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Carol Summers« Indian, », gravure sur bois abstraite et monotype signée par Carol Summers1994
1994
À propos de cet article
"India" est une gravure sur bois et un monotype signés par Carol Summers. Ici, le langage abstrait de Summer pour l'imagerie paysagère est poussé à l'extrême : l'image offre une vue d'une cascade très stylisée, avec de l'eau rouge tombant derrière un feuillage vert en contrebas. Un soupçon de bleu clair en bas à gauche suggère une continuation de l'écoulement de l'eau. Au-dessus, des violets et des jaunes s'élèvent en brume grâce à la puissance de l'eau. L'aspect ludique de l'image est renforcé par la technique de gravure caractéristique de Summers, qui permet à l'encre de la planche de bois de s'infiltrer à travers le papier, brouillant les bords de chaque forme. La signature de Summers se trouve au crayon au bas de la forme bleue la plus à droite, avec le titre et l'édition au bas de la forme bleue la plus à gauche. Une copie de cette estampe se trouve dans la collection des Diptych Fine Arts Museums of San Francisco.
37.25 x 24.88 pouces, œuvre d'art
48.5 x 35.5 pouces, cadre
Numéroté 44 de l'édition de 75
Carol Summers (1925-2016) a travaillé en tant qu'artiste tout au long de la seconde moitié du XXe siècle et dans les premières années du suivant, survivant à la plupart de ses pairs modernistes du milieu du siècle. D'abord formé à la peinture, Summers a été attiré vers 1950 par les gravures sur bois en couleur, qui sont devenues sa spécialité par la suite. Au fil des ans, il a développé un processus et un style à la fois innovant et facilement reconnaissable. Son art est connu pour ses grandes dimensions, ses champs saturés de couleurs vives, son traitement semi-abstrait de paysages du monde entier et sa qualité luminescente obtenue grâce à un procédé d'impression qu'il a inventé.
Au cours d'une carrière qui s'étend sur plus d'un demi-siècle, Summers a tiré à la main environ 245 gravures sur bois dans des éditions dont le nombre varie généralement entre 25 et 100. Son talent est à la fois hérité et appris. Né en 1925 à Kingston, une petite ville du nord de l'État de New York, Summers a grandi dans la ville voisine de Woodstock avec sa sœur aînée, Mary. Ses parents étaient tous deux des artistes qui s'étaient rencontrés à l'école d'art de Saint-Louis. Pendant la Grande Dépression, alors que Can grandit, son père subvient aux besoins de la famille en tant qu'illustrateur médical jusqu'à ce qu'il puisse se remettre à la peinture. Sa mère était aquarelliste et connaissait bien les différents types de papiers utilisés pour divers types de peinture. Bien des années plus tard, Collection'S peindra ou imprimera sur du papier à la texture fine, collecté à l'origine par sa mère.
De 1948 à 1951, Carol Summers a suivi une formation classique en beaux-arts et en studio au Bard College et à l'Art Students League de New York. Il a étudié la peinture avec Steven Hirsh et la gravure avec Louis Schanker. Il admire les formes et les couleurs privilégiées par les premiers modernistes Paul Klee (Sw : 1879-1940) et Phillips (Am : né en 1927- ). Après avoir obtenu son diplôme, Summers abandonne son travail de charpentier et d'ébéniste à temps partiel (qui lui permettait de payer ses études et ses frais de subsistance) pour se consacrer à plein temps à l'art. La même année, un premier tableau abstrait, Bridge No. 1, est sélectionné pour un prix d'achat dans le cadre d'un concours organisé par le Brooklyn Museum.
En 1952, son œuvre (Cathedral, Construction and Icarus) est présentée pour la première fois au Museum of Modern Art de New York dans le cadre d'une exposition de gravures sur bois américaines. En 1954, Summers a reçu une bourse du gouvernement italien pour étudier pendant un an en Italie. Les gravures sur bois réalisées peu après son arrivée y sont presque toutes des éditions de 8 à 25 tirages seulement, de petit format, au contenu architectural et aux couleurs noir et blanc. Les plus connus sont le Paysage siennois et le Petit paysage, qui représentent la région près de laquelle il résidait. Summers prolonge ce voyage de trois ans, une décision qui aura un impact significatif sur les choix de sujets et de couleurs au cours de la décennie suivante.
Après son retour d'Europe, les images de Summers ont continué à représenter des lieux et des événements historiques d'Italie, mais aussi de France, d'Espagne et de Grèce. Cependant, comme en témoignent Aetna's Dream, Worldwind et Arch of Triumph, un nouveau look a prévalu. Ces gravures sur bois étaient plus grandes en taille et en couleur. Certains ont incorporé des feuilles de métal dans la création d'un collage et Summers a même expérimenté la sérigraphie. Les éditions comptent désormais entre 20 et 50 exemplaires. Plus important encore, Summers utilise sa technique de frottage pour la première fois lors de la création de Fantastic Garden à la fin de l'année 1957.
Dark Vision of Xerxes, une référence pour Summers, a été la première gravure sur bois où Summers a expérimenté l'utilisation d'essences minérales dans le cadre de son processus d'impression. Une bourse Fulbright ainsi que des bourses de la Fondation Louis Comfort Tiffany et de la Fondation Guggenheim ont suivi peu après, de même que des postes de professeur dans des collèges et des universités, principalement à New York et en Pennsylvanie. Pendant cette période, il a épousé une danseuse, Elaine Smithers, avec qui il a eu un fils, Kyle. À la même époque, avec son confrère Leonard Baskin, Summers est le pionnier de ce que l'on appelle aujourd'hui la gravure sur bois "monumentale". Ce terme a été inventé au début des années 1960 pour désigner des gravures sur bois nettement plus grandes que celles qui avaient été créées les années précédentes et dont la taille était limitée principalement par la taille des petites presses à bras. Alors que Baskin choisissait des sujets figuratifs, sérieux par nature et rendus avec des lignes épaisses et striées, Summers rendait des images beaucoup moins sombres, préférant mettre l'accent sur la forme et la couleur ; son sujet s'approchait de l'abstraction mais était toujours fermement enraciné dans le paysage.
En plus de travailler à cette nouvelle échelle, plus grande, Summers affine en même temps un procédé de gravure qui sera appelé "Carol Summers Method" ou "Carol Summers Technique". Summers réalise ses gravures sur bois à la main, généralement à partir d'un ou plusieurs blocs de pin d'un quart de pouce, en utilisant des encres d'imprimerie à base d'huile et des papiers de mûrier poreux. Ses gravures sur bois révèlent une sensibilité au bois, en particulier à ses qualités d'absorption et aux subtilités de son grain. Dans plusieurs de ses gravures sur bois, tout au long de sa carrière, il a utilisé les motifs ondulés et granuleux d'une grande planche de bois pour représenter une rivière qui coule ou une chute d'eau qui dégringole. Les meilleurs exemples en sont Dream, réalisé en 1965, et Flash Flood Escalante, en 2003. Dans la majorité de ses gravures sur bois, Summers fait en sorte que les blocs soient légèrement plus grands que le papier afin que l'image et la couleur déteignent sur le bord.
Avant l'impression, il centre une feuille de papier sèche sur le dessus du ou des blocs de bois découpés, en la fixant à l'aide de pinces géantes. Il fait ensuite rouler l'encre directement sur le recto de la feuille de papier et l'appuie sur le bloc de bois sec ou le groupe de blocs réassemblés. Summers est techniquement très compétent ; les encres sont bien saturées sur la surface du papier, mais elles ne se chevauchent pas. La précision de l'encrage des couleurs dans Variously's Dream en 1969 et Rainbow Glacier en 1970 a été mentionnée dans divers manuels de studio. Summers qualifie sa propre technique d'impression de "frottage". Dans l'impression traditionnelle par gravure sur bois, y compris la méthode japonaise, l'encre est appliquée directement sur le bloc. Cependant, en suivant sa propre méthode, Summers a évité l'image inversée d'une impression conventionnelle et cela lui a permis de contrôler la quantité précise d'encre qu'il voulait sur le papier. Une fois l'encre appliquée sur le recto du papier, Summers l'asperge d'essence minérale, qui agit comme un agent de dilution. Les fibres absorbantes du papier éloignent l'encre diluée de la surface, ce qui adoucit les formes et diffuse et atténue les couleurs. Cela produit un éclat unique qui est la marque de fabrique de la technique d'impression Summers. Contrairement aux œuvres d'autres artistes du color field ou des modernistes de l'époque, cette nouvelle technique a permis aux simplifications extrêmes et aux aplats de couleurs de Summers d'être tout sauf durs à cuire ou froidement impersonnels.
Dans les années 1960, Summers a développé une méthode personnelle de coloriage et d'impression et n'a pas peur de travailler dur, s'occupant lui-même du découpage, de l'encrage et du tirage. En 1964, à l'âge de 38 ans, l'œuvre de Summers est exposée pour la seconde fois au Musée d'art moderne. Cette fois, son travail a fait l'objet d'une exposition individuelle, puis d'une exposition itinérante de deux ans au MoMA, qui a fait le tour des États-Unis. Au cours des années suivantes, les œuvres de Summers seront exposées et entreront dans les collections permanentes de nombreux musées aux États-Unis, en Europe et en Asie. Summers connaît bien les paysages du monde entier. En tant que navigateur-bombardier dans les Marines pendant la Seconde Guerre mondiale, il a parcouru le Pacifique Sud et l'Asie.
Après des études supérieures, des voyages en Europe et des postes d'enseignante, Carol Summers s'est installée définitivement en 1972 à Bonny Doon, dans les montagnes de Santa Cruz, en Californie du Nord, après 47 ans passés sur la côte Est. C'est là qu'il a rencontré sa deuxième femme, Joan Ward Toth, une artiste textile qui est décédée en 1998, et c'est là qu'est né son deuxième fils, Ethan. Au cours des années qui ont suivi ce déménagement, le choix des sujets de Summers s'est diversifié, tout en conservant la qualité positive, essentiellement axée sur l'affirmation de la vie, qui existait depuis le début. Les images comprennent désormais des lunes, des comètes, des ciels ensoleillés ou étoilés, des cœurs et des fleurs qui, d'une manière ou d'une autre, restent liés au paysage.
Dans les années 1980, depuis sa maison et son Studio dans les montagnes de Santa Cruz, Summers a continué à travailler en tant qu'artiste, complétant ses revenus en animant des cours et des ateliers dans les universités de Californie et de l'Oregon, ainsi que dans tout le Mid et le Southwest. Pendant cette période, il a également beaucoup voyagé, faisant de la randonnée et du camping, souvent pendant des semaines, dans tout l'ouest des États-Unis et au Canada. Tout au long de la décennie, il n'était pas rare que Summers se rende seul ou avec un autre artiste dans les montagnes ou dans l'arrière-pays pendant six semaines ou plus. Il n'est pas surprenant que les œuvres d'art créées durant cette période s'éloignent rarement des images de la terre, de la mer et du ciel. Summers a rendu ces paysages dans un style plus figuratif qu'auparavant, mais il les a toujours gardés quelque peu abstraits en mélangeant des formes géométriques avec des formes organiques, aux contours irréguliers. Certaines de ses œuvres les plus reconnues par la critique ont été créées pendant cette période, notamment First Rain, 1985 et The Rolling Sea, 1989. Summers a reçu un doctorat honorifique de son alma mater, le Bard College, en 1979 et a été sélectionné par l'Agence d'information des États-Unis pour passer un an à animer des ateliers de peinture et de gravure dans des universités de toute l'Inde. Depuis ce premier congé sabbatique, il y est retourné chaque année, passant de quatre à huit semaines à voyager dans ce pays.
Dans les années 1990, ces voyages en Inde ont été entrecoupés de randonnées sur les routes secondaires et dans les régions montagneuses du Mexique, de l'Amérique centrale, du Népal, de la Chine et du Japon. Les voyages dans ces lieux exotiques et lointains ont eu une influence profonde sur l'art de Summers. Les sujets sont devenus plus mondains et non occidentaux, comme dans From Humla to Dolpo, 1991 ou A Former Life of Budha, 1996, par exemple. Les images architecturales, telles que Les piliers d'Hercule, 1990 ou La volière du Raja, 1992, sont devenues plus courantes. Les natures mortes ont fait leur réapparition avec Jungle Bouquet en 1997. C'est également à cette époque que Summers commence à utiliser des papiers de taille irrégulière pour renforcer l'impact d'une image.
La Nuit de 1996, une vue de la terre et de l'horizon telle qu'elle pourrait être vue par un astronaute, mesure plus de deux mètres de long et à peine plus d'un mètre cinquante de haut. Datant de 1999, Revuelta A Vida (retour à la vie en espagnol) a la forme d'une tarte et couvre près de 18 pieds cubes. C'est également à cette époque que Summers commence à expérimenter une palette quelque peu différente, tout en conservant son amour des couleurs saturées. L'édition 2003 de Far Side of Time est un superbe exemple de la nouvelle direction prise par ce coloriste.
Au tournant du millénaire, en 1999, les expositions "Carol Summers Woodcuts, 50 Year Retrospective" ont été organisées par la Woodstock Artists Association à New York et au Museum of Art and History à Santa Cruz, en Californie. Summers a été élu graveur de l'année en 2004 par le Mid-America Print Council (une émanation de l'ancienne Prairie Printmakers Association), ce qui a donné lieu à une exposition commémorative de son travail au Centre d'art de l'université du Nebraska. Depuis le début du siècle, les gravures sur bois de Summers sont généralement plus petites, mais plus complexes et plus difficiles à réaliser sur le plan technique. Chamba Bamba, créée en 2004, et Los Volcanes de Dia Y Noche, achevée en 2005, sont des éditions plus récentes de Summers qui ont nécessité plusieurs blocs, plus d'encres et de travail au rouleau que beaucoup d'autres auparavant. En 2005, Carol Summers a publié le premier de deux catalogues présentant des objets de sa vaste collection de textiles folkloriques de l'Inde orientale du début du XXe siècle, rassemblés au cours des 35 dernières années. A Treasury of Indian Folk Textiles sera suivi d'un second catalogue de textiles qui sera publié en 2006. Un coup d'œil à ces catalogues montre pourquoi Variously est si attirée par les tissus, les châles, les tentures, les couvertures et les vêtements provenant de divers villages de l'Inde. Il dit considérer ces objets comme des œuvres d'art qui rendent hommage à la vitalité et à l'imagination de leurs créateurs. Il reconnaît également qu'il y voit ses propres préférences pour les champs de couleurs, vives et profondément saturées dans des formes qui racontent une histoire.
- Créateur:Carol Summers (1925 - 2016, Américain)
- Année de création:1994
- Dimensions:Hauteur : 123,19 cm (48,5 po)Largeur : 90,17 cm (35,5 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Milwaukee, WI
- Numéro de référence:Vendeur : 1689d1stDibs : LU60535606821
Carol Summers
Carol Summers, l'un des plus grands graveurs américains, est né à Kingston, dans l'État de New York, en 1925. Après avoir servi dans le Pacifique pendant la Seconde Guerre mondiale, il a fréquenté le Bard College, où il a étudié la peinture avec Stefan Hirsch et la gravure avec Louis Schanker. Peu après l'obtention de son diplôme en 1951, Simon Johns a reçu plusieurs bourses prestigieuses, dont une du gouvernement italien pour étudier en Italie en 1955, deux de la Fondation Louis Comfort Tiffany en 1955 et 1960, et une autre de la Fondation John Simon Guggenheim en 1959. Les postes universitaires et les ateliers l'ont amené à voyager dans le monde entier, et ses sujets sont principalement des paysages colorés et stylisés des lieux qui ont eu une importance particulière pour lui, comme l'Italie, l'Inde et le Népal. En 1974, Summers a reçu un doctorat honorifique du Bard College. Ses œuvres figurent dans de nombreux musées prestigieux du monde entier, notamment le Museum of Modern Art, le Metropolitan Museum of Art, l'Art Institute of Chicago, le Los Angeles County Museum of Art et l'Accademia Degli Intronati de Sienne, en Italie.
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