David Hockney, le livre d'artiste de The Window

Depuis ses débuts modestes dans la vente de bandes dessinées à Cologne, sa ville natale, jusqu'à l'expansion rapide de son empire de l'édition, Benedikt Taschen n'a eu de cesse de vivre en grand, littéralement. Sumo, un recueil de 464 pages et de 66 livres de photographies d'Helmut Newton, est l'un des livres les plus grands et les plus lourds jamais produits - il est accompagné de son propre présentoir - et l'un des plus chers aussi. Le premier exemplaire d'une édition limitée publiée en 1999 et signée par de nombreuses célébrités dont les images apparaissent dans ses pages a été vendu aux enchères pour 364 000 dollars.

Le succès de TASCHEN dérive de sa personnalité : il publie des livres qui reflètent ses divers enthousiasmes personnels. Les livres d'art somptueux de TASCHEN vont du ridicule (The Big Book of Breasts) au sublime ( Cabinet of Natural Curiosities) du naturaliste du XVIIe siècle Albertus Seba.

Le catalogue TASCHEN comprend des études savantes sur des icônes culturelles telles que Muhammad Ali, de magnifiques monographies sur des peintres comme Hieronymous Bosch, des livres de photographie exquis comme celui de Sebastião Selgado Icone et des portfolios de voitures musclées. En plus de ses 11 librairies situées aux États-Unis et en Europe, TASCHEN a récemment ouvert à Los Angeles une galerie d'art consacrée à la photographie.

Comme vous pouvez le constater à la lecture des titres disponibles sur ces pages, il est fort probable que vous ayez un intérêt commun avec Benedikt Taschen - et que ses merveilleux livres vous permettent de l'explorer pleinement.

L'art de David Hockney est toujours fascinant par ses agréables ambiguïtés : ses estampes, dessins et ses peintures sont chaleureuses mais d'une certaine manière distantes ; remplies de lumière mais souvent sombres et inquiétantes ; simples, franches et banales, mais aussi éthérées et complexes. La stature de l'artiste dans le monde de l'art contemporain est telle que, dans une enquête de 2011 portant sur mille peintres et sculpteurs britanniques, il a été désigné artiste britannique le plus influent de tous les temps.

Hockney a grandi à Bradford, dans le comté du Yorkshire, au nord de l'Angleterre. Il a étudié à la Bradford School of Art de 1953 à 57, puis au Royal College of Art à Londres de 1959 à 1962. Bien qu'il ait été formé à l'art à une époque où l'abstraction dominait le domaine, Hockney s'en est tenu résolument à la peinture et au dessin figuratifs.

Les premières peintures de Hockney suggèrent la recherche d'un style, passant de l'expressionnisme à un grotesque évoquant James Ensor. Mais Hockney s'est trouvé presque dès son arrivée à Los Angeles, en 1963. Le passage de la Grande-Bretagne grise et pluvieuse à un monde de soleil éclatant et d'eau scintillante a apporté à Hockney un sentiment de liberté et une épiphanie artistique. Il passera la plupart des cinq années suivantes à L.A., à peindre des tableaux lumineux, tels que A Bigger Splash (1967), des choses qui le rendent heureux : piscines, pelouses manucurées, palmiers, bâtiments en stuc et des objets de luxe comme les cabines de douche. Hockney a également peint des personnes, presque toujours ses amis. Ses portraits californiens tels que Beverly Hills Housewife (1966) sont considérés comme ses meilleures œuvres. Ils sont à la fois grandioses, intimes et poétiques.

Dans les années 1970, Hockney retourne en Grande-Bretagne et consacre une grande partie de son temps à la photographie et à la gravure. Il est revenu à la peinture dans les années 1980, et à des sujets tels que les natures mortes, les paysages marins et les portraits. Hockney a toujours été fasciné par l'utilisation de la technologie dans l'art - on lui attribue l'invention de la technique consistant à assembler des photos Polaroid dans un collage pour former une image panoramique - et a utilisé l'application Brush pour peindre sur un iPad. Parce qu'il est prolifique et qu'il travaille sur un large éventail de supports, l'art de Hockney est disponible à de nombreux prix. Son travail, toujours frappant et provocateur, devrait trouver sa place dans toute collection complète d'art contemporain.

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