Lampe de bureau noire du milieu du siècle dernier par Serge Mouille & Isamu Noguchi, 1959

Sculpteur, peintre, céramiste et concepteur de meubles et de luminaires, Isamu Noguchi était l'une des forces créatrices les plus prolifiques et protéiformes du 20e siècle et une figure clé du développement du modernisme organique . Les sculptures et les dessins de Noguchi partagent un esprit commun : celui de l'abstraction lyrique, du tempo, du flux et de l'équilibre harmonieux.

Noguchi est né à Los Angeles d'une mère américaine et d'un père japonais, et a passé la majeure partie de son enfance au Japon. Il rentre aux États-Unis à l'âge de 13 ans, va au lycée dans l'Indiana et s'inscrit à l'université de Columbia pour étudier la médecine. Parallèlement, il suit des cours du soir de sculpture. Trois mois plus tard, il a quitté l'université pour se consacrer à l'art à plein temps. Noguchi reçoit une bourse Guggenheim en 1927 et se rend à Paris pour travailler avec Constantin Brancusi. Cela a marqué un tournant. Inspiré par Brancusi, Noguchi a embrassé l'abstraction et a commencé à sculpter dans le style expressif et rythmique qui sera la marque de fabrique de son œuvre.

De retour à New York, Noguchi a été initié au design par ce qui allait devenir une collaboration de toute une vie, en créant des décors pour la chorégraphe Martha Graham. Ses premières créations industrielles sont en bakélite : un élégant chronomètre créé vers 1932, et son célèbre interphone Zenith Radio Nurse, de 1937. Dix ans plus tard, Herman Miller a présenté la table basse en verre de Noguchi, désormais iconique, avec une base en bois articulée. Ses sculptures lumineuses en papier washi et bambou Akari, fabriquées à la main au Japon, ont fait leurs débuts en 1951. À la fin des années 1950, Noguchi a conçu pour Knoll, créant des pièces telles que la dynamique table Cyclone et le tabouret à bascule .

Pour les collectionneurs, les meubles de Noguchi et les conceptions d'éclairage de restent ses œuvres les plus accessibles. Comme vous le verrez sur 1stDibs, ils ont la même puissance et la même présence que Noguchi apportait à son art.

Instantanément reconnaissables à leurs armatures longues et fines et à leurs abat-jour ovoïdes et bombés, les lampadaires et autres luminaires de Serge Mouille sont devenus des emblèmes du design organique du milieu du 20e siècle. Avec Jean Prouvé, Mathieu Matégot et d'autres, Mouille a apporté une esthétique fraîche et moderne au travail du métal, l'un des médiums les plus traditionnels des arts décoratifs.

Mouille (prononcé : MWEE) est né dans une famille d'ouvriers parisiens. À l'âge de 15 ans, il a commencé à étudier dans l'atelier de métallurgie de l'École des Arts Appliqués, sous la tutelle de l'orfèvre et sculpteur Gabriel Lacroix. Après avoir obtenu son diplôme, en 1941, Mouille a travaillé dans le studio de Lacroix et a commencé à enseigner dans son alma mater quatre ans plus tard.

Au début des années 1950, gêné par la prépondérance des nouvelles lampes et des nouveaux lustres italiens sur le marché et convaincu que les luminaires de Gino Sarfatti et d'autres étaient inutilement complexes, Mouille ouvre un atelier de conception de luminaires. Il a rapidement obtenu des commandes de plusieurs écoles et bibliothèques françaises. En 1956, l'influent galeriste parisien Steph Simon - qui a également promu Prouvé, Charlotte Perriand et Isamu Noguchi - commence à exposer les créations de Mouille, présentant son travail à des collectionneurs privés. Mouille continue à fabriquer des luminaires artisanaux à un rythme lent mais régulier jusqu'en 1964, date à laquelle il arrête de travailler pour entamer un long traitement contre la tuberculose. Une fois le projet terminé, Mouille retourne enseigner à l'École des Arts Appliqués pour le reste de sa carrière.

Avec les ombres biomorphiques et les longues armatures de ses luminaires, Mouille a créé l'une des esthétiques d'éclairage les plus fascinantes et les plus idiosyncrasiques de son époque. Bien que souvent décrites comme "insectoïdes", ses pièces s'apparentent davantage aux formes fluides et flottantes des peintures de Jean Arp. (Mouille a conçu plusieurs lampes cylindriques ou en forme de colonne ; bien qu'elles soient très recherchées, elles constituent des exceptions intéressantes dans son œuvre)

Comme pour les formes métalliques pliées de Prouvé et l'acier perforé de Matégot, Mouille a apporté une légèreté et une énergie nouvelles au mobilier métallique. Depuis que les créations de Mouille ont retrouvé leur popularité au début des années 2000, des rééditions sous licence de ses pièces sont produites. La disparité de prix entre les pièces vintage et les pièces actuelles de Mouille est grande. Les œuvres plus anciennes - conseil d'identification : l'émaillage blanc réfléchissant intérieur a une teinte jaunâtre - coûtent entre 20 000 et 40 000 dollars, et les pièces plus récentes se vendent 10 à 20 % moins cher que cela. Comme vous le verrez sur ces pages, Serge Mouille a créé des icônes du design du 20e siècle - à la fois élégants, suaves et sympathiques - qui ont leur place dans tout décor moderne.

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