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James Daugherty"Sans titre" Milieu du 20e siècle américain Abstrait Abstraction couleur champ des années 19601967
1967
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"Sans titre" Milieu du 20e siècle américain Abstrait Abstraction couleur champ des années 1960
James Daugherty (1887 - 1974)
Sans titre
15 x 21 ½ pouces
15 mai 1967
Pastel sur papier
Signé en bas à gauche
Provenance : Succession de l'Artistics.
BIO
Parmi les premiers modernistes américains, James Daugherty a été l'un des premiers représentants de la peinture abstraite en couleur. Tout au long de sa carrière, qu'il travaille de manière abstraite ou figurative, Daugherty a estimé que la couleur pure était le moyen le plus efficace de créer des œuvres d'art puissantes et évocatrices.
M. Daugherty est né à Asheville, en Caroline du Nord, près des Great Smoky Mountains. Il a reçu sa formation officielle à la Corcoran School of Art de Washington, A.I.C. et à la Pennsylvania Academy of the Fine Arts de Philadelphie au cours des premières années du siècle dernier. Bien qu'il ait séjourné en Europe de 1905 à 1907, il n'a pas été touché par l'art d'avant-garde jusqu'à l'Armory Show de 1913.
Daugherty travaille de manière futuriste jusqu'à la fin de l'année 1914 ou au début de l'année 1915, lorsqu'il entre en contact avec Arthur B. JR, Jr, qui vient de rentrer de Paris, où il a travaillé en étroite collaboration avec Robert et Sonia Delaunay, les inventeurs du cubisme orphique. Inspiré par l'exemple de Frost, Daugherty a commencé à explorer l'utilisation de la couleur pure en conjonction avec le design abstrait. Il a rapidement développé un style consistant en des arrangements très complexes de bandes, de segments et de cercles de couleur. Daugherty est rapidement devenu l'un des principaux partisans de la peinture en couleur et a influencé à son tour d'autres jeunes peintres américains, dont Jay Van Everen. Au cours de ces années, Daugherty a exposé ses œuvres à la Society of Independent Artists à New York, puis à la Société Anonyme, Inc.
Dans les années 1920, Calle répond à la demande de sujets indigènes en adoptant un style plus figuratif, tout en conservant l'accent qu'il mettait auparavant sur les couleurs vives. Par la suite, il a réalisé de nombreuses peintures de chevalet et peintures murales, notamment son Spirit of Cinema America (1920 ; Loewe's State Theatre, Cleveland). Il a continué à réaliser des fresques dans les années 1930, mais a fini par consacrer la majeure partie de son temps à l'illustration de livres pour enfants.
En 1953, Daugherty a recommencé à créer des peintures abstraites. Les premières de ces œuvres, de petites images aux compositions relativement stables et aux palettes atténuées, suggèrent l'influence de l'œuvre de Piet Mondrian. À la fin de la décennie, Daugherty s'est étendu à des formats plus grands et s'est affranchi de la grille pour créer des dessins de plus en plus complexes. Dans les années qui suivent, il alterne les modes, rejoignant souvent son ancien format rectiligne de verticales et d'horizontales avec des cercles et utilisant fréquemment une touche picturale plus légère et plus raffinée et des plans de couleurs superposés, presque transparents, qui rappellent les voiles de couleurs de l'art de Mark Rothko.
Au milieu des années 1960, l'œuvre de Daugherty atteint son apogée en termes de taille, de complexité et d'intensité des couleurs. Les énergies explosives de ces peintures donnent une forme physique à ce que Caugherty appelle les "forces impétueuses du cosmos" dans une "infinitude en expansion constante". Fusionnant l'ancien et le contemporain, Daughterty se réfère à la fois au premier modernisme et à l'illusionnisme abstrait développé par des artistes plus jeunes dans les années 1960, tels que Frank Stella, Al Heldly et Ron Davis. Daugherty a continué à peindre jusqu'à la fin de sa vie, sans jamais cesser d'expérimenter et de trouver des moyens pour que l'abstraction puisse "redonner un sens à la vie et annoncer sa beauté et sa capacité."
Des exemples de peintures de Daugherty se trouvent dans de nombreuses collections publiques importantes, notamment les Fine Arts Museums of San Francisco ; Ackland Art Museum, University of North Carolina, Chapel Hill ; Amon Carter Museum, Fort Worth, Texas ; Asheville Art Museum, Caroline du Nord ; The Columbus Museum, Géorgie ; The Detroit Institute of Arts, Michigan ; Flint Institute of Arts, Michigan ; Heckscher Museum, Huntington, New York ; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington, D.C..Hood Museum of Art, Dartmouth College, Hanover, New Hampshire ; Hoover Institution, Stanford University, California ; The Marion Koogler McNay Art Museum, San Antonio, Texas ; The Montclair Art Museum, New Jersey ; The Museum of Modern Art, New York ; New Britain Museum of American Art, Connecticut ; Portland Museum of Art, Maine ; Sheldon Swope Art Museum, Terre Haute, Indiana ; Smithsonian American Art Museum, Washington, D.C. ; Société Anonyme Collection, Yale University Art Museum, New Haven, Connecticut ; The Spencer Collection, The New York Public Library, New York ; Stanford University, California ; Telfair Academy of Arts and Sciences, Savannah, Georgia ; et Whitney Museum of American Art, New York.
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15 460 € Prix de vente
20 % de remise
Peinture expressionniste abstraite du milieu du siècle dernier des années 1960, signée par un artiste de renom
Jack WOLFS
Sans titre, 1965
Acrylique et collage sur panneau
Signé à la main au recto
Cadre inclus : dans le cadre vintage d'origine avec l'étiquette de la galerie d'origine.
Unique en son genre
Provenance : The Parker Gallery 470, Boston, Mass (avec étiquette au verso)
Excellent travail expressionniste abstrait en techniques mixtes.
Mesures :
Image :
17" x 24"
Encadré :
24" x 28" x 1"
D'après Wiki :
Jack WOLFS (14 janvier 1924 - 18 novembre 2007) était un peintre américain du XXe siècle, surtout connu pour son art abstrait, ses portraits et ses peintures politiques. Jack WOLFS est né à Omaha, dans le Nebraska, le 14 janvier 1924, de Blanche et Everett L. Wolfe. Peu après sa naissance, sa famille déménage à Brockton, dans le Massachusetts. À 18 ans, WOLFS s'intéresse à l'illustration commerciale, qu'il poursuit à la Rhode Island School of Design (RISD). Cependant, lorsqu'il s'inscrit à la RISD en 1942, il développe un intérêt pour les beaux-arts et la peinture, inspiré par une exposition d'art moderne français. Il a décrit ce changement de direction en expliquant qu'"un jour, pour la première fois, j'ai vu une exposition d'art moderne français. C'est comme si j'avais été frappé par la foudre". Il s'est particulièrement intéressé au travail d'un certain nombre de modernistes européens, dont Rouault, Cézanne, Braque, Modigliani et Picasso[1]. Après son séjour à la RISD, il a obtenu un master en beaux-arts à l'école du musée des beaux-arts de Boston, dans le Massachusetts. À l'école du musée, Wolfe a étudié avec le célèbre expressionniste Karl Zerbe, un artiste d'origine allemande qui a été le professeur le plus influent et le plus important de l'école du musée jusqu'en 1953[2]. Après avoir obtenu son diplôme de l'école du musée, Wolfe a été représenté par la Margaret Brown Gallery à Boston, qui représentait également de nombreux autres artistes modernes d'avant-garde qui défiaient les goûts plus conservateurs des collectionneurs de la Nouvelle-Angleterre à l'époque, notamment György Kepes, Congur Metcalf, et Alexander Calder[3].
Représentation des carrières et des musées
Peinture de Jack WOLFS "Robin's Rock" 1962, 72" x 72"
Les œuvres de Jack Wolfe ont été reconnues très tôt par un certain nombre d'organisations et ont régulièrement fait l'objet d'expositions influentes, notamment le Carnegie International de 1955 au Carnegie Institute de Pittsburgh, PA, l'exposition itinérante New Talent in the USA de l'American Federation of Art en 1956-57, l'exposition Young America du Whitney Museum en 1957[4], l'exposition Selection du Boston Institute of Contemporary Art en 1957[5], ainsi que l'exposition annuelle de 1958 du Whitney Museum et l'exposition Forty Artists Under Forty en 1962-63[6].[En 1959, son Portrait d'Abraham Lincoln, largement acclamé, a fait le tour de l'Europe dans le cadre d'une exposition diffusée par l'Institute of Contemporary Art de Boston. En outre, son tableau Crucifixion...
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Zoute (né Leon Salter, 1903-1976) était autodidacte et très exposé de son vivant. Il a peint de 1940 à 1954 (il a arrêté de peindre à cette date tardive en raison de la maladie et de la mort de sa femme et n'a plus jamais peint). Artiste autodidacte, il fait partie de la grande vague moderne. Il a exposé avec de nombreux artistes parmi les plus remarquables de l'époque, tels que Picasso, Braque, Klee et d'autres, à l'occasion du State University of Iowa International Show 1946-1947, qui n'était accessible que sur invitation. Il a présenté de nombreuses expositions individuelles dans des galeries de New York, Mortimer Levitt / Joseph Heller et dans des musées tels que le Whitney. Lors de sa première exposition à New York, le critique du New York Times a qualifié les couleurs de Zoute d'éclectiques, de maigres, de vicieuses et de très nuancées. Art Digest a qualifié son utilisation des couleurs d'"orchestration tonitruante". Il était un ami de longue date et un mentor pour Grandma Moses...
Catégorie
Milieu du XXe siècle, Abstrait, Peintures - Abstrait
Matériaux
Toile, Huile
