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Michele Oka DonerPeinture d'origine abstraite biomorphique Phoenix Bird Michele Oka Doner2004
2004
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Il s'agit d'une technique mixte. Je ne suis pas certain des matériaux utilisés. Il s'agit d'un papier translucide, de type vélin ou parchemin, avec du fusain ou de l'encre, signé au crayon en bas à droite.
Il ne porte pas de titre.
Michele Oka Doner (née en 1945 à Miami Beach, Floride, États-Unis) est une artiste et auteure américaine qui travaille sur différents supports, notamment la sculpture, la lithographie et la gravure sur bois, le dessin, l'aquarelle, les objets fonctionnels et la vidéo. Ses travaux sont basés sur la flore, la faune, l'ADN et toutes sortes d'exotiques. Elle a également travaillé dans la conception de costumes et de décors et a créé plus de 40 installations artistiques permanentes publiques et privées, dont son œuvre la plus connue est "A Walk on the Beach" (1995, 1999), et son extension, "A Walk on the Beach : Tropical Gardens" (1996-2010) à l'aéroport international de Miami. Il est composé de plus de 9000 bronzes enchâssés dans du terrazzo avec de la nacre. D'une longueur d'un kilomètre et quart, c'est l'une des plus grandes œuvres d'art au monde.
Née et élevée à Miami Beach, Oka Doner est la petite-fille du peintre Samuel Heller. Le père d'Oka Doner, Kenneth Oka, a été élu juge et maire de Miami Beach pendant sa jeunesse (1945-1964). La famille a mené une vie publique et politiquement active. Plus tard, JR a co-écrit, avec Mitchell Wolfson Jr. Miami Beach : Blueprint of an Eden, un portrait intime de Miami Beach des années 1920 aux années 1960, utilisant leurs familles comme des prismes pour refléter l'époque. Considéré comme un classique de l'histoire sociale, avec des documents qui faisaient partie des archives publiques de l'époque, il a été utilisé comme manuel de géographie humaine à l'université George Washington en 2008.
En 1957, à l'âge de 12 ans, NO AGE a entamé un projet indépendant d'un an pour étudier l'Année géophysique internationale (AGI). Elle a rassemblé un livre de dessins, d'écrits et de collages qui est devenu un modèle pour les projets réalisés au cours des années suivantes. En 1963, Oka Doner quitte la Floride pour l'université du Michigan, à Ann Arbor. Son professeur d'art, Milton Cohen, expérimente le Space Theater et George Manupelli lance le festival du film d'Ann Arbor. Leurs étudiants s'adonnaient à la poésie, à la danse, à la lumière, à la musique, le tout combiné dans une vision unitaire, un motif qui a façonné les années d'études d'Oka Doner et qui est caractéristique de son travail aujourd'hui. Oka Doner a participé à un film expérimental de Manupelli, à une performance "Map Read" avec le professeur de dessin Al Loving et le danseur Judsonite Steve Paxton, ainsi qu'à plusieurs "Happenings". L'historien de l'art et spécialiste de l'islam Oleg Grabar, qui a illustré la façon dont les motifs architecturaux peuvent dissoudre l'espace, a également exercé une influence. A Death Mask, l'une de ses premières œuvres, a été choisie pour faire la couverture de Generation, le journal d'avant-garde de l'université, alors que l'agitation sur le campus à propos de la guerre du Viêt Nam s'intensifiait. Ses poupées de porcelaine tatouées ont été adoptées par des étudiants protestant contre l'utilisation du napalm par les États-Unis... leurs têtes (quand elles en ont) avec les yeux fermés, la bouche entrouverte et le cerveau visible, entrent dans la catégorie des objets surréalistes, mais d'un surréalisme rempli d'une sève naïve, barbare et jeune".
Oka Doner est titulaire d'une licence en sciences et en design de l'université du Michigan (1966), d'un M.F.A. (1968), a été Alumna-in-Residence (1990), a reçu le Distinguished Alumna Award de l'école d'art (1994) et a été Penny Stamps Distinguished Speaker (2008). Elle a reçu le titre honorifique de Docteur en Arts (2016).
Après avoir obtenu son diplôme en 1968, Oka Doner a ouvert un studio dans le centre-ville d'Ann Arbor, derrière la galerie d'art "Editions, Inc.", où le physicien Lloyds Cross et le sculpteur Jerry Pethick expérimentaient l'holographie. À l'aide d'un laser au krypton, ils ont créé les premiers hologrammes artistiques. L'une des sculptures d'Oka Doner a été utilisée pour cette expérience. La "poupée en céramique" a été inaugurée lors de la première exposition mondiale d'hologrammes à l'Académie d'art de Cranbrook en 1970. Oka Doner s'installe à Détroit et expose à la Gertrude Kasle Gallery en 1971. En 1975, un nouveau corpus d'œuvres, Burial Pieces, a été exposé sur le sol de la Gallery 7, qui était alors une galerie coopérative d'artistes noirs, dirigée par Charles McGee. Ce fut la première d'une longue série d'installations qui se sont débarrassées des piédestaux et des modes traditionnels d'exposition des sculptures. Une exposition personnelle au Detroit Institute of Arts a suivi en 1977. Works in Progress, a également abandonné les accessoires conventionnels. Oka Doner a installé sur le sol de la cour nord des milliers de pièces d'argile représentant des images d'écriture et de graines en cours de germination. En 1979, la DIA a organisé une petite exposition de groupe, "Image and Object in Contemporary Sculpture", à laquelle ont participé Michele Oka Doner, Scott Burton, Dennis Oppenheim et Terry Allen, et qui a été présentée à P.S. 1, à New York.
En 1981, Oka Doner s'installe à New York et se lance dans une série d'installations d'art public. En 1987, elle a remporté un concours national parrainé par le programme Arts For Transit du MTA avec Radiant Site, un mur de 165 pieds de long pour la station de métro Herald Square à New York. Le regretté architecte Morris Lapidus a déclaré à propos de "Celestial Plaza" : "En déposant ces formes à nos pieds, elle nous encourage à nous arrêter et à chercher des points de repère dans l'étendue étincelante, tout comme nous le ferions dans le ciel nocturne."
En 2009-2010, Oka Doner a installé SoulCatchers, environ 400 sculptures chamaniques dans la salle des fours de la Manufacture de porcelaine de Nymphenburg, à Munich, en Allemagne).
Ses œuvres ont fait l'objet d'expositions individuelles au Detroit Institute of Arts (Michigan), à Germans Van Eck, Diane Brown, Art & Industrie, Willoughby Sharp et Marlborough Gallery (New York), au Studio Stefania Miscetti (Rome) et à Gloria Luria (Miami, Floride).
Parmi les expositions individuelles récentes, citons "Close Your Physical Eye" (Fermez votre œil physique). Manitoga Arts Center, Garrison, New York (2019) ; "New Works on Paper", Marlborough Gallery, New York (2019), ""How I Caught A Swallow in Mid-Air", au Perez Art Museum Miami PAAM (2016), "Mysterium" à David Gill Gallery, Londres (2016), "Feasting on Bark", "Feasting on Bark", etc. Marlborough Gallery, New York (2015), "The Shaman's Hut", Christie's gallery, New York (2014), "Neuration of the Genus", Dieu Donne Gallery, New York, NY, où elle a été interviewée par l'artiste Adams, et "Exhaling Gnosis" à la Biennale de Miami (2011). Sa première vidéo, A Walk on the Beach, a été présentée pour la première fois à Art Basel Miami Beach (2011) dans le cadre du programme de projections publiques "Art Video" au SoundScape Park, sur le mur de projection extérieur de 7 000 pieds carrés du New World Center. Oka Doner a conçu ses premiers décors et costumes pour la production du Miami City Ballet du "Songe d'une nuit d'été" de George Balanchine (printemps 2016 et printemps 2019) Les décors et les costumes ont été inspirés par des images de créatures sous-marines photographiées dans la collection du Marine Invertebrate Museum à la Rosenstiel School of Marine & Atmospheric Science de l'Université de Miami, Prof. Nancy Voss, directrice En outre, Michele Oka Doner a créé une installation artistique à grande échelle, "Mangrove Retreat", en 2015 pour Art Basel Miami Beach en utilisant du tissu Sunbrella. Elle a réalisé une commande pour le Musée juif de New York. Dans les années 1980, les féministes juives ont introduit une nouvelle composante dans le seder de la Pâque, en honorant la prophétesse Miriam, sœur de Moïse, qui a entraîné les femmes dans des chants et des danses après la fuite des Juifs d'Égypte. Une coupe portant son nom est placée sur la table à côté de la traditionnelle coupe de vin réservée au prophète Élie. La coupe (judaïque) de Miriam contient de l'eau, symbole du puits d'eau fraîche qui accompagnait Miriam lorsque les Juifs erraient dans le désert après leur fuite. La sienne est en argent, coulée et travaillée à la main.
Elle a été incluse dans le livre "50 Contemporary Women Artists" (50 femmes artistes contemporaines) aux côtés d'autres personnalités.
Judy Chicago, Kara Walker, Zoe Buckman, Maya Lin, Mickalene Thomas, Shirin Neshat et bien d'autres.
Ses œuvres figurent dans des collections du monde entier, notamment au Metropolitan Museum of Art, au Whitney Museum of American Art et au Cooper-Hewitt, à New York ; au Musée des arts décoratifs du Louvre, à Paris ; au Wolfsoniana, au Musei de Genova ; à l'Art Institute of Chicago ; au Virginia Museum ; au St. Louis Museum ; au Dallas Museum of Art ; au University of Michigan Museum of Art ; à la Yale Art Gallery ; au Prince University Art Museum ; et au Perez Art Museum Miami.
- Créateur:Michele Oka Doner (1945, Américain)
- Année de création:2004
- Dimensions:Hauteur : 35,56 cm (14 po)Largeur : 27,94 cm (11 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Surfside, FL
- Numéro de référence:1stDibs : LU38215949882
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Début des années 2000, Abstrait, Dessins et aquarelles - Abstrait
Matériaux
Feuille d'or
Peinture expressionniste abstraite et audacieuse des techniques mixtes Richard Snyder NYC Art
Richard Snyder (américain, né en 1951)
Sans titre
Peinture mixte comprenant du fusain et de l'aquarelle
Signé à la main en bas à droite
Dimensions : 30.0" L x 22.5" H x 0.1" D
Richard Snyder est particulièrement connu pour ses grandes peintures expressionnistes abstraites aux couleurs vibrantes, souvent appliquées de manière irrégulière avec de grands coups de pinceau gestuels. Il était également un sculpteur accompli et faisait partie de la scène du mobilier d'art du Downtown New York, créée dans les années 1980 par la galerie de Soho "Art et Industrie" fondée par Rick Kaufmann. Downtown New York, vers 1977-1980, était un foyer d'impulsions créatives qui s'affranchissaient des restrictions et se lançaient à corps perdu dans l'expression émeutière. Punk, hip-hop, graffiti ou néo-expressionnisme,
Kaufmann a cherché de nouveaux talents susceptibles de créer un nouveau type de mobilier d'art. Il estimait que le design de l'époque était tellement standardisé, et il voulait donner la parole à de jeunes artistes et mettre de nouvelles idées sur le marché.
Après avoir obtenu une licence en beaux-arts à l'école du Musée des beaux-arts de Boston, Snyder a fait carrière dans les domaines de l'art et du design, pratiquant la sculpture, la peinture, la conception et la fabrication de meubles, la décoration d'intérieur, l'ébénisterie, la construction et le design industriel. Outre une vaste expérience dans une grande variété de matériaux et de processus, Snyder possède également un large éventail de vocabulaire visuel et expérientiel acquis lors de ses nombreux voyages à travers les Amériques, l'Afrique, le Moyen-Orient, l'Asie centrale et l'Asie du Sud-Est. Snyder considère que ses objets ne se limitent pas à la forme, à la fonction, à la couleur, au matériau et au processus, mais qu'ils sont plutôt des fantaisies dotées d'un esprit, d'une magie et d'une histoire. Au cours des dix-sept années passées à la galerie Art et Industrie, Snyder a participé à cinq expositions personnelles et à plus de vingt expositions collectives, qui l'ont consacré comme un acteur majeur du mouvement du mobilier d'art américain. Ses œuvres ont été publiées dans de nombreux médias et publications à travers le monde. Elles font partie de nombreuses collections privées dans le monde entier ainsi que de la collection permanente de l'Art Institute of Chicago. Snyder est invité à donner des conférences à la Rhode Island School of Design à Providence, à la New School à New York et à SUNY Purchase.
Il a fait partie de la rétrospective de référence de la Magen H Gallery (a) Gallery, Art et Industrie - un mouvement new-yorkais. Art et Industrie a été le premier à exposer le Studio Alchemia, Shiro Takahama et Ron Arad.
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Chaque collaborateur ajoute à une composition dans l'ordre, soit en suivant une règle, soit en n'étant autorisé à voir que la fin de ce que la personne précédente a apporté. Cette technique a été inventée par les surréalistes. Le principal fondateur du surréalisme, André Breton, a déclaré qu'il avait commencé par s'amuser, mais qu'il était devenu ludique et finalement enrichissant. Au début, il y avait Yves Tanguy, Marcel Duchamp, Jacques Prévert, Benjamin Péret, Pierre Reverdy et André Breton. Parmi les autres participants figurent probablement Max Morise, Joan Miró, Man Ray, Simone Collinet, Tristan Tzara, Georges Hugnet, René Char, ainsi que Paul et Nusch Éluard. Henry Miller s'est souvent prêté au jeu pour passer le temps dans les cafés français des années 1930.
Manuel Sáez (né le 6 mars 1961) est un artiste autodidacte espagnol. Depuis 1984, il vit et travaille à Valence.
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En tant que membre résident de l'Académie espagnole des beaux-arts à Rome en 1990, Sáez a élaboré une série de portraits intitulée Biografia no autorizada. En 1991, Sáez a tenu sa première exposition importante à la Fundació La Caixa à Valence. En 1996, il a présenté sa première rétrospective, Colección Exclusiva 1984-1995, au Club Diario Levante de Valence, ainsi qu'au Cercle des beaux-arts de Madrid, aux Salas Verónicas de Murcie, à la Délégation de Castellón et à la Calle de Cáceres. En 2000, Sáez a exposé au Museo Rufino Tamayo de Mexico et à l'Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) de Valence. En 2008, le travail de Sáez a été exposé à la Sala Parpalló de Valence.
En 2003-2004, Dispersions a été exposé au Bass Museum of Art de Miami. En 2007, l'œuvre de Sáez est présentée dans l'exposition El Pop Art...
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