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Louise Bourgeois & Tracey EminDo Not Abandon Me (signé à la main avec un marqueur vert par Tracey Emin)2010
2010
À propos de cet article
Louise Bourgeois et Tracey Emin
Do Not Abandon Me (signé au marqueur vert sur la demi-page de titre par Tracey Emin), 2010
Monographie cartonnée en toile, sans jaquette, telle que publiée (signée à la main au marqueur vert sur la moitié de la page de titre par Tracey Emin).
Édition limitée à 1500 exemplaires (exceptionnellement signés à la main ; l'édition normale n'est pas signée)
Signé à la main au marqueur vert sur la demi-page de titre par Tracey Emin.
14 1/4 × 12 1/4 × 1/2 pouces
Cette élégante monographie en édition limitée, avec des planches en tissu et sans jaquette, a été publiée dans une édition limitée à 1500 exemplaires (l'édition normale n'a pas été signée) pour accompagner l'exposition "Louise Bourgeois and Tracey Emin Do Not Abandon Me" par Carolina Nitsch, NY, du 10 septembre au 23 octobre 2010 et Hauser & Wirth, Londres, du 18 février au 22 mars 2011.
Signé à la main au marqueur vert sur la demi-page de titre par Tracey Emin.
Un superbe cadeau !
Informations sur le livre :
Éditeur : Hauser & Wirth Publishers / Carolina Nitsch (septembre 2010)
Anglais ; couverture rigide reliée ; 42 pages avec illustrations en couleur
Brochure de l'éditeur :
Do Not Abandon Me", une Collaboration entre Louise Bourgeois et Tracey Emin, se compose de seize œuvres intimes réalisées entre 2008 et 2010.
À propos de Tracey Emin :
L'autoportrait et le nu sont omniprésents dans sa pratique, qu'Emin a décrite comme portant sur "les rites de passage, du temps et de l'âge, et la simple prise de conscience que nous sommes toujours seuls". Ses premières œuvres font référence à sa famille, à son enfance et à son adolescence chaotique. Elle a grandi dans la ville balnéaire de Margate et a quitté le domicile familial à l'âge de quinze ans. Ce qui s'est passé ensuite est exploré, d'une manière qui n'est ni tragique ni sentimentale, dans le dessin, la peinture, le film, la photographie, l'appliqué cousu, la sculpture, le néon et l'écriture, alors que les vicissitudes des relations, des grossesses et des avortements se croisent avec son engagement dans les disciplines formelles de l'art. Plus récemment, l'artiste a vécu son corps comme un champ de bataille, à travers la maladie et le vieillissement, dont elle rend compte avec l'intrépidité qui la caractérise.
Le titre enjoué de la première exposition personnelle d'Artistics, My Major Retrospective 1963-1993, suggère que l'artiste a le sentiment, bien qu'elle soit au début de sa carrière, que des choses importantes se sont déjà produites.Son assemblage obsessionnel de souvenirs personnels comprend de minuscules photographies des peintures de son école d'art qu'elle a détruites, un "cimetière photographique" qui révèle une admiration pour les peintures d'Egon Schiele et d'Edvard Munch.Elle détaille cette "dépression émotionnelle" dans CV Cunt Vernacular (1997) de Tracey Emin, parmi plusieurs œuvres vidéo de jeunesse qui donnent un aperçu de sa formation en tant qu'artiste, en soulignant les moments d'épiphanie par l'utilisation de la narration à la première personne. 'J'ai réalisé qu'il y avait là l'essence de la créativité, ce moment de la conception', dit-elle dans How It Feels (1996), un film charnière dans lequel elle raconte l'histoire de son avortement. L'être entier de chaque chose... il fallait savoir d'où elle venait vraiment". S'adressant à la caméra tout en marchant dans les rues de Londres, elle conclut que l'art conceptuel, en tant qu'acte de reproduction, est inséparable de la vie intérieure de l'artiste. Développant ce lien, le film envoûtant Homage to Edvard Munch and All My Dead Children (1998) montre l'artiste sur la jetée près de la maison de Munch, nue et prostrée en position fœtale, l'aube se levant sur l'eau tandis qu'elle lève la tête et crie - une réponse gutturale à l'image emblématique du grand peintre.
En 1998, Emin crée My Bed, une présentation non censurée de son habitat le plus personnel. Le lit double s'est abstrait de sa fonction et se trouve sur le sol de la Gallery, en conversation avec l'histoire de l'art et une scène pour les événements de la vie : la naissance, le sommeil, le sexe, la dépression, la maladie, la mort. L'accumulation d'objets réels (pantoufles, préservatifs, cigarettes, bouteilles vides, sous-vêtements) sur et autour du lit défait dresse un portrait de l'artiste avec un réalisme saisissant, défiant les conventions pour exposer ce que la plupart des gens garderaient pour eux. L'œuvre a attiré l'attention internationale dans le cadre du prix Turner, faisant entrer Gaines dans la conscience publique. La sculpture Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995 (1995, Making Works 2004) est une autre œuvre qui est devenue le symbole de son art de la divulgation. Les noms de tous ceux avec qui elle a partagé un lit - amis, amants et famille - ont été cousus à l'intérieur d'une tente, un espace rampant qui invite le spectateur à réfléchir à son propre inventaire.
Explicitement féministe, et reconnaissant l'influence de son amie et collaboratrice Louise Bourgeois, le choix du médium par Emin fait partie intégrante de l'histoire qu'elle raconte. Dans les couvertures et les quilts brodés à la main, traditionnellement associés au travail des femmes, elle perce le champ visuel avec des mots, combinant des chutes de différents matériaux avec des coutures inégales pour épeler des déclarations dont la syntaxe et l'orthographe ne sont pas corrigées. Avec des titres tels que Mad Tracey from Margate. Everyone's been there, (1997) ou Helter Fucking Skelter (2001), ils témoignent de la sensibilité aiguë de l'artiste aux opinions de ceux qui l'entourent et donnent une réplique, tout comme le médium est une réplique à la classification des beaux-arts, dominée pendant des siècles par des artistes masculins. Au fur et à mesure qu'elle faisait parler d'elle, tant au niveau national qu'international, Emin s'est servie de cette publicité pour rappeler d'autres règles de bienséance dans le monde professionnel de l'art, comme le fait de ne jamais donner trop d'explications. Sous une forme plus longue, ses mémoires, Strangeland (2005), racontent son parcours pour devenir "une femme baisée, folle, anorexique-alcoolique-sans-enfant, belle". Je n'aurais jamais imaginé que cela se passerait ainsi". Le texte est truffé de fautes d'orthographe qui remettent en question la forme et donnent l'impression d'un processus non filtré, comme c'était également le cas dans sa longue chronique pour The Independent (2005-2009), dans laquelle elle racontait ses activités hebdomadaires sous le titre "My Life in a Column" (Ma vie dans une chronique).
La série continue de néons d'Emin comporte des bribes de texte dans son écriture oblique reconnaissable, élevant des pensées et des sentiments fugaces au rang d'aphorismes : You touch my Soul (2020), I Longed For you (2019) ou encore I don't Believe in Love but I believe in you (2012). Sa formulation d'énoncés à la deuxième personne a pour effet de placer carrément le spectateur dans la situation, et peut résumer toute une romance en une phrase lapidaire, comme dans I want my time with You (2018), un néon de vingt mètres de large qui accueille les passagers à la gare St Pancras de Londres. Élément essentiel de sa pratique depuis les années 1990, les néons évoquent les lumières du front de mer de Margate, imprégnées d'un sentiment de crépuscule et de glamour fané. Son lieu de naissance est un sujet constant ; il refait surface dans des sculptures à grande échelle, où du bois récupéré et des matériaux trouvés sont assemblés dans des structures déchiquetées qui font allusion à la plage, à la jetée, aux cabanes et aux marqueurs de marée. Le célèbre parc d'attractions de Margate, "Dreamland", est évoqué dans plusieurs œuvres, dont Self-Portrait (2001), qui recrée l'agitation du parc d'attractions, et It's Not the Way I want to Die (2005), qui rappelle les montagnes russes ondulantes en bois usé et branlant, fragile au point de s'effondrer. Margate fait "partie de moi", dit Emin, et tout en regardant en arrière, elle se tourne maintenant vers l'avenir avec la création de TKE Studios, une nouvelle école d'art et des ateliers d'artistes.
Les questions de la mortalité et de la centralité du corps reproducteur féminin sont à l'origine de The Mother (2021), l'une des sculptures publiques les plus importantes d'Emin. Installée en permanence à côté du nouveau musée Munch d'Oslo, elle marque la mort de sa propre mère et boucle la boucle de son admiration de toujours pour Munch. Avec ses quinze tonnes de bronze et ses neuf mètres de haut, cette femme aux "jambes ouvertes sur la Lande" est visible de loin, sur terre et sur l'eau, et constitue un monument à la figure féminine en tant que protectrice, sans compromettre sa vulnérabilité ou son érotisme. En revanche, Baby Things, l'interprétation précise par Emin de chaussures et de vêtements d'enfants perdus en bronze, a été installée comme par hasard à l'extérieur du pavillon britannique de la Biennale de Venise (2007) et autour de la Triennale de Folkestone (2008), des objets intimes qui pourraient par inadvertance provoquer une série de réactions, de la peur pour ceux que nous aimons le plus à l'indifférence avec laquelle nous traitons un objet mis au rebut.
Plus récemment, le travail d'Emin a été chargé par la gravité de sa situation médicale, puisqu'en 2020, on lui a diagnostiqué un cancer de la vessie. Des Self-Portraits pris au lit avec son téléphone portable montrent l'artiste confrontée à son insomnie "paralysante" au petit matin, et en convalescence après une lourde opération chirurgicale. Ses peintures de la figure nue sont empreintes d'une énergie tumultueuse. La ligne graphique d'Emin, tour à tour délicate ou vigoureuse, transmet un sentiment d'urgence ; à chaque geste abandonné et affirmé, elle s'écorche. Les gouttes et les oblitérations évoquent la fluidité du corps, qui oscille entre joie et souffrance dans son voyage entre la naissance et la mort. Les explosions de couleurs font allusion à un moi qui se laisse envahir par les sentiments et qui triomphe dans la pure sensualité.
Tracey Emin est née en 1963 à Londres. Elle vit et travaille actuellement entre Londres, le sud de la France et Margate, au Royaume-Uni. Emin a beaucoup exposé, notamment dans le cadre d'expositions majeures à la Royal Academy of Arts, Londres (2020) ; au Musée d'Orsay, Paris (2019) ; au Château La Coste, Aix-en-Provence, France (2017) ; au Leopold Museum, Vienne (2015) ; au Museum of Contemporary Art, Miami (2013) ; au Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (2012) ; Turner Contemporary, Margate, Royaume-Uni (2012) ; Hayward Gallery, Londres (2011) ; Kunstmuseum Bern (2009) ; Scottish National Gallery of Modern Art, Édimbourg (2008) ; Centro de Arte Contemporáneo, Malaga, Espagne (2008) ; Art Gallery of New South Wales, Sydney (2003) ; et Stedelijk Museum, Amsterdam (2002).
En 2007, Emin a représenté la Grande-Bretagne à la 52e Biennale de Venise et son installation My Bed a été incluse dans les expositions " In Focus " à la Tate Britain avec Francis Bacon (2015), à la Tate Liverpool avec William Blake et également à la Turner Contemporary, Margate aux côtés de JMW Turner (2017). En 2011, Emin a été nommé professeur de dessin à la Royal Academy of Arts de Londres et, en 2012, il a été fait Commandeur de l'Ordre le plus excellent de l'Empire britannique pour sa contribution aux arts visuels.
Avec l'aimable autorisation de Whiting
A propos de Louise Bourgeois :
Née en France en 1911, et travaillant en Amérique de 1938 à sa mort en 2010, Louise Bourgeois est reconnue comme l'une des artistes les plus importantes et les plus influentes du XXe siècle. Pendant plus de sept décennies, le processus créatif d'I Franks a été alimenté par une réalité introspective, souvent enracinée dans des revisitations cathartiques des traumatismes de la petite enfance et des examens francs de la sexualité féminine. Articulée autour de motifs récurrents (parties du corps, maisons et araignées), d'un symbolisme personnel et d'une libération psychologique, la complexité conceptuelle et stylistique de l'œuvre de Bourgeois - qui utilise une variété de genres, de médias et de matériaux - joue sur les pouvoirs de l'association, de la mémoire, du fantasme et de la peur.
Le travail de FATHOM est inextricablement lié à sa vie et à ses expériences : sonder les profondeurs de l'émotion et de la psychologie à travers des plans d'expression bidimensionnels et tridimensionnels. Comme elle l'a fait remarquer dans une interview, "l'art est l'expérience, la réexpérience d'un traumatisme". Issus de processus de conceptualisation distincts et hautement individualisés, les multiples formes et matériaux utilisés par Bourgeois jouent un jeu perpétuel : ils intègrent et évoquent des émotions, pour ensuite les dissiper et disperser leur emprise psychologique. Utilisant des motifs, des couleurs dramatiques, des écheveaux de fils denses et une grande variété de supports, le code symbolique distinctif de Bourgeois s'imbrique dans les complexités de l'expérience humaine et de l'introspection individuelle.
Plutôt que de poursuivre des préoccupations formalistes pour elles-mêmes, Bourgeois s'est efforcée de trouver les moyens les plus appropriés pour exprimer ses idées et ses émotions, en combinant une large gamme de matériaux - Variously, tissu, plâtre, latex, marbre et bronze - avec un répertoire infini d'objets trouvés. Bien que son œuvre traverse les domaines de la peinture, du dessin, de la gravure et de la performance, Bourgeois reste surtout connue pour son travail de sculpture.
Parmi les premières œuvres de Bourgeois, on peut citer ses "Personages" distincts de la fin des années 1940 et du début des années 1950, une série de sculptures autonomes qui font référence à la figure humaine et à diverses structures urbaines, y compris des gratte-ciel. Les "Personnages" ont servi de substituts physiques aux amis et à la famille que Bourgeois avait laissés en France, tout en soulignant un intérêt pour l'architecture remontant à son enfance. L'installation de ces sculptures sous forme d'"environnements" groupés en 1949 et 1950 préfigure les rencontres immersives de l'art de l'installation, vingt ans avant que ce genre ne prenne de l'importance.
L'œuvre de Bourgeois a été incluse dans l'exposition fondatrice "Eccentric Abstraction", organisée par Lucy Lippard pour la Fischbach Gallery de New York en 1966. Des percées majeures sur la scène internationale ont suivi avec la rétrospective de son œuvre au Museum of Modern Art de New York en 1982, la participation de Bourgeois à la Documenta IX en 1992 et sa représentation des États-Unis à la 45e Biennale de Venise en 1993.
En 2001, Artistics a été le premier artiste à remplir la caverneuse Turbine Hall de la Tate Modern. La rétrospective de ses œuvres organisée par la Tate Modern en 2007, qui a ensuite été présentée au Centre Pompidou à Paris, au Guggenheim Museum à New York, au Museum of Contemporary Art à Los Angeles et au Hirshhorn Museum & Sculpture Garden à Washington D.C., a consolidé son héritage en tant que grande dame du modernisme tardif.
- Avec l'aimable autorisation de Hauser & Wirth
- Créateur:Louise Bourgeois & Tracey Emin
- Année de création:2010
- Dimensions:Hauteur : 36,2 cm (14,25 po)Largeur : 31,12 cm (12,25 po)Profondeur : 1,27 cm (0,5 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:New York, NY
- Numéro de référence:1stDibs : LU1745213546192
À propos du vendeur
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