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Diana Kurz« Green Square #12 » Diana Kurz, composition expressionniste abstraite verte intense1960s
1960s
À propos de cet article
Diana Kurz
Carré vert #12
Gouache sur papier
19 x 14 pouces
Diana Kurz (née en 1936) est une peintre féministe d'origine autrichienne. En 1938, la famille de Diana Kurz a fui l'Autriche, d'abord pour l'Angleterre, puis pour les États-Unis. Kurz a passé son enfance à Brooklyn et dans le Queens, à New York, avant d'obtenir une licence en beaux-arts à l'université Brandeis (1957) et un master en peinture (1960) à l'université Columbia, où elle a étudié avec John Heliker, "l'un des rares professeurs qui encourageait ses étudiantes", comme Kurz s'en est souvenue plus tard.
Kurz a reçu une bourse Fulbright qui lui a permis de vivre et de peindre en France (1965-66), où Jean Hélion est devenu son mentor. C'est là qu'elle a commencé à peindre des natures mortes incorporant à la fois des objets vivants et inanimés, tels que des vases, des bols et des personnages en porcelaine combinés à des fleurs et des légumes ; c'était la première tentative de Kurz de fusionner des images d'impermanence avec des images d'une pertinence historique plus profonde. À son retour de France, Kurz se tourne vers les compositions figuratives, qui l'intéressent depuis 1963.
En 1968 et 1969, lors de résidences à Yaddo, elle se rapproche de Philip Guston, l'une de ses idoles. Au début des années 1970, Kurz commence à peindre des personnages nus dans son studio de SOHO, à partir d'une observation directe, en utilisant souvent des miroirs pour refléter des fragments de leur corps, comme dans Rosaire at Window (1972). Parallèlement, elle réagit intuitivement à la couleur et utilise de nombreuses teintes dans ses tableaux. Influencée par Pierre Bonnard et Henri Matisse, elle était plus soucieuse de créer une composition convaincante que d'aborder les illusions spatiales. Tout au long des années 1970 et 1980, Kurz peint des modèles de studio et des portraits, souvent au sein d'un groupe de dessinateurs comprenant Lois Dodd, Mercedes Matter et Philip Pearlstein. En 1981, elle entame une exploration approfondie de la nature morte en se concentrant sur des arrangements d'objets en céramique produits dans le commerce, qu'elle achète à bas prix et qu'elle choisit pour leur manque de valeur esthétique traditionnelle.
Depuis la fin des années 1960, Mme Kurz s'est identifiée comme féministe. Elle a participé à la Marche des femmes pour la paix (Brigade Jeannette Rankin) à Washington, D.C., en 1968 et a rejoint le Women's Caucus for Art en 1972. Elle a également participé à des expositions exclusivement féminines et féministes, notamment la First Open Show of Feminist Art (1971) à New York. Elle a été l'une des treize contributrices à The Sister Chapel, une installation féministe collaborative qui célébrait les modèles féminins. Kurz a peint Durga (1977), pour laquelle elle a minutieusement étudié de nombreux exemples indiens et une véritable dévote de la déesse hindoue, tout en conservant sa propre technique de peinture. Au début des années 1960, Kurz a commencé à étudier la philosophie chinoise et japonaise, ainsi que les religions orientales, ce qui a eu une influence durable sur son approche de la vie et de l'art.
Entre 1989 et 2003, Kurz a créé Remembrance (Holocaust), une série de peintures qui commémorent les membres de sa famille assassinés pendant l'Holocauste. Les personnages de grande taille ont été inspirés par de vieilles photographies que Kurz a vues chez une tante âgée qui vivait en Californie. Au lieu de se contenter d'agrandir les photographies en noir et blanc, Whiting a fait appel à son imagination pour les embellir et y a incorporé des textes, des lettres et d'autres médias. Elle a utilisé des couleurs vives car, comme elle l'a expliqué, "j'ai souvent été frappée par l'ironie du fait que des choses terribles et innommables se produisaient alors que le ciel était bleu, qu'il faisait beau, que les oiseaux chantaient, etc." Dans Self-Portrait (1999), Kurz semble se tenir devant Vienna, un autre tableau de la série. Elle s'appuie avec ses coudes sur une table, comme si elle se trouvait physiquement dans le même espace - pour la première fois - que ceux de ses parents malades. Comme l'a fait remarquer Evelyn Torton Beck, la "philosophie de la peinture de Kurz est étroitement liée aux théories féministes de la relation et du processus : la couleur est relationnelle. La peinture est avant tout une affaire de relations". En 1998, Kurz a exposé un certain nombre de peintures de sa série Remembrance (Holocauste) au Bezirksmuseum Josefstadt, à Vienne, sa ville natale.
- Créateur:Diana Kurz (1938, Américain, Autrichien)
- Année de création:1960s
- Dimensions:Hauteur : 48,26 cm (19 po)Largeur : 35,56 cm (14 po)
- Autres éditions et dimensions:Unique WorkPrix : 3 000 $US
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- Encadrement:Options d'encadrement disponibles
- État:
- Adresse de la galerie:New York, NY
- Numéro de référence:1stDibs : LU1841215862252
Diana Kurz
Diana Kurz est née à Vienne, en Autriche, est arrivée aux États-Unis en 1940 et vit à Soho, à New York. Depuis les années 1970, elle expose ses œuvres en tant que peintre figuratif. Ses sujets comprennent des peintures de figures monumentales, des paysages, des natures mortes, des portraits et des images d'animaux, ainsi qu'une importante série d'œuvres sur le thème de l'Holocauste. La couleur est d'une importance primordiale dans son travail. Son médium préféré est l'huile sur toile de lin, mais elle travaille également avec l'aquarelle et le pastel sur papier.
Ses œuvres ont fait l'objet de nombreuses expositions individuelles et collectives dans des musées et galeries des États-Unis et d'Europe. Elles figurent dans de nombreuses collections prestigieuses, notamment la Corcoran Gallery of Art, le Rose Art Museum, le Smith College Museum of Art, le Wien Museum de Vienne, le Musée juif de Vienne, le Yad Vashem Art Museum de Jérusalem, le Bezirksmuseum Josefstadt de Vienne, le Brooklyn Botanic Garden, l'université de Rowan, le US Holocaust Memorial Museum de Washington, l'université d'État de New York, l'université d'État de New York, l'université d'État de New York, l'université d'État de New York, l'université d'État de New York, l'université d'État de New York, l'université d'État de New York, l'université d'État de New York, l'université d'État de New York, l'université d'État de New York et l'université d'État de New York. DC et d'autres collections publiques et privées.
Elle a reçu de nombreuses bourses et récompenses, notamment : une bourse Fulbright en France ; une résidence à l'American Center à Paris ; une bourse CAPS du New York State Council on the Arts ; une résidence d'artiste au VCCA/Ministère fédéral autrichien des arts à Vienne ; l'Atlantic Center for the Arts et des résidences d'artistes au Hambidge Center, à l'Atlantic Center for theArts, à Yaddo, à la McDowell Colony, au VCCA, entre autres.
Elle a enseigné l'art en studio au Queens College, au Pratt Institute, au Philadelphia College of Art, au Cleveland Institute of Art, à la Virginia Commonwealth University, à l'University of Colorado, Boulder, et à l'Art Institute of Chicago.
M-One est titulaire d'une licence de l'université de Brandeis et d'un M.F.B. de l'université de Columbia.
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5,0
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Sans titre
Peinture mixte comprenant du fusain et de l'aquarelle
Signé à la main en bas à droite
Dimensions : 30.0" L x 22.5" H x 0.1" D
Richard Snyder est particulièrement connu pour ses grandes peintures expressionnistes abstraites aux couleurs vibrantes, souvent appliquées de manière irrégulière avec de grands coups de pinceau gestuels. Il était également un sculpteur accompli et faisait partie de la scène du mobilier d'art du Downtown New York, créée dans les années 1980 par la galerie de Soho "Art et Industrie" fondée par Rick Kaufmann. Downtown New York, vers 1977-1980, était un foyer d'impulsions créatives qui s'affranchissaient des restrictions et se lançaient à corps perdu dans l'expression émeutière. Punk, hip-hop, graffiti ou néo-expressionnisme,
Kaufmann a cherché de nouveaux talents susceptibles de créer un nouveau type de mobilier d'art. Il estimait que le design de l'époque était tellement standardisé, et il voulait donner la parole à de jeunes artistes et mettre de nouvelles idées sur le marché.
Après avoir obtenu une licence en beaux-arts à l'école du Musée des beaux-arts de Boston, Snyder a fait carrière dans les domaines de l'art et du design, pratiquant la sculpture, la peinture, la conception et la fabrication de meubles, la décoration d'intérieur, l'ébénisterie, la construction et le design industriel. Outre une vaste expérience dans une grande variété de matériaux et de processus, Snyder possède également un large éventail de vocabulaire visuel et expérientiel acquis lors de ses nombreux voyages à travers les Amériques, l'Afrique, le Moyen-Orient, l'Asie centrale et l'Asie du Sud-Est. Snyder considère que ses objets ne se limitent pas à la forme, à la fonction, à la couleur, au matériau et au processus, mais qu'ils sont plutôt des fantaisies dotées d'un esprit, d'une magie et d'une histoire. Au cours des dix-sept années passées à la galerie Art et Industrie, Snyder a participé à cinq expositions personnelles et à plus de vingt expositions collectives, qui l'ont consacré comme un acteur majeur du mouvement du mobilier d'art américain. Ses œuvres ont été publiées dans de nombreux médias et publications à travers le monde. Elles font partie de nombreuses collections privées dans le monde entier ainsi que de la collection permanente de l'Art Institute of Chicago. Snyder est invité à donner des conférences à la Rhode Island School of Design à Providence, à la New School à New York et à SUNY Purchase.
Il a fait partie de la rétrospective de référence de la Magen H Gallery (a) Gallery, Art et Industrie - un mouvement new-yorkais. Art et Industrie a été le premier à exposer le Studio Alchemia, Shiro Takahama et Ron Arad.
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