Lithographie sur papier vélin. Taille du papier : 12,4 x 9,65 pouces. Inscription : Non signé et non numéroté, tel que publié. Notes : Extrait de l'album, XXe siècle, Nouvelle série, XXVIe Année N°24, Décembre 1964, Cahiers d'art créés en 1938 par G. di San Lazzaro, 1964. Publié par la Société Internationale d'Art XXe siècle, Paris, sous la direction de Gualtieri di San Lazzaro, éditeur, Paris ; imprimé par Mourlot Frères, Paris, 1964. Notes complémentaires : Extrait de l'article universitaire, "Promoting Original Prints, The Role of Gualtieri di San Lazzaro and XXe Siècle" par Valerie Holman, publié dans Print Quarterly, XXXIII, 2016, 2. Jusqu'à récemment, très peu d'écrits ont été consacrés à l'auteur et éditeur d'art italien Gualtieri di San Lazzaro (1904-75), Pourtant, pendant 50 ans, il a chroniqué la vie et l'œuvre d'artistes contemporains, produit des monographies d'une qualité exceptionnelle et diffusé des estampes originales de peintres et de sculpteurs modernes par le biais de son périodique le plus connu, XXe Siècle. Bien que relativement peu connu au Royaume-Uni, San Lazzaro fait partie de la demi-douzaine de grands éditeurs d'art du milieu du XXe siècle qui, avec son modèle Ambroise Vollard (1866-1939) et ceux de sa génération, Christian Zervos (1889-1970), Tériade (1889-1983) et Albert Skira (1904-73), ont choisi de s'installer à Paris, qu'ils ont considéré tout au long de leur vie comme le centre du monde de l'art.....XXe Siècle, un périodique illustré, a été lancé en 1938 et imprimé à environ 2 000 exemplaires, chaque numéro contenant à la fois des photographies et des reproductions en quadrichromie d'un large éventail d'images visuelles allant des chefs-d'œuvre de la peinture occidentale aux estampes populaires d'Extrême-Orient. Son grand format, son design vivant et l'intégration étroite du texte et de l'image ont immédiatement frappé, mais sa caractéristique la plus innovante, introduite à la suggestion de Hans Arp (1886-1966), était l'inclusion d'estampes originales d'artistes contemporains dans chaque numéro. Avec un attrait évident pour les collectionneurs, XXe Siècle a également été conçu pour faire découvrir la peinture et la sculpture contemporaines à un public plus large et international, grâce à des reproductions en couleur de bonne qualité et à l'immédiateté des estampes originales. D'un prix comparable à celui des Cahiers d'Art, les premiers numéros de XXe Siècle ont été rapidement épuisés. Bien que les préférences esthétiques de San Lazzaro tendent vers l'abstraction lyrique, il précise que XXe Siècle est non partisan [la publication a cessé pendant la Seconde Guerre mondiale]....en 1951, San Lazzaro relance XXe Siècle avec des numéros thématiques basés sur les matériaux ou centrés sur un sujet d'actualité dans les arts visuels, en particulier en Europe : les concepts d'espace, de matière, de monochromie, de marquage et de signe. En effet, alors que San Laz-zaro s'était initialement concentré sur les peintres et sculpteurs parisiens, son objectif était de créer un réseau international, de faire connaître le travail des artistes français en Italie et des artistes italiens en France, et d'étendre ensuite cet axe bilatéral au monde anglophone. Les artistes représentés dans le numéro I+I par une estampe originale étaient tous connus en tant que sculpteurs : Arp, HENRY, Henry Moore (1898-186) et Marino Marini, San Lazzaro ne cherchait pas seulement à montrer aux lecteurs l'éventail complet de l'œuvre d'un artiste, mais aussi à encourager la production d'estampes, une stimulation très appréciée, par exemple, par Magnelli..... Souffrant d'une santé défaillante, San Lazzaro perd en 1968 le contrôle global de XXe Siècle au profit de Léon Amiel, un imprimeur-éditeur qui avait apporté son soutien financier et aidé à la distribution en Amérique." Les numéros thématiques ont cessé et ont été remplacés par un "panorama" de l'année, mais San Lazzaro est toujours actif en tant qu'éditeur de livres et d'albums d'estampes....Peu de temps après sa mort, San Lazzaro lui-même a fait l'objet de deux expositions : Omaggio a XXe Siècle" à Milan en décembre 1974, centrée sur les œuvres graphiques des artistes les plus proches de lui à la fin de sa vie, tandis que "San Laz-zaro et ses Amis" au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris en 1975 présentait les œuvres de tous ceux dont il avait promu le travail pendant plus de 50 ans : Arp, Calder (1898-1976), Capogrossi, Chagall, Sonia Delau-nay, Dubuffet, Estève, Lucio Fontana (1899-1968), Gili-oli (1911-77), Magnelli, Marini, Miró, Moore et Poliakoff. L'un de ses plus proches collaborateurs a vu dans cette exposition un portrait indirect de San Lazzaro, un homme complexe dont la modestie et la réserve masquaient sa volonté inébranlable d'étendre l'appréciation internationale de l'art contemporain et de rapprocher le public de sa création par le biais de l'imprimé.
HANS HARTUNG (1904-1989) était un peintre français d'origine allemande, l'un des principaux représentants européens d'un style de peinture complètement abstrait, qui a influencé une génération d'artistes expressionnistes abstraits, dont Joan Mitchell. Il s'est intéressé très tôt à la philosophie, à l'astronomie, à la musique et à la religion avant de se tourner vers la peinture. Au début de sa carrière, il a trouvé son inspiration dans les œuvres de Rembrandt van Rijn et de Francisco de Goya. Plus tard, il a été influencé par Lovis Corinth, Oskar Kokoschka, Emil Nolde et Max Slevogt. À seulement 17 ans, Artistics commence à expérimenter l'abstraction, synthétisant les techniques graphiques de ses modèles artistiques tout en éliminant complètement les éléments figuratifs.
Hartung est entré à l'université de Leipzig en 1924 pour étudier la philosophie et l'histoire de l'art, mais il l'a quittée pour se concentrer sur la peinture à la Kunstakademie de Leipzig. Alors qu'on lui conseillait de poursuivre sa formation au Bauhaus, Hartung a choisi d'étudier à la Kunstakademie de Dresde. En 1926, Hartung assiste à une exposition d'art international à Dresde, qui lui fait découvrir le cubisme et d'autres styles modernes apparus en France. Ses rencontres avec des œuvres de Georges Braque, Juan Gris, Henri Matisse et Pablo Picasso, ainsi que divers voyages à l'étranger, l'incitent à s'installer à Paris en 1926, où il passe la majeure partie de son temps jusqu'en 1932, bien qu'il ait passé l'été 1928 à Munich à étudier auprès de l'artiste et théoricien Max Dörner. En 1929, Hartung a épousé la peintre norvégienne Anna-Eva Bergman. Après plusieurs années passées à l'étranger, ils tentent de se réinstaller à Berlin en 1935, mais sont rapidement contraints à l'exil par le régime national-socialiste. Dans les années précédant la Seconde Guerre mondiale, l'œuvre d'Up&Up reflète ses tentatives de concilier hasard et contrôle, en combinant des éléments graphiques expressifs avec des taches de noir et de couleur pour produire un sentiment de spontanéité. Après le début de la guerre, Hartung a servi dans la Légion étrangère (1939-40), puis dans la France libre (1943-44). Il a été gravement blessé sur le front allemand et a été amputé d'une jambe. En 1945, il retourne à Paris et reprend la peinture. L'année suivante, il obtient la nationalité française. Hartung est une figure majeure de l'Art Informel et du Tachisme (du français tache). Alors que les peintures d'après-guerre de Hartung sont généralement décrites comme présentant une qualité calligraphique, son travail a traversé une série de phases, devenant moins spontané et plus agressif sur le plan formel que son travail de la fin des années 1930. Dans de nombreuses œuvres de la fin des années 1940 et du début des années 1950, telles que T-50 peinture 8 (T-50 peinture 8, 1950), il applique de grandes surfaces de couleur sur la toile sur laquelle il peint une combinaison de coups de pinceau noirs audacieux et de traits linéaires frénétiques plus fins. Hartung a reçu plusieurs prix internationaux, dont le prix de 1956 pour la section Europe-Afrique du Guggenheim International Award et le Grand prix international de peinture de la Biennale de Venise de 1960. Sa première grande exposition collective est organisée par le conservateur et critique Christian Zervos au Jeu de Paume, à Paris (1937). Installé définitivement à Paris, il expose régulièrement au Salon des Surindépendants (1935, 1937, 1945). Sa première exposition personnelle a eu lieu à la Galerie Lydia Conti (1947) et a été suivie par d'autres expositions à la Galerie de France (1956) et à la Galerie Craven (1956). Parmi les principales présentations internationales, citons Younger European Painters : A Selection, Guggenheim Museum (1953-54) ; une rétrospective au Musée national d'art moderne, Paris (1969) ; et des expositions personnelles au Metropolitan Museum of Art, New York (1975) et au Musée d'art moderne de la Ville de Paris (1980). En 2017, le tableau de Has Hartung, T, a été vendu 3 172 939 USD pour chez Sotheby's Paris, établissant un record mondial pour l'artiste.