Graffiti : L'enchère

Au début, Brian Donnelly n'était qu'un gamin de Jersey City, New Jersey, qui s'est mis à faire des graffitis. KAWS était son étiquette, choisie simplement parce qu'il aimait son apparence. Aujourd'hui, l'œuvre de KAWS comprend des jouets artistiques, des sculptures ainsi que des peintures et des gravures colorées qui s'approprient des phénomènes pop comme les Schtroumpfs, les Simpsons et Bob l'éponge

À la fin des années 1990, l'artiste, diplômé en 1996 de la School of Visual Arts de New York (), gagnait sa vie en tant qu'illustrateur pour le studio d'animation Jumbo Pictures. Comme les jeunes Hansel et Gretel avec leur traînée de miettes, KAWS marquait la route matinale vers son bureau du centre de Manhattan avec de la "subversion", "interrompant" les publicités de mode en ajoutant son personnage coloré Bendy, sa longueur sinueuse glissant de manière ludique autour d'un flacon de parfum Calvin Klein ou du top model Christy Turlington.

Ces créations ont fait des émules, au point que les travaux postés le matin disparaissaient à l'heure du déjeuner. Même à cette époque, KAWS était en vogue sur le marché de la revente.

"Quand je faisais des graffitis, a-t-il expliqué un jour, cela ne signifiait rien pour moi de faire des peintures si je ne touchais pas les gens." Au lieu de chercher à entrer dans l'élite du monde de l'art new-yorkais (qui, de toute façon, ne recherchait pas un artiste de rue ), KAWS s'est installé au Japon, où une culture jeune et florissante accueillait des visionnaires comme lui.

En 1999, il s'est associé à Bounty Hunter, une marque japonaise de jouets et de streetwear, pour sortir son premier jouet. Le Companion - une réimagination en vinyle de Mickey Mouse de 8 pouces de haut, avec une tête de mort et des yeux XX, sa marque de fabrique - a été lancé en édition limitée à 500 exemplaires. Il s'est vendu rapidement.

Companion a été le premier de plus de 130 modèles de jouets, qui ont donné naissance à des personnages tels que Chum, Blitz, Be@rbrick, BFF et Milo, tous immédiatement reconnaissables comme des figurines KAWS grâce à leurs yeux XX. Les fans se sont montrés insatiables. En 2017, la boutique en ligne de MoMAa annoncé la disponibilité d'une quantité limitée de figurines KAWS Companion ; alors que les collectionneurs avides se connectaient pour faire valoir leurs droits, le site web a planté - à plusieurs reprises.

Companion est le plus visible de la bande de KAWS, apparaissant au cours de la dernière décennie dans de nouvelles postures et combinaisons dans des œuvres monumentales. Parmi ces œuvres, citons Along the Way (2013), une sculpture en bois de 18 pieds de haut représentant deux compagnons qui s'appuient l'un sur l'autre pour se soutenir ; Together (2016), deux compagnons dans une étreinte amicale, présentée lors d'une exposition des œuvres de KAWS au Modern Art Museum of Fort Worth, au Texas ; et KAWS:HOLIDAY (2018), un compagnon gonflable de 92 pieds de long flottant sur le dos dans le lac Seokchon de Séoul. Les sculptures ont été recréées sous forme de jouets, brouillant ainsi les frontières entre art et commerce.

Le langage visuel de KAWS a beau être inspiré des dessins animés, son travail n'évoque pas nécessairement la joie enfantine. "Mes personnages ne reflètent pas toujours la vision idéaliste des dessins animés dans laquelle j'ai grandi", explique-t-il dans le catalogue de l'exposition de Fort Worth. "Le compagnon est plus réel lorsqu'il traite des circonstances humaines contemporaines . . . . Je pense que lorsque je fais un travail, il reflète aussi souvent ce qui se passe avec moi à ce moment-là."

Le curriculum vitae de KAWS se lit comme un registre des grands moments de la culture pop du XXIe siècle. Elle comprend son travail avec des marques de streetwear comme A Bathing Ape et Supreme; son design pour la couverture de l'album de 2008 de Kanye West, 808s & Heartbreak; et sa collaboration avec la créatrice Kim Jones pour la collection Dior Homme printemps/été 2019, les débuts de Jones en tant que directrice de la création de la marque de mode.

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Keith Haring a commencé à expérimenter avec ses lignes graphiques audacieuses et ses figures inspirées des dessins animés sur les murs des stations de métro de New York au début des années 1980. Il les a appelés son "laboratoire", des lieux où développer une nouvelle esthétique radicale basée sur une idéologie de création d'un art public véritablement démocratique.

Les peintures , les gravures et les peintures murales de Haring abordent les thèmes universels de la mort, de l'amour et du sexe, ainsi que des problèmes contemporains qu'il a vécus personnellement, comme les épidémies de crack , de cocaïne et de SIDA. Elles tirent une grande partie de leur impact du contraste puissant entre ces sujets sérieux et le langage pictographique joyeux et vibrant qu'il utilise pour les exprimer, plein de figures dansantes, de bébés, de chiens qui aboient, de cœurs et de lignes rythmées, ainsi que de références à la culture pop.

Pour rendre son art encore plus accessible, en 1986, Haring a ouvert le Pop Shop à Soho. Préfigurant l'imbrication actuelle de l'art et de la mode, la boutique vendait des marchandises et des articles de fantaisie présentant des images de Haring et de contemporains tels que Kenny Scharf et Jean-Michel Basquiat. Si ses œuvres comportent parfois du texte, il choisit le plus souvent de communiquer par le dessin. 

"Le dessin est toujours fondamentalement le même depuis la préhistoire", a déclaré un jour Haring. "Il vit par la magie."

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