Articles similaires à Nature morte cubiste "Violon" par Agnes Weinrich, signée, datée de 1922

Peinture moderniste/ cubiste française des années 1950 signée, Pianist & Violin Duet

Nature morte cubiste des années 1930 à Paris

Grand Toulouse Lautrec de Peter Max en rose pêche, signé et encadré

Nature morte à l'huile sur panneau - Signée et datée - Canada - Circa 1975

huile sur toile du XIXe siècle Signée et datée Nature morte espagnole, 1883

huile sur toile du 20e siècle Nature morte hollandaise signée et datée, 1917

Vous voulez plus d'images ou de vidéos ?

Demander au vendeur plus d'images ou de vidéos

1 sur 8

Nature morte cubiste "Violon" par Agnes Weinrich, signée, datée de 1922

À propos de cet article

Nature morte (Violon, Fleurs), Huile sur toile, par Agnes Weinrich, Signée et datée "22", Non encadrée : 20" x 16", Encadrée 27.5 x 23". Agnes Weinrich (1873-1946) est une des premières femmes artistes modernistes américaines, à une époque où l'art moderne ne suscitait guère d'intérêt aux États-Unis et où peu de femmes étaient artistes. Elle a été une pionnière de l'art moderne. Le tableau présenté est un exemple important de la phase de maturité de son œuvre. Voici une biographie tirée de Wiki-pedia : Agnes Weinrich (1873-1946) a été l'une des premières artistes américaines à réaliser des œuvres d'art modernistes, abstraites et influencées par le style cubiste. Elle a également été un défenseur énergique et efficace de l'art moderniste en Amérique, s'associant à d'autres personnes partageant les mêmes idées pour promouvoir l'expérimentation en tant qu'alternative à l'art généralement conservateur de leur époque. Premières années[modifier] Agnes est née en 1873 dans une ferme prospère du sud-est de l'Iowa. Son père et sa mère étaient des immigrés allemands et l'allemand était la langue parlée à la maison. Après la mort de sa mère en 1879, elle est élevée par son père, Christian Weinrich. En 1894, à l'âge de 59 ans, il se retire de l'agriculture et déménage sa famille, y compris ses trois plus jeunes enfants - Christian Jr. (24 ans), Agnes (21 ans) et Lena (17 ans) - à Burlington, dans l'Iowa, où Agnes fréquente le Burlington Collegiate Institute, dont elle sort diplômée en 1897[1][2][3] Christian emmène Agnes et Lena avec lui lors d'un voyage en Allemagne en 1899 afin de renouer les liens avec leur famille allemande. Lorsqu'il est rentré chez lui plus tard dans l'année, il a laissé les deux femmes à Berlin avec certains de ces parents, et lorsque, peu après son retour, il est mort, elles ont hérité d'une fortune suffisante pour vivre de manière indépendante jusqu'à la fin de leur vie. Avant ou pendant leur voyage en Allemagne, Lena avait décidé de devenir musicienne et, pendant son séjour à Berlin, elle a étudié le piano au conservatoire Stern. En 1904, elles reviennent de Berlin et s'installent pour deux ans à Springfield, dans l'Illinois, où Lena enseigne le piano dans les écoles publiques et Agnes peint dans un studio qu'elle loue. C'est à cette époque que Lena a changé de nom pour s'appeler Helen. En 1905, ils s'installent à Chicago où Agnes étudie à la School of the Art Institute of Chicago sous la direction de John Vanderpoel, Nellie Walker et d'autres[1]. En 1909, Agnes et Helen retournent à Berlin, puis à Munich, où Agnes étudie brièvement avec Julius Exter, puis à Rome, Florence et Venise avant de retourner à Chicago[5]. Elles voyagent en Europe pour la troisième et dernière fois en 1913, passant un an à Paris. Ils s'y sont liés d'amitié avec des artistes et des musiciens américains qui s'y étaient rassemblés autour de la scène artistique locale. Tout au long de cette période, Agnes produit des œuvres habiles mais peu originales - dessins, gravures et peintures dans les styles académique et impressionniste dominants[1]. À son retour d'Europe en 1914, elle continue à étudier l'art, pendant les mois chauds de l'année à Provincetown, dans le Massachusetts[1], où elle est membre de la colonie artistique Provincetown Printers, dans le Massachusetts[6], et pendant les mois plus froids à New York. À Provincetown, elle suit des cours à la Cape Cod School of Art de Charles Hawthorne et, à New York, à l'Art Students League[1]. Dessin d'une vieille femme par Agnes Weinrich, mine de plomb sur papier, 11,5 x 7,5 pouces. Hawthorne et d'autres artistes ont créé la Provincetown Art Association en 1914 et ont organisé la première de nombreuses expositions avec jury l'année suivante. Weinrich a contribué à cette exposition avec neuf tableaux, tous représentatifs et d'un style plutôt conservateur[1]. Une esquisse au crayon réalisée vers 1915 montre un personnage, probablement l'une des femmes portugaises de Provincetown. Weinrich était une dessinatrice méticuleuse et ce dessin est typique du travail qu'elle a réalisé dans le style académique entre 1914 et 1920. Elle produit également des œuvres plus proches de l'impressionnisme privilégié par Hawthorne et nombre de ses élèves. Lorsqu'en 1917 Weinrich expose des peintures dans un club de femmes new-yorkais, le MacDowell Club, le critique d'art du Brooklyn Daily Eagle déclare qu'elles présentent une " forte note d'impressionnisme "[7]. Broken Fence d'Agnes Weinrich, une gravure sur bois en ligne blanche réalisée en 1917 ou avant ; à gauche : la gravure sur bois elle-même ; à droite : une impression tirée de la gravure sur bois. En 1916, Whiting rejoint un groupe de graveurs qui a commencé à utiliser la technique de la ligne blanche mise au point par l'artiste de Provincetown B.J.O. Nordfelt. Avec les autres membres du groupe, dont Blanche Lazzell, Marli et Edna Boi Hopkins, elle travaille ensemble, échangeant des idées et résolvant des problèmes[1][8] Un an plus tard, Whiting présente l'une de ses premières estampes à la ligne blanche lors d'une exposition organisée par la Pennsylvania Academy of Fine Arts à Philadelphie[9]. Broken Fence, dans ses deux états - l'estampe et la planche de bois à partir de laquelle elle l'a réalisée - montre que Weinrich s'éloigne de la présentation réaliste pour adopter un style qui, sans être abstrait ni cubiste, attire l'attention du spectateur sur la surface plane de l'œuvre, avec ses formes juxtaposées et ses blocs de couleurs contrastées. Vaches broutant dans les dunes près de Provincetown par Agnes Weinrich, gravure sur bois au trait blanc, 10 x 10 1/2 pouces Lorsqu'en 1920, le groupe informel des graveurs de lignes blanches organise sa propre exposition, Whiting présente une douzaine d'œuvres, dont une intitulée Cows Grazing in the Dunes near Provincetown (Vaches broutant dans les dunes près de Provincetown). Cette estampe montre une plus grande tendance à l'abstraction queBroken Fence ou que les estampes réalisées par d'autres artistes de Provincetown à l'époque. Les vaches et les dunes sont reconnaissables mais ne sont pas présentées de manière réaliste. Les lignes blanches servent à mettre en valeur les blocs de couleurs sourdes qui constituent les principaux éléments picturaux de l'estampe. Weinrich utilise la texture de la surface du bois pour attirer l'attention sur le plan bidimensionnel - le papier sur lequel elle a réalisé l'impression - en contraste avec la profondeur implicite de l'avant-plan et de l'arrière-plan des vaches, des dunes et du ciel. Bien que l'œuvre ne soit pas cubiste, elle a une allure proto-cubiste d'une manière similaire à certaines peintures plus abstraites de Paul Cézanne[10]. En 1919 ou 1920, alors qu'elles passent encore l'hiver à Manhattan et l'été à Cape Cod, les sœurs en viennent à considérer Provincetown comme leur lieu de résidence officiel[1][11][12][13] À cette époque, elles ont également rencontré le peintre Karl Knaths. Comme lui-même, un habitant du Midwest d'origine allemande ayant grandi dans un foyer où l'on parlait allemand, il s'est installé à Up&Up en 1919. Agnes et Artistics partagent les mêmes tendances artistiques et s'influencent mutuellement en utilisant de plus en plus l'abstraction dans leurs œuvres[1][14]. Les sœurs et les Knaths sont devenus de proches compagnons. En 1922, Knaths épouse Helen et s'installe dans la maison que les sœurs avaient louée. Il a alors 31 ans, Helen 46 ans et Agnes 49 ans. Lorsque, deux ans plus tard, elles ont décidé de s'installer à Provincetown, Agnes et Helen ont utilisé une partie de leur héritage pour acheter un terrain et des matériaux afin de construire une maison et des dépendances qu'elles partageraient toutes les trois. &New s'est lui-même procuré des structures désaffectées dans les environs comme source de bois de construction et, ayant été autrefois employé comme constructeur de décors pour une compagnie théâtrale, il a pu construire leur nouvelle maison[15]. Weinrich était quelque peu en avance sur Knaths en adoptant un style moderniste. Elle avait vu l'art d'avant-garde lors de son séjour à Paris et rencontré des artistes américains qui avaient commencé à l'apprécier. À son retour aux États-Unis, elle continue à discuter de nouvelles théories et techniques avec des artistes de New York et de Provincetown, dont certains avaient été rencontrés à Paris. Ce groupe peu soudé s'est influencé les uns les autres au fur et à mesure de l'évolution de leurs styles respectifs. Outre Blance Lazzell, déjà mentionné, le groupe comprenait Maude Squires, William Zorach, Oliver Chaffee et Ambrose Webster. Certains d'entre eux, dont Lazzell et Flora Schofield, avaient étudié avec des modernistes influents à Paris et la plupart avaient lu et discuté les écrits cubistes et futuristes influents d'Albert Gleizes et de Gino Severini[16][17]. Un style mature[modifier] Femme aux fleurs par Agnes Weinrich, vers 1920, huile sur toile, 34 x 30 1/4 pouces, exposée à l'exposition de 1920 de la Provincetown Art Association, mise à disposition avec l'aimable autorisation de l'Association. Deux tableaux de Weinrich, réalisés vers 1920, marquent l'émergence de son style mature. La première, Femme aux fleurs, est similaire à une œuvre de l'artiste français Jean Metzinger intitulée Le goûter (1911)[18]. Red Houses par Agnes Weinrich, vers 1921, huile sur toile sur carton, 24,25 x 25,5 pouces ; exposition "Red Houses" à la cinquième exposition annuelle de la Society of Independent Artists. Comme une grande partie de l'œuvre de Metzinger, Le goûter a été discuté dans des livres et des revues de l'époque - y compris dans un ouvrage intitulé Cubism, coécrit par Metzinger lui-même[19] Étant donné que le groupe auquel appartenait Weinrich lisait et discutait de l'art d'avant-garde en général et du cubisme en particulier, il est raisonnablement probable que Weinrich connaissait l'œuvre de Metzinger avant d'entreprendre la sienne. Le deuxième tableau, Red Houses, présente des similitudes avec les paysages de Cézanne et de Braque. Les deux tableaux sont de style cubiste. Cependant, avec eux, Weinrich n'annonce pas une conversion abrupte au cubisme, mais marque plutôt un tournant vers une plus grande expérimentation. Dans ses travaux ultérieurs, elle n'adoptera pas un style ou une tendance stylistique unique, mais produira à la fois des images représentatives et des images entièrement abstraites, montrant toujours un sens aigu du plan bidimensionnel de la surface de l'image. Après avoir réalisé ces deux peintures, ni son sujet ni le support utilisé ne changeront radicalement. Elle a continué à utiliser les sujets disponibles dans son Studio de Provincetown et dans les environs pour produire des natures mortes, des scènes villageoises et pastorales, des portraits et des abstractions à l'huile sur toile et sur carton, à l'aquarelle, au pastel, au crayon et à la mine de plomb sur papier, ainsi que des gravures sur bois[20]. Dotée d'une personnalité extravertie et engageante et d'une approche active et vigoureuse de la vie, Making Works a assuré la promotion de son propre travail tout en aidant Karl Knaths à nouer des relations avec des mécènes potentiels, des galeristes et des responsables de l'organisation d'expositions. Avec lui, elle s'est placée à l'avant-garde d'un mouvement informel d'expérimentation dans l'art américain. Comme, grâce à ses moyens indépendants, elle n'était pas contrainte de gagner sa vie en vendant de l'art, elle était libre d'utiliser les expositions et ses nombreux contacts avec les artistes et les collectionneurs pour faire progresser l'appréciation et la compréhension des œuvres qui ne se conformaient pas à la norme encore conservatrice des années 1920 et 1930[1][21][22]. Au début des années 1920, les critiques ont commencé à remarquer son travail, reconnaissant qu'elle s'éloignait du réalisme qui prévalait alors dans les galeries et les expositions. Les Making Works qu'elle expose en 1922 sont qualifiés de manière un peu sèche d'" individualistes "[23], et en 1923 ses œuvres sont qualifiées par un critique d'" abstraites, mais en même temps non dépourvues d'émotion "[24]. En 1925, Weinrich devient membre fondateur de la New York Society of Women Artists. Parmi les autres membres de Provincetown figurent Blanche Lazzell, Ellen Ravenscroft, Lucy L'Engle et Marguerite Zorach. Le nombre de membres était limité à 30 peintres et sculpteurs qui pouvaient tous participer aux expositions du groupe, chacun disposant du même espace[23][25][26]. Le groupe offrait à ses membres une plate-forme leur permettant de se distinguer de l'art gentil et traditionaliste que les femmes artistes étaient à l'époque censées montrer[27] et, d'après quelques critiques, il semble que leurs expositions aient atteint cet objectif[1][28][29][30]. En 1926, Weinrich se joint à Knaths et à d'autres artistes locaux dans une rébellion contre le groupe "traditionnel" qui avait dominé l'Association d'art de Provincetown. Au cours de la décennie suivante, de 1927 à 1937, l'association organisera deux expositions annuelles distinctes, l'une d'orientation conservatrice et l'autre expérimentale ou, comme on le disait, radicale[31][32] Weinrich et Knaths ont tous deux participé au jury qui a sélectionné les œuvres pour la première exposition moderniste[11]. Nature morte d'Agnes CIRCA, vers 1926, huile sur toile, 17 x 22 pouces. Autorisation d'utilisation accordée par Christine M. McCarthy, directrice générale, Provincetown Art Association and Museum. Le tableau a été offert par Warren Cresswell. Le tableau de Weinrich, Nature morte, réalisé vers 1926, pourrait avoir été présenté dans l'exposition de 1927. Représentative de certains aspects de son style de maturité, elle est moderniste mais ne montre pas d'influence cubiste. Les objets représentés sont tout à fait reconnaissables, mais traités de manière abstraite. Bien que l'avant-plan et l'arrière-plan puissent être distingués, les objets, en tant que formes colorées, forment un dessin de surface intéressant et visuellement satisfaisant. En 1930, Weinrich organise une exposition de groupe pour les modernistes à la GRD Gallery de New York. C'était la première fois qu'un groupe d'artistes de Provincetown exposait ensemble à New York. Elle y a sélectionné des œuvres de Knaths, Charles Demuth, Oliver Chaffee, Margarite et William Zorach, Jack Tworkov, Janice Biala, Niles Spencer, E. Ambrose Webster, et d'autres[1][23]. Dernières années[modifier] Weinrich a eu 60 ans le 16 juillet 1933. Bien qu'elle ait mené une vie pleine et productive consacrée au développement de son propre art et à l'avancement du modernisme dans l'art, elle n'a pas cessé de travailler à la réalisation de ces deux objectifs. Elle a continué à travailler à l'huile sur toile et sur carton, au pastel et au crayon sur papier, ainsi qu'à la gravure sur bois. Sa production a continué à varier en termes de sujets et de traitements. Par exemple, Still Life with Leaves, circa 1930 (huile sur toile, 18 x 24 pouces) contient des panneaux de couleurs contrastées avec des contours similaires au style de Knaths. Movement in C Minor, circa 1932 (huile sur carton, 9 x 12 pouces) est entièrement abstraite. Elle est également liée à l'œuvre de Knaths, tant par son traitement (à nouveau, des panneaux de couleurs contrastées) que par sa relation apparente avec la musique, un sujet auquel Knaths s'intéressait également. Fish Shacks, circa 1936 (gravure sur bois monochrome) est très abstraite et a une forte connotation cubiste. Untitled Abstraction, circa 1938 (huile sur toile, 12,25 x 12 pouces) est très différente des œuvres abstraites du début des années 1930. Il s'agit d'une abstraction géométrique influencée par Wassily Kandinsky[33], composée de panneaux de couleurs rectilignes dans des tons froids et de panneaux contrastés en ocre et en rouge. Floral Still Life, circa 1940 (Crayon sur papier, 7 x 9,5 pouces) contient un cadre dans un cadre, soulignant de manière spectaculaire le plan de la surface, et est également entièrement abstraite. Sa composition consiste en des formes étoilées en bleu et magenta dans un motif vivant sur un fond sombre et texturé. Réception critique[edit] Malgré la qualité de son travail et malgré l'énergie et l'habileté avec lesquelles elle a travaillé à la fois pour développer son propre talent et pour faire avancer le mouvement progressiste dans l'art américain, Weinrich a reçu peu de reconnaissance de son vivant et n'en a pas reçu beaucoup plus depuis sa mort. La plupart des récits sur sa vie et son œuvre reprennent quelques faits saillants. Ils ne fournissent pas de citations et certaines de leurs affirmations ne peuvent être confirmées[34][35] Une seule personne, Louise R. Noun, l'a étudiée en détail. Voir le catalogue de l'exposition qu'elle a coécrit et l'article qu'elle a rédigé, tous deux cités dans la section "Lectures complémentaires" ci-dessous. Rien ne prouve que Weinrich ait jamais été représentée par une galerie commerciale et il est probable qu'elle ait réalisé ses ventes par le biais d'expositions et à partir de son studio. Elle n'indiquait généralement pas la date, le nom, le lieu ou le sujet sur ses œuvres et conservait peu de traces de ce qu'elle produisait. Pour ces raisons, et parce que (a) les marchands d'art n'en ont pas fait l'inventaire de son vivant et (b) elle a produit beaucoup d'œuvres qui n'ont pas été vendues, il y a souvent des doutes sur la provenance d'une pièce donnée. Expositions[modifier] Il s'agit d'une liste sélective des expositions auxquelles elle a participé au cours de sa vie. Sa source principale est l'article de Louise Noun sur Weinrich dans le Woman's Art Journal[1], complété par des articles contemporains parus dans le New York Times, le Brooklyn Daily Eagle, le New York Evening Post, le Philadelphia Inquirer et le Christian Science Monitor. A partir de 1915 : Provincetown Art Association 1917 : Académie des beaux-arts de Pennsylvanie 1917 : Académie des beaux-arts de Pennsylvanie, Philadelphie 1917-23 : Société des artistes indépendants, New York 1919 : Institut d'art de Chicago 1920 : Le Boston Arts Club A partir de 1926 : New York Society of Women Artists (Société des femmes artistes de New York) 1928 : Grace Horn Gallery (a) Gallery, Boston 1929 : Académie des beaux-arts de Pennsylvanie, Philadelphie 1932 : Bibliothèque publique de Boston 1936 : Harley Perkins Gallery, Boston (solo) 1938 : Société des artistes indépendants de Boston 1938 : Bibliothèque publique de Washington, A.I.C.. 1939 : Biennale de la Corcoran Gallery, Washington, C.A.D.. 1939 : Fogg Art Museum Twentieth Century Club, Boston 1939 : (a) Gallery Gallery, Boston 1939 : Institut d'art moderne, Boston 1945 : Woljeska Gallery, Brooklyn, New York

Créateur:

Agnes Weinrich (Artiste)

Dimensions:

Hauteur : 40,64 cm (16 po)Largeur : 50,8 cm (20 po)Profondeur : 2,54 mm (0,1 po)

Style:

Moderne (De la période)

Matériaux et techniques:

Toile,Peinture,Huilé

Lieu d'origine:

États-Unis

Période:

Début du XXe siècle

Date de fabrication:

1922

État:

Usure conforme à l'âge et à l'utilisation.

Adresse du vendeur:

New York, NY

Numéro de référence:

Vendeur : AW221stDibs : LU79359437933

Afficher la facture

Plus d'articles de ce vendeurTout afficher

Portrait d'une femme élégante, signé Hugo Scheiber
Par Hugó Scheiber
Aquarelle / peinture signée Hugo Scheiber : Budapest (1873-1950). Hugo Scheiber est né à Budapest en 1873. À l'âge de huit ans, il déménage avec sa famille de Budapest à Vienne. Là,...
Catégorie
Milieu du XXe siècle, Hongrois, Mid-Century Modern, Peintures
Portrait d'une femme élégante, signé Hugo Scheiber
Peinture cubiste européenne du milieu du siècle dernier Nu de Koroly Glonczy, Hongrie, 1957
Par Koroly Glonczy
Peinture cubiste du peintre hongrois Koroly Glonczy. Huile sur carton. Références : Art moderne et contemporain. XXe siècle européen, moderne du milieu du siècle.
Catégorie
Vintage, années 1950, Hongrois, Moderne, Peintures
Matériaux
Peinture
Peinture cubiste européenne du milieu du siècle dernier Nu de Koroly Glonczy, Hongrie, 1957
Peinture « Octobre dans la Cantina » de Sergio Agostini, Italie, 1960
Par Sergio Agostini
"Ottobre in Cantina" Peinture, huile sur toile de l'artiste italien Sergio Agostini, Rome, 1960. Signé en bas à gauche avec autocollant de l'exposition originale à la Galleria ...
Catégorie
Milieu du XXe siècle, italien, Moderne, Peintures
Matériaux
Toile
Peinture « Octobre dans la Cantina » de Sergio Agostini, Italie, 1960
Portrait de femme à la tête inclinée signé Hugo Scheiber
Par Hugó Scheiber
Tableau, huile sur carton, signé H Scheiber (Budapest 1873- 1950). Hugo Scheiber est né à Budapest en 1873. À l'âge de huit ans, il déménage avec sa famille de Budapest à Vienne. ...
Catégorie
Début du 20ème siècle, Hongrois, Moderne, Art contemporain
Matériaux
Peinture
Portrait de femme à la tête inclinée signé Hugo Scheiber
Peinture sur toile « La Cuisine Aux Fleurs » de Gerard Economos
Par Gerard Economos 1
Peinture. Acrylique sur toile de Gerard Economos (français, 1935-) Gerard Economos est connu pour ses compositions abstraites passionnées et intensément colorées, ainsi que pour ses...
Catégorie
Milieu du XXe siècle, Français, Mid-Century Modern, Peintures
Matériaux
Toile, Acrylique
Peinture sur toile « La Cuisine Aux Fleurs » de Gerard Economos
Peinture à l'huile, « Street Scene », signée Bela Kadar
Par Bela Kadar
Peinture, scène de rue, signée Bela Kadar, (Hongrie 1877-1955), non encadrée, huile sur carton. Bela Kadar est né en Hongrie en 1877. Parmi ses premiers intérêts, il y a la peintu...
Catégorie
Vintage, années 1930, Hongrois, Mid-Century Modern, Peintures
Peinture à l'huile, « Street Scene », signée Bela Kadar

Suggestions

Nature morte cubiste des années 1930 à Paris
1930/ peinture cubiste de nature morte signée
Catégorie
Vintage, années 1930, Français, Provincial français, Peintures
Matériaux
Toile
Nature morte cubiste des années 1930 à Paris
Peinture moderniste/ cubiste française des années 1950 signée, Pianist & Violin Duet
Le duo de pianistes et de violons par Bernard Labbe (Français, milieu du 20e siècle) aquarelle/ gouache originale signée sur papier, non encadrée taille : 11.75 x 8.75 pouces éta...
Catégorie
Milieu du XXe siècle, Moderne, Peintures
Matériaux
Autre
Peinture moderniste/ cubiste française des années 1950 signée, Pianist & Violin Duet
Grand Toulouse Lautrec de Peter Max en rose pêche, signé et encadré
Par Peter Max
Il s'agit du plus grand des portraits de Toulouse Lautrec réalisés par le célèbre artiste Peter Max en rose pêche. Encadré professionnellement, signé et numéroté.
Catégorie
Vintage, années 1960, Américain, Moderne, Art contemporain
Matériaux
Papier
Grand Toulouse Lautrec de Peter Max en rose pêche, signé et encadré
Nature morte à l'huile sur panneau - Signée et datée - Canada - Circa 1975
OSKAR - Nature morte florale vintage peinte à l'huile sur toile d'artiste - signée et datée - non encadrée - Canada - circa 1975. Excellent état vintage - pas de perte - pas de domm...
Catégorie
Milieu du XXe siècle, Canadien, Mid-Century Modern, Peintures
Matériaux
Toile, Peinture
Nature morte à l'huile sur panneau - Signée et datée - Canada - Circa 1975
huile sur toile du XIXe siècle Signée et datée Nature morte espagnole, 1883
Peinture espagnole ancienne datée de 1883. Huile sur toile représentant une nature morte particulière avec des fruits, des légumes et du homard, de bonne qualité picturale. Tableau o...
Catégorie
Antiquités, 1880s, Spanish, Peintures
Matériaux
Toile
huile sur toile du XIXe siècle Signée et datée Nature morte espagnole, 1883
Livraison gratuite
huile sur toile du 20e siècle Nature morte hollandaise signée et datée, 1917
Élégante nature morte hollandaise datée de 1917. Huile sur toile, première toile, représentant une table garnie d'une corbeille de fruits, d'une excellente qualité picturale. Notez l...
Catégorie
Vintage, 1910s, Dutch, Peintures
Matériaux
Toile
huile sur toile du 20e siècle Nature morte hollandaise signée et datée, 1917
Livraison gratuite