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Herbert FerberHerbert Ferber, étude sculpturale expressionniste abstraite signée et encadrée Provenance1968
1968
À propos de cet article
Herbert Ferber
Sans titre, 1968
Unique Encre et lavis de couleur sur papier
Signé et daté à la main par l'artiste au recto.
Encadré avec l'étiquette originale de la Label (a) Gallery (sous la direction respectée de Larry Rubin)
Cet excellent dessin sculptural sans titre a été réalisé par le célèbre sculpteur et peintre expressionniste abstrait, Herbert Ferber. Signé et daté à la main par l'artiste au recto. Encadré et prêt à être accroché, en bon état vintage. L'œuvre porte l'étiquette originale de la galerie Knoedler, sous la direction prestigieuse de Lawrence Rubin.
Mesures :
Cadre :
16 1/4 x 16 1/4 x 1/2 pouces
Feuille :
11 x 14 pouces
Provenance :
Porte au dos l'étiquette de Knoedler and Company. De la galerie originale Knoedler sous la direction de Larry Rubin.
Herbert Ferber Biographie
(1906-1991)
L'un des rares artistes de l'expressionnisme abstrait à travailler en trois dimensions, Herbert Ferber a exploré les préoccupations de son époque dans des sculptures dynamiques et visuellement intéressantes au cours d'une carrière qui exprime de manière unique le vocabulaire artistique collectif au milieu du siècle. Dans un ensemble d'œuvres qui s'étend sur plusieurs décennies, la pratique sculpturale de Ferber se développe lentement et de manière réfléchie pour incorporer des éléments du surréalisme, du réalisme social et de l'expressionnisme.
Après quelques travaux en taille directe sur bois, Ferber est allé "au-delà du monolithe" au début des années 1940 sous la forme de bronze modelé. (1) Cela a permis à l'artiste d'explorer des formes plus atténuées et expressionnistes et d'ouvrir sa pratique à certaines influences surréalistes auxquelles ses contemporains s'intéressaient également. C'est également à cette époque que Ferber passe à l'abstraction totale, ses formes amincies ressemblant de plus en plus à des dessins dans l'espace. Le dessin est en effet une composante importante du processus de Ferber, et plusieurs travaux préparatoires sur papier précèdent chaque œuvre sculpturale. Le dessin "a permis à Ferber d'assouplir et d'ouvrir ses formes et de se libérer d'une image spécifique et littérale pour aller vers la simplification et la fluidité" dans la sculpture. (2)
Dans les années 1950 et 1960, Ferber a exploré la relation entre les lignes organiques et géométriques, notamment dans sa série de sculptures "en cage". Ces œuvres à grande échelle présentaient des formes organiques étendues contenues dans des dispositifs d'encadrement strictement rectilignes. L'artiste joue également avec les limites de l'équilibre et du contrepoids dans des sculptures à la fois grandes et petites. Cette œuvre sans titre de 1966 incarne ces deux directions dans le travail de Ferber. La forme organique du cercle tourbillonnant est interrompue par la géométrie agressive des lignes de Ferber dans l'espace. L'ensemble de la forme penche aussi dynamiquement d'un côté, contrebalancé par le petit socle sur lequel elle repose.
Né à New York en 1906, Ferber a fréquenté le City College de New York de 1923 à 1926, se spécialisant dans les sciences tout en développant un intérêt pour les beaux-arts et les sciences humaines. Il a ensuite étudié la dentisterie et la chirurgie buccale à l'université de Columbia, où il a obtenu son doctorat. Pendant ses études de médecine, Ferber a dû faire des dessins anatomiques ; c'est là qu'il a découvert pour la première fois ses talents d'artiste. Tout en fréquentant l'école dentaire, il s'est également inscrit à l'Institut de design des Beaux-Arts de 1927 à 1930. Ferber a en effet exercé la profession de dentiste pendant plusieurs années et a également enseigné la dentisterie à temps partiel à Columbia jusqu'au milieu des années 1970, époque à laquelle il s'est entièrement consacré à la sculpture.
Dans les années 1930-1931, Ferber réalise ses premières sculptures sur bois et, à la fin de l'année 1932, il s'est pleinement approprié ce médium. Ses premiers travaux étaient représentatifs - souvent de la forme humaine - ce qui est probablement une réponse directe à ses dessins d'anatomie en tant qu'étudiant en médecine. Au fil des années, son travail devient de plus en plus abstrait. Après sa période de représentation stricte, Ferber se préoccupe de plus en plus des causes sociales. Son œuvre a pris une tournure particulièrement socio-réaliste en s'intéressant à l'évolution du climat social, politique et économique des années 1930. C'est à cette même époque, vers 1936, qu'il adhère à un club John Reed et à l'Artist's Union. Tout en participant à ces organisations, il assiste aux conférences des influents muralistes socialistes mexicains José Clemente Orozco et David Alfaro Siqueiros, qui se rendent à New York pour faire connaître l'art social-réaliste. Cependant, à la fin des années 1930, Ferber est désillusionné par la politique stalinienne et commence à se détacher de John Reed et de l'Artist's Union. Les thèmes du réalisme social sont restés quelque peu présents dans son travail par la suite, mais de manière moins littérale. Sa première exposition personnelle, composée d'œuvres en bois, a eu lieu en 1937 à la Midtown Gallery de New York. Avant la fin des années 1940, il avait abandonné le bois comme support, insistant sur le fait qu'il avait fait tout ce qu'il pouvait avec ce matériau.
Comme pour de nombreux artistes américains qui ont passé leurs années de formation de ce côté-ci de l'Atlantique, le premier voyage de Ferber en Europe a été particulièrement influent. En 1938, il a visité un grand nombre d'églises et de cathédrales en France et en Italie et a été particulièrement influencé par la sculpture romane, notamment celle de Moissac, Souillac et Carcassone. Entre 1938 et 1945, son œuvre est fortement marquée par ce qu'il appelle la "fausse perspective" des chapiteaux romans.
Au fur et à mesure de sa carrière, Ferber a expérimenté de plus en plus de types de métaux et de manières différentes d'obtenir une forme structurelle saine. Pour Ferber, cependant, les matériaux étaient une question de pragmatisme. Il s'est souvent élevé avec force contre la fétichisation des matériaux - sa plus grande critique du Bauhaus. Il pensait que les idées étaient au cœur de l'art
la fabrication, et non les techniques ou les matériaux (3). Une partie importante du processus de Ferber, qui découle directement de l'influence d'Henry Moore, est la phase de dessin. Boursier William C. AGE
va jusqu'à qualifier Ferber de "dessinateur compulsif", dont les études sont de véritables dessins au lavis qui s'apparentent à des peintures. AGE cite le processus de dessin de Ferber comme une contrainte importante dans son identité d'artiste. Son intérêt pour le dessin combiné à son affection pour Miró et Picasso indique que Ferber, Alexander Calder, David Smith et d'autres artistes de cette génération ne souhaitaient plus tracer une délimitation distincte entre la peinture et la sculpture (4). Ferber, Smith, Calder et Theodore Roszak ont tous commencé comme peintres avant de passer aux trois dimensions, et étaient donc plus enclins à ignorer les barrières entre les médiums. Cette approche de la sculpture se retrouve dans des œuvres de Ferber telles que Metamorphosis I, qui tendent vers une ligne plus atténuée, une ouverture et une minceur qui, autrement, semblent peintes dans l'espace.
En 1946, Ferber s'imprègne tardivement, mais profondément, du surréalisme. Ce changement de style et de poétique est le résultat du contact de Ferber avec les artistes de la Betty Parsons Gallery, qu'il rejoint la même année. Ces artistes et d'autres de la Kootz Gallery, dont Jackson Pollock, William Baziotes, Mark Rothko et d'autres, exploraient tous les possibilités du surréalisme dans leur travail. Le nouvel intérêt de Ferber pour les idées surréalistes telles que la pulsion, l'inconscient et les mythologies a radicalement modifié son travail artistique. NOGE cite les peintures surréalistes de Rothko de 1944 à 1946 comme des influences majeures dans le travail de Ferber à l'époque.
Entre 1949 et 1950, Ferber avait réaffirmé son intérêt pour l'œuvre de Julio Gonzalez, mentor de Picasso en matière de sculpture et figure influente des premières années de Ferber dans ce domaine. Il redevient plus conscient des éléments formels de la création artistique et s'éloigne lentement de ses tendances surréalistes les plus radicales. Cette approche plus sobre a également entraîné un changement physique dans l'esthétique, et son travail s'est orienté davantage vers la verticalité et l'abstraction. À cette époque, l'artiste expérimente la sculpture murale, mais il est rapidement séduit par les possibilités offertes par l'espace. Le minimalisme, un mouvement contemporain, s'intéressait également à l'engagement du spectateur dans l'espace et à la manière dont la forme construite affectait cet engagement. Si l'œuvre de Ferber peut difficilement être qualifiée de minimaliste, elle dialoguait avec des concepts phénoménologiques similaires. L'étape suivante de son intérêt pour l'espace a été l'intégration d'un cadre et, plus tard, d'une structure "toit et mur" dans la sculpture. Cette suggestion d'une pièce fermée était un sous-produit de l'intérêt de l'artiste pour la création d'un environnement de la taille d'une pièce (5).
En 1958, Ferber est en contact étroit avec le critique et historien d'art A.C. Goossens. Ensemble, ils ont développé un souci croissant d'imiter l'effet produit sur le spectateur par une peinture à grande échelle en trois dimensions. Goossens a abordé le sujet dans un article intitulé "The Big Canvas" (La grande toile). Tous deux étaient convaincus de l'intimité que l'on peut ressentir face à un tableau, surtout s'il est de grande taille. Bien que Ferber affirme n'avoir jamais cessé de peindre, cette année marque une intégration importante du médium dans son propre travail artistique. Les travaux réalisés à partir de cette époque montrent une conscience accrue de la nécessité d'injecter une présence picturale dans ses sculptures. Il s'efforce encore d'atténuer la ligne de démarcation entre les deux médiums.
Les œuvres de Ferber figurent dans les collections de l'Albright-Knox Art Gallery, Buffalo ; du Cantor Arts Center, Stanford University, Palo Alto ; du Dallas Museum of Art ; du Honolulu Museum of Art ; de la National Gallery of Art, Washington, D.C. ; du Newark Museum ; de la Pennsylvania Academy of the Fine Arts ; du Whitney Museum of Art, New York ; de New York ; et de la Yale University Art Gallery, New Haven, parmi d'autres. Ferber est décédé en 1991 à North Egremont, Massachusetts.
- Créateur:Herbert Ferber (1906-1991, Américain)
- Année de création:1968
- Dimensions:Hauteur : 41,28 cm (16,25 po)Largeur : 41,28 cm (16,25 po)Profondeur : 1,27 cm (0,5 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:En bon état vintage. Ondulations mineures, mais autrement en très bon état. Dans un cadre vintage ; les cadres ne sont pas garantis.
- Adresse de la galerie:New York, NY
- Numéro de référence:1stDibs : LU1745215023482
À propos du vendeur
5,0
Vendeur Platine
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Mesures :
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