises en scène, les modèles de Houge sont masqués, afin de faire écho aux nombreux masques sociaux que nous portons dans notre vie quotidienne. Dans notre société de l'information post-moderne, vidée de son sens de l'émerveillement, ces personnages masqués et énigmatiques évoquent également le monde des chamans et des rituels païens, insufflant ainsi un sentiment de mystère et de spiritualité auquel beaucoup aspirent. Le symbolisme et les nombreuses références aux rituels et à l'identité dans une société par ailleurs supprimée, peuvent parfois créer un sentiment de malaise chez les spectateurs. Le projet Okurimono explore également le thème de l'identité et de la sexualité dans la dysphorie de genre avec les nyūhāfu du Japon (les "nouvelles moitiés" transsexuelles). Ici, la quête d'identité coïncide avec une recherche de féminité et d'image corporelle qui se traduit par des transformations physiques complexes. Les spectateurs peuvent regarder ces portraits sans se douter que les modèles sont des nyūhāfu. Pourtant, les photographies sont mises en scène de sorte que les spectateurs sont placés dans un rôle de voyeur déconcertant alors qu'ils regardent un monde autrement fermé. Le shibari (l'art du ligotage), qui trouve son origine dans la période Edo (1600), est un autre territoire exploré par Houge dans sa série Okurimono. Ses photographies saisissantes de modèles féminins attachés avec une corde rouge sur un fond blanc nous entraînent dans ce puissant voyage vers la vulnérabilité et l'abandon, le pouvoir et la liberté. Par le biais de la tradition, du symbolisme et de la technologie, Okurimono explore également les symboles extrêmement puissants qui contribuent à définir une partie de la culture japonaise et de l'identité nationale, entre l'ancien et le nouveau. Comme le dit l'historien de l'art Erling Bugge : "Christian Houge nous guide vers un mystère. Il se situe entre les formes ritualisées du jardin zen traditionnel et retiré de Kyoto et les espaces tout aussi ritualisés de la ville futuriste de Tokyo. Pour un Occidental, le Japon peut sembler familier, car ce qui nous est présenté ressemble à un spectacle futuriste ancré dans l'imaginaire occidental. Ce jugement, cependant, est trop facile. Dans les photographies de Houge, le sentiment de similitude s'estompe et un sentiment d'étrangeté très différent s'insinue en nous. En fait, ce que cette série enregistre, c'est un lieu remarquable d'altérité dans l'ordre mondial actuel, une différence radicale au milieu du familier." Les images de la série Okurimono ont en commun une qualité fantomatique, d'un autre monde. Dans la réalité et le rêve, le rituel et le jeu se confondent tandis que les frontières entre le connu et l'inconnu se dissolvent. Christian Houge - Now - Okurimono Christian Houge nous guide vers un mystère. Il se situe entre les formes ritualisées du jardin zen traditionnel et retiré de Kyoto et les espaces tout aussi ritualisés de la ville futuriste de Tokyo. Pour un Occidental, le Japon peut sembler familier, car ce qui nous est présenté ressemble à un spectacle futuriste ancré dans l'imaginaire occidental. Ce jugement, cependant, est trop facile. Dans les photographies de Houge, le sentiment de similitude s'estompe et un sentiment d'étrangeté très différent s'insinue en nous. En fait, ce que cette série enregistre, c'est une place remarquable de l'altérité dans l'ordre mondial actuel, une différence radicale au beau milieu du familier. Ce phénomène est poussé à son paroxysme dans le pays des merveilles technologiques et virtuelles d'Akihabara, à Tokyo, où les boutiques se succèdent pour vendre des produits électroniques et des jeux informatiques, tandis qu'un étrange jeu de costumes, le "cosplay", se déroule dans les rues. Une simulation similaire se déroule dans le quartier de Harajuku, où Houge a trouvé certains de ses motifs. Il n'y a pas d'authenticité ici, pas d'"essence" ou de "réalité" occidentale ; au contraire, le virtuel conquiert le corps charnel dans un jeu épuré de surface, d'image et d'hyperréalité. C'est exotique. En même temps que nous sommes conscients de ces notions comme des points culminants dans une idée occidentale du post-moderne. Mais en ce sens, le Japon a toujours été "post-moderne". Elle a toujours intégré la culture et la technologie les plus raffinées de l'extérieur tout en conservant une identité propre. Alors, quelle serait cette identité ? Houge adopte le point de vue du rituel et du jeu. En effet, la culture japonaise semble être fondée uniquement sur le rituel, dans les affaires et dans le sexe, dans sa relation à la nature et dans la religion. Cette pièce transcende totalement la notion d'authenticité, contrairement à l'Occident qui est hanté par le "fantôme" de l'origine et du commencement. Au Japon, "maintenant" signifie exactement cela ; c'est un "sans retour en arrière", mais plutôt un flux d'intensités intégrées dans le jeu et le rituel de l'omniprésent, okurimono. Il n'y a ici aucune menace d'être dévoré par la culture et la technologie occidentales, car, comme dans la pratique du zen, le rituel supervise tout et n'a aucun frein historique. Le Japon se retrouve en apesanteur, projeté en orbite en dehors de la matière de la terre elle-même. Le fait de jouer le rôle de la jeune fille victorienne de Lewis Caroll est-il motivé par un sentiment de nostalgie ? Je ne pense pas. Il s'agit de la recherche d'un moment de présence parfaite, en dialogue avec la machine optique de Houge. C'est le moment du Maintenant. La jeune fille, le jardin zen et l'image partagent une perfection modifiée par de petites incertitudes, des imperfections fortuites qui deviennent pour nous des points d'entrée quelque peu obliques - un mouchoir jeté ou des formes et des reflets apparemment quelconques dans le jeu prismatique des surfaces. Il y a une qualité fantomatique, d'un autre monde dans ces images, même dans la floraison fugace d'un cerisier et le jeu des ombres sur un minimalisme concret. La lumière doublement exposée ou réfléchie sur l'objectif nous rappelle les débuts incertains de l'histoire de la photographie, avec la croyance répandue que l'appareil photo était capable de percevoir plus que l'œil nu, comme les esprits et les fantômes. Dans les images de Houge, il y a différents spectres, des formes squelettiques et naturelles d'un côté, la machine et le virtuel de l'autre. Ici, comme dans une scène du film Blade Runner, il y a une étrange confusion et un mélange entre l'humain et le non-humain. Peut-être que la recherche d'un moment parfait dans le flux perpétuel des choses est une aspiration romantique ou mélancolique à une plénitude transcendante, une impulsion qui est exploitée dans une attention rigoureuse aux détails visuels. Cette discipline compulsive peut sembler absurde à tout observateur occidental, alors que l'aspiration elle-même forme un terrain commun et sera finalement la base de notre rencontre. Erling Bugge
  • Créateur:
    Christian Houge (1972, Norvégien)
  • Année de création:
    2019
  • Dimensions:
    Hauteur : 50 cm (19,69 po)Largeur : 75 cm (29,53 po)
  • Autres éditions et dimensions:
    80 x 120 cm : edition of 7 + (+2ap)Prix : 3 554 $US
  • Support:
    Pigment numérique
  • Période:
    2000-2009
  • État:
  • Adresse de la galerie:
    Oslo, NO
  • Numéro de référence:
    Vendeur : Artist working with museums and galleries internationally1stDibs : LU1600211849512
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