Small Sculptures - Figuratif

Wall est une sculpture en bronze de l'artiste contemporaine Delphine Brabant, dont les dimensions sont 37 × 56 × 7 cm (14,6 × 22 × 2,8 in). La sculpture est signée et numérotée, ell...

"Adams Maquette" de Frederick Hart est une sculpture figurative en bronze à figures féminine et masculine dont le numéro d'édition est 116/350. "Adam est tout le monde, sorti des...

Tigre surprenant une antilope (terrasse sans profil) Bronze à patine verte nuancée, vers 1880 Signé "BARYE", cachet "H" du fondateur Brame Antoine-Louis Barye (1796-1875) est un s...

Dans cette sculpture réfléchie de l'artiste canadien Richard Tosczak, les gestes d'une figure féminine, tête penchée, bras enveloppés, sont capturés dans le bronze. Connue pour ses m...

Jesús Curiá Perez Deslizando bronze et acrylique 24h x 12.50w x 11.75d in 60,96h x 31,75w x 29,84d cm ed. 1/8 JCP068 Les sculptures de Jesús Curiá suscitent quelque chose de plus qu...

EDUARDO ARROYO Espagnol, 1937 - 2018 RAMONEUR IV signé, daté et numéroté "ARROYO / 1982 / 1/6" (sur le côté du cou) Sceau de fonderie "MAGISA" (sur le côté du col) bronze et techniqu...

Torse de femme en marbre de Rosa Portugal. Non signée. Fin du 20e siècle. En parfait état. École américaine. 18.5 pouces de haut par 10 sages par...

Cela a posé avec force la question de savoir s'il était possible d'obtenir des informations sur l'évolution de la situation. Le nu féminin en bronze patiné a été créé rapidement dan...

Cette œuvre d'art intitulée "Kwa-Giulth, Thundrbird" 1987 est une sculpture sur bois en bas-relief de l'artiste canadien Kevin Cranmer, né en 1968. Elle est signée, titrée et datée a...

Cette sculpture fait partie de notre exposition Charles Goeller : Une solitude mélancolique. Bois sculpté et peint et gesso, 23 x 15 3/4 x 3 pouces, Signé au verso "Carved by Charle...

L'artiste américain Burton Freund a travaillé à Chicago dans les années 1930 et 1940 pour le FAP (Federal Arts Project) en tant qu'illustrateur et sculpteur. Ces sculptures originales en bois sont des capsules temporelles des années 1930 et 1940, sculptées à la main dans du bois massif, y compris leurs bases. En se promenant sur le quai de gare de Chicago en 1938, l'artiste a vu un porteur de "Casquette...

Grande sculpture française en bois dur représentant un chameau, datant de la fin du XIXe siècle. Artiste inconnu. Sculpture en bois dur magnifiquement patiné. La sculpture est extrê...

Magnifique sculpture de deux personnages par l'artiste amérindien Allan Houser (1914-1994). L'œuvre est en excellent état et mesure 19 1/2 "h x 12 "w x 9 "deep. Sa signature figure s...

Patrick BRUN est né à Paris en 1941. Après avoir obtenu son diplôme d'ingénieur, il a commencé sa vie professionnelle en tant que professeur de mathématiques et de physique. Après ce...

La tradition historique de la fonte de bronze offre une voie contemporaine pour la création des figures humaines et animales abstraites de Wayne Salge. Son style, à la fois moderne e...

Sculpture en bronze . Signature incisée de l'artiste ; cachet numéroté avec la fonderie et la date. Édition : Sur 375. Le certificat d'authenticité est inclus. L'œuvre est en excel...

Le "Roi de la douleur" de Majestic est une sculpture originale, réalisée à la main, qui représente un majestueux cheval blanc. Biographie de l'artiste : Shelli Langdale est une pei...

Horse XIV est une sculpture en bronze de l'artiste contemporain français Pierre Yermia, dont les dimensions sont de 60 × 55 × 16 cm (23,6 × 21,7 × 6,3 in). La sculpture est signée e...

Cette œuvre originale de Luke O'Sullivan est faite de bois sur lequel l'artiste a sérigraphié ses dessins et motifs originaux, qu'il a ensuite découpé et assemblé pour créer cette sc...

VENTE UNE SEMAINE SEULEMENT Ce vaisseau spatial pré-guerre des étoiles capture la magie, la puissance et le volume des objets non identifiés qui traversent notre système solaire et ...

Tupuna, Ancestor's Cloak, sculpture en céramique, abstrait, maori, art contemporain

Le "Canopo" d'Angelo Canevari est une sculpture anthropomorphe en bronze de 22 x 12 pouces. Il fait partie de la série "Canopo". Avec une interprétation moderne, Canevari a revisité ...

Vestibule des pommes (avec Martin) est une sculpture unique en grès cuit au four de l'artiste contemporaine française Cécile Raynal, dont les dimensions sont de 46 × 57 × 19 cm (18,1...

Cette sculpture miniature en papier bleue, grise et blanche intitulée "PUPPIES" est une œuvre d'art originale de Drew Leshko réalisée en papier, acrylique, impressions à jet d'encre,...

Gazelle VI est une sculpture en bronze de l'artiste contemporain français Pierre Yermia, dont les dimensions sont 55 × 52 × 21 cm (21,7 × 20,5 × 8,3 in). La sculpture est signée et ...

Florencio Gelabert Y Perez (cubain, 1904-1995) Sculpté à la main, signé ; 1979 MATERIAL : Bois cubain (acajou ?) Dimensions 23 X 4 X 4 pouces Label apposé sur la face inférieure : Registre national des biens culturels de la République de Cuba Ministère de la culture. Provenance : Art Master Collection, Miami, Floride. Florencio Gelabert, dont le style rappelle l'Art déco et l'Art nouveau dans une stylisation expressionniste latino-américaine. Sculpture en bois sculpté. Représente une forme stylisée moderniste d'un homme dans un style streamline moderne. José Florencio Gelabert Pérez (Caibarien, 1904 - La Havane, 1995) musicien, sculpteur, dessinateur et professeur cubain. Il est diplômé de l'Académie nationale des beaux-arts de San Alejandro en 1934. Il a reçu de nombreux prix, mentions et reconnaissances dans les salles et cercles des beaux-arts. Ses œuvres font partie de la collection permanente du Musée national des beaux-arts. Florencio Gelabert est un sculpteur renommé, qui a fait plus de vingt expositions personnelles à partir de 1929, dont plusieurs au Musée national des beaux-arts, et a participé à plus de trente collectifs à Cuba, en Espagne et au Brésil, ce dernier à la Biennale de Sao Paulo. Il s'est rendu de Caibarién à Santa Clara en 1928 pour audition pour entrer à la célèbre école des beaux-arts San Alejandro de La Havane. Il a obtenu l'un des cinq postes vacants. Déjà dans la capitale cubaine, il combine les beaux-arts et la musique. Après avoir obtenu son diplôme, il devient professeur à San Alejandro et directeur de l'académie en 1960. Avec une vocation commune aux sculpteurs sur bois - qui a commencé avec ses cours de sculpture à l'école primaire et la vie active des chantiers navals de sa ville natale, ses ciseaux et ses gouges ont transformé fiévreusement l'acajou, le "ácana" et l'ébène en têtes féminines aux traits noirs africains datant de 1930. En 1938, il utilise ses économies pour explorer l'Europe : France (Paris, Marseille), Italie (Naples, Rome, Florence et Venise), Belgique (Malina). Sa rencontre avec les œuvres d'Aristide Maillol, Auguste Rodin, Ossip Zadkine, Constantin Brancusi et même avec Wifredo Lam, lui aussi né dans une autre région côtière cubaine, Sagua la Grande, et sa rencontre avec la sculpture de David nu en marbre. de Michelangelo ont toutes marqué des points importants dans son développement artistique. Après son périple européen, ses racines caribéennes semblent intactes. La technique envahit ses sens. " C'était comme planter des idées ", dira l'artiste des années plus tard. Gelabert s'est rendu aux États-Unis (New York, Washington, Philadelphie) en 1940. Il y découvre les valeurs incalculables du béton qui recouvre les grands gratte-ciel. Plus tard, il a eu la certitude que le matériau pouvait être utilisé pour réaliser des sculptures. Des années plus tard, il a vécu au Mexique, où il a rencontré le muraliste Jose Clemente Orozco et a tenu une exposition personnelle au Diptych Fine Arts avec 40 œuvres, dont certaines réalisées avec la technique de la cire perdue qu'il a apprise dans ce pays d'Amérique latine. L'hôtel Riviera en 1957 a permis à l'artiste de donner libre cours à son imagerie et de montrer la beauté des sculptures en béton, bien qu'il ait préféré réaliser une série de figures en bronze pour le hall d'entrée de l'établissement. Avec l'océan en toile de fond, Gelabert a conçu une série de sculptures pour l'entrée de l'hôtel : un hippocampe, une nymphe, un requin, des dauphins, en béton direct très résistant. Il a créé La Velocidad (Vitesse), qui décore l'entrée de la gare routière de La Havane ; la fontaine de l'hôtel Atlantico sur la plage de Santa Maria del Mar ; l'immense crabe à l'entrée de sa ville natale de Caibarién ; la grande peinture murale faite de morceaux de marbre à la convergence des rues Primelles et Santa Catalina dans la capitale cubaine. José Florencio Gelabert Pérez (Caibarién, 23 de febrero de 1904-La Habana, 30 de agosto de 1995) Músico, escultor, dibujante y profesor cubano. Il est diplômé de l'Académie nationale des beaux-arts de San Alejandro en 1934. Il a reçu de nombreux prix, mentions et récompenses dans des salons et des cercles de beaux-arts. Ces œuvres font partie de la collection permanente du Museo Nacional de Bellas Artes. Florencio Gelabert est un sculpteur de renom. Il a réalisé plus de cinq expositions personnelles depuis la première date de 1929, dont plusieurs au Musée national des beaux-arts, et a participé à plus de treize collectifs à Cuba, en Espagne et au Brésil, dont le dernier à la VIe Biennale de Sao Paulo. De la génération des maîtres cubains Wifredo Lam, Agustin Cardenas, Manuel Mendive, Sandu Darie, Agustin Fernandez, Jose Mijares...

Paul Dubois (1829 Nogent-sur-Seine - 1905 Paris), chanteur de Florentine, 1865. Bronze patiné brun clair avec socle rond en fonte monté sur une base carrée en marbre (3,5 cm de haut). Hauteur totale 53 cm. Dimensions du bronze : 49,5 cm (hauteur) x 20 cm (longueur) x 10 cm (largeur), poids 5,6 kg. Inscrit sur le socle "P. [aul] DUBOIS", daté "1865", avec la marque de la fonderie "F. BARBEDIENNE FONDEUR" et le sigle "REDUCTION MECANIQUE A. COLLAS". - Patine très occasionnellement assombrie, luth avec perte d'une cheville d'accord, autrement en excellent état. - La renaissance de la Renaissance - Ce bronze est une réduction contemporaine, exécutée avec précision et coulée de main de maître, du chef-d'œuvre de Paul Dubois, la "Cantatrice Florentine", d'une hauteur de 155 cm, qui est exposé au musée d'Orsay et pour lequel l'artiste s'est vu décerner la médaille d'honneur au Salon de Paris en 1865. L'œuvre a agi comme un phare et a été suivie d'une pléthore de représentations de mineurs. Inspiré par Donatello et Luca della Robbia, mais aussi par des peintres comme Piero della Francesca, Benozzo Gozzoli et Pinturicchio, le "Florentine Singer" n'est pas une œuvre épigonale qui rendrait hommage à une époque révolue, mais une tentative réussie de puiser de la vitalité dans l'art du passé et de lui donner ainsi une nouvelle vie. L'effet de vitalité est au cœur de la théorie artistique de la Renaissance italienne. Pour se réaliser en tant qu'art, l'art devait apparaître comme la nature. Ce naturalisme caractérise également le "Florentine Singer". Le jeune homme semble avoir été arraché à la vie, ce qui est renforcé par le caractère momentané de son action. Il vient de faire vibrer une corde sensible qui est en train de s'estomper. En outre, l'aspect naturel est renforcé par le façonnage minutieux des détails figuratifs, tels que les lacets avec le cuir légèrement incurvé des chaussures, la boucle de ceinture ou l'ornementation sur le corps du luth. Même les ongles sont clairement définis. Cependant, contrairement à la Renaissance, l'effet de vivacité ne repose pas ici sur la "découverte" de la Nature et du corps humain, mais avant tout sur la redécouverte de l'art du Quattrocento. La vivacité de l'œuvre est donc en même temps une revitalisation de cet art, de sorte que l'on peut parler d'une Renaissance de la Renaissance, tout comme les préraphaélites en Angleterre ont en même temps transféré le Quattrocento à l'art contemporain. Dubois s'attaque au sujet le plus difficile qui soit, la représentation du chant par le biais de la sculpture silencieuse. Il a été précédé par Luca della Robbia et Donatello avec leurs chaires de chanteurs créées dans les années 1430 au Museo dell'Opera del Duomo à Florence. Par rapport à ces œuvres, la physionomie du chanteur Dubois est beaucoup moins animée, mais il représente aussi le chant de manière convaincante. Il utilise tout le corps. Il prend l'ancien contrapposto, essentiel à la sculpture de la Renaissance, et transforme la posture debout de jeu de jambes en un balancement en S de la fin du Moyen Âge, donnant au corps une beauté élégante et le mettant en même temps en mouvement mélodique. Dans la position des doigts, tout aussi élégante, la musique s'exprime de manière beaucoup plus littérale avec les battements du luth. Enfin, la musicalité de la sculpture culmine dans le visage à la bouche ouverte pour chanter. Par l'acte de chanter, qui est un grand défi à la volonté artistique de représenter la beauté parfaite, la grâce du visage classique n'est pas diminuée, mais mise en valeur. À partir du visage à la bouche chantante et du regard absorbé par les sons, la vitalité intérieure se diffuse, donnant à la sculpture en bronze une aura intense, renforcée par la musique. Dubois transfère la beauté de la Renaissance à la musique, sublimant la sculpture visible à l'invisible de la musique. Il relève le défi de transcender la Renaissance par la Renaissance, répondant ainsi à la Querelle des Anciens et des Modernes, née à la fin du XVIIe siècle autour de l'Académie française et restée virulente jusqu'au XIXe siècle, dans laquelle l'Antiquité était considérée soit comme un idéal inaccessible, soit comme une norme à dépasser. Avec son œuvre, Dubois a prouvé que la Renaissance, qui avait défendu l'art des anciens, pouvait déboucher sur une nouvelle renaissance de l'art. A propos de l'artiste Le grand-oncle de Paul était le célèbre sculpteur baroque français Jean-Baptiste Pigalle, dont le talentueux petit-neveu a suivi les traces. Lorsqu'il débute au Salon de Paris en 1858, il signe son œuvre "Dubois-Pigalle". Cependant, à la demande de son père, il étudie d'abord le droit avant de se consacrer à la sculpture sous la tutelle de François Christophe Armand Toussaint en 1856 et d'entrer à l'École des Beaux-Arts en 1858. De 1859 à 1863, il vit à Rome et se rend à Naples et à Florence. Inspiré par l'art florentin du quattrocento, Dubois a initié un style néo-florentin formant une école, qui combine les formes élégamment simples de la grâce juvénile avec une richesse précise de détails.Deux achats de l'État français ("envois de Rome...

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signé "© D Everett 1992"

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