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Ben ShahnBen Shahn - Lithographie originale de son portfolio - Levana & Our Ladies Of Sorrow1931
1931
À propos de cet article
UN OUVRAGE DE JEUNESSE RARE. BEN SHAHN
Levana et les Douleurs de la Vierge.
lithographie imprimée en sépia sur Papier Ancien, 1931. 13 1/8x9 7/8 pouces (feuilles), pleines marges, en vrac tel qu'il a été publié.
Un des 12 exemplaires numérotés d'un tirage total de 212. Plaque signée par l'artistePublié par Philip van Doren Stern.
Un exemple rare des premiers travaux de l'artiste en tant que graveur. Selon Prescott, "Shahn se souvient que seuls 10 exemplaires environ ont été vendus et qu'il a détruit le reste de l'édition sous le coup de la colère et de la frustration. Il existe des dossiers de portefeuilles au Brooklyn Museum, au Museum of Modern Art et à la bibliothèque de l'université de Princeton". Prescott 87-96.
Ben Shahn (12 septembre 1898 - 14 mars 1969) était un artiste américain d'origine juive lituanienne. Il est surtout connu pour ses œuvres de réalisme social, ses opinions politiques de gauche et sa série de conférences publiée sous le titre The Shape of Content (La forme du contenu).
Shahn est né à Kaunas, en Lituanie, qui faisait alors partie de l'Empire russe, de parents juifs, Joshua Hessel et Gittel (Lieberman) Shahn. Shahn a commencé son parcours d'artiste à New York, où il a d'abord suivi une formation de lithographe. Les premières expériences de Shahn en matière de lithographie et de graphisme sont visibles dans ses dernières gravures et peintures, qui combinent souvent texte et image. Shahn utilisait principalement la tempera à l'œuf, très prisée des réalistes sociaux.
Bien que Shahn ait fréquenté l'université de New York en tant qu'étudiant en biologie en 1919, il a poursuivi ses études d'art au City College en 1921, puis à la National Academy of Design. Après son mariage avec Tillie Goldstein en 1924, le couple voyage en Afrique du Nord puis en Europe, où il effectue "le traditionnel pèlerinage de l'artiste". Il y étudie les grands artistes européens tels que Henri Matisse, Raoul et Jean Dufy, Georges Rouault, Pablo Picasso et Paul Klee. Parmi les contemporains qui allaient avoir un impact profond sur l'œuvre et la carrière de Shahn, on peut citer les artistes Walker Evans, Diego Rivera et Jean Charlot.
En mai et juin 1933, il est l'assistant de Diego Rivera pendant que ce dernier exécute la peinture murale du Rockefeller Center. Shahn a contribué à attiser la controverse en faisant circuler une pétition parmi les travailleurs. C'est également à cette époque que Shahn rencontre la photojournaliste Bernarda Bryson, qui deviendra plus tard sa seconde épouse. Bien que ce mariage ait été couronné de succès, la peinture murale, son projet de 1934 pour les projets de travaux publics d'art (WPA) et sa proposition pour la Commission municipale d'art ont tous été des échecs. Heureusement, en 1935, Shahn est recommandé par Walker Evans, un ami et ancien colocataire, à Roy Stryker pour rejoindre le groupe de photographes de la Resettlement Administration (RA). En tant que membre du groupe, Shahn a parcouru et documenté le sud des États-Unis avec ses collègues Walker Evans et Dorothea Lange. À l'instar de ses photographies antérieures de la ville de New York, les photographies de Shahn pour la RA et son successeur, la FSA, Farm Security Administration, peuvent être considérées comme des documents sociaux. En 1939, Shahn et sa femme ont réalisé un ensemble de 13 peintures murales inspirées du poème de Walt Whitman I See America Working (Je vois l'Amérique travailler) et installées à l'annexe centrale de la poste des États-Unis-Bronx.
Pendant les années de guerre 1942-43, Shahn a travaillé pour l'Office of War Information (OWI), mais ses œuvres manquaient du patriotisme préféré de l'époque et seules deux de ses affiches ont été publiées. Le sentiment anti-guerre de son art a trouvé d'autres formes d'expression dans une série de peintures de 1944-45, telles que Death on the Beach, qui dépeint la désolation et la solitude de la guerre. En 1945, il peint Liberation sur la Libération de Paris qui représente des enfants jouant dans les décombres.Il réalise également une série, appelée Lucky Dragon, sur le Daigo Fukuryū Maru (littéralement, Lucky Dragon n°5), le bateau de pêche japonais pris dans l'explosion de la bombe à hydrogène de l'atoll de Bikini. Depuis 2012, une partie importante de cette série se trouve dans les collections du musée d'art préfectoral de Fukushima.
De 1961 à 1967, Shahn travaille sur les vitraux du Temple Beth Zion, une synagogue de Buffalo, NY, conçue par Harrison et Abramovitz.
Shahn a également commencé à travailler comme artiste publicitaire pour CBS, Time, Fortune et Harper's. Son célèbre portrait de Martin Luther King, Jr., réalisé en 1965, a fait la couverture de Time. Au milieu des années 1950, les réalisations de Shahn avaient atteint un tel niveau qu'il fut envoyé, avec Willem de Kooning, pour représenter les États-Unis à la Biennale de Venise en 1954. Il a également été élu à l'Académie américaine des arts et des sciences, à l'Institut national des arts et des lettres et à l'Academia dell' Arte e del Disegno de Florence.
Sélectionnez les expositions
"Ben Shahn : Paintings and Drawings", 1930, Edith Halpert's Downtown Gallery NYC
"57e exposition annuelle américaine : Aquarelles et dessins", 1946, Tate Gallery à Londres, Angleterre
"Ben Shahn : A Retrospective", 1947, Musée d'art moderne de New York, New York
"Esposizione Biennale internationale D'Arte XXVII", 1954 à Venise, Italie
"Ben Shahn", 1962, Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, Belgique ; Galleria Nazionale D'arte Moderna à Rome, Italie ; et Albertina à Vienne, Autriche.
"The Collected Prints of Ben Sahn", 1969, Musée d'art de Philadelphie en Pennsylvanie.
- Créateur:Ben Shahn (1898-1969, Américain)
- Année de création:1931
- Dimensions:Hauteur : 33,36 cm (13,13 po)Largeur : 25,1 cm (9,88 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:Tons mineurs, petites taches et usure. Voir les photos.
- Adresse de la galerie:Surfside, FL
- Numéro de référence:1stDibs : LU38215126632
Ben Shahn
Ben Shahn (1898 - 1969) était un artiste américain d'origine lituanienne. Il est surtout connu pour ses œuvres de réalisme social, ses opinions politiques de gauche et sa série de conférences publiée sous le titre The Shape of Content (La forme du contenu). Shahn a commencé son parcours d'artiste à New York, où il a d'abord suivi une formation de lithographe. Les premières expériences de Shahn en matière de lithographie et de graphisme sont visibles dans ses dernières gravures et peintures, qui combinent souvent texte et image. Shahn utilisait principalement la tempera à l'œuf, très prisée des réalistes sociaux. Shahn a mélangé différents genres artistiques. Son œuvre se distingue par l'absence de paysages, de natures mortes et de portraits traditionnels. Shahn a utilisé des langages visuels à la fois expressifs et précis, qu'il a rassemblés grâce à la cohérence de son trait autoritaire. Shahn est également connu pour son utilisation d'un symbolisme unique, souvent comparé à l'imagerie des dessins de Paul Klee. Son art est saisissant mais aussi introspectif. Il a souvent capturé des personnages plongés dans leur propre univers. Bien qu'il ait utilisé de nombreux supports, ses œuvres sont toujours réfléchies et ludiques.
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Extrait de The robbers. lithographies de George Grosz pour le drame du même nom.
photolithographie sur papier filigrané. 19 X 25.5 pouces (format de la feuille). Cette œuvre n'est pas signée à la main ni numérotée au crayon.
Édition limitée. Berlin, Malik-Verlag, 1923.
Dückers MV, 1-9
Cette annonce ne concerne que la lithographie, les photos de la couverture du folio ne sont incluses que pour la provenance et ne sont pas incluses dans cette vente.
Le portfolio est basé sur des dessins à la plume et à l'encre qui ont été transférés par photolithographie pour l'impression. Le "Räuber" de Schiller a servi de modèle, que Grosz a transposé à son époque et actualisé par des dessins. Avec une polémique acerbe, il rassemble les types de société et attire l'attention sur les griefs sociaux : Disparité financière, barons voleurs avec des tas d'argent, etc. selon l'aumônier militaire qui bénit le désastre de la guerre déjà survenu, les industriels bien nourris qui jouent en présence des chômeurs pour l'argent qui leur manque, ou la créature au visage creux qui demande une prime à la table richement garnie de l'homme d'airain.
Expressionnisme Grosz, George
Die Räuber : Neun Lithographien zu Sentenzen aus Schillers Räuber. Lithographie de George Grosz. Berlin, Der Malik-Verlag, 1922.
George Grosz (26 juillet 1893 - 6 juillet 1959) était un artiste allemand connu surtout pour ses dessins satiriques et caricaturaux de la vie berlinoise des années 1920. Il était un membre éminent du groupe DADA et New Objectivity de Berlin pendant la République de Weimar avant d'émigrer aux États-Unis en 1933. Il a étudié à l'Académie des Beaux-Arts de Dresde, où il a eu pour professeurs Richard Müller, Robert Sterl et Oskar Schindler. Il a ensuite étudié au collège des arts et métiers de Berlin sous la direction d'Emil Orlik. Grosz a quitté le parti communiste KPD en 1922 après avoir passé cinq mois en Russie et rencontré Lénine et Trotsky, en raison de son antagonisme à toute forme d'autorité dictatoriale. Avec Otto Dix, il est largement considéré comme l'un des artistes les plus importants de la Neue Sachlichkeit.
Amèrement anti-nazi, Grosz a quitté l'Allemagne peu avant l'arrivée d'Hitler au pouvoir. En juin 1932, il accepte une invitation à enseigner le semestre d'été à l'Art Students League de New York. En octobre 1932, Grosz retourne en Allemagne, mais le 12 janvier 1933, lui et sa famille émigrent en Amérique.
En 1946, il publie son autobiographie, A Little Yes and a Big No. Dans les années 1950, il ouvre une école d'art privée à son domicile et travaille également comme artiste en résidence au Des Moines Art Center. Grosz a été élu à la National Academy of Design en tant qu'académicien associé en 1950. En 1954, il a été élu à l'Académie américaine des arts et des lettres.
Grosz travaille dans un style influencé par l'expressionnisme et le futurisme, ainsi que par l'illustration populaire, les graffitis et les dessins d'enfants.La ville (1916-17) est la première de ses nombreuses peintures de la scène urbaine moderne. Parmi les autres exemples, citons l'apocalyptique Explosion (1917), Metropolis (1917) et Les funérailles, une peinture de 1918 représentant un cortège funèbre fou.
Dans ses dessins, généralement à la plume et à l'encre, qu'il développait parfois à l'aquarelle, Grosz a largement contribué à créer l'image que la plupart des gens se font de Berlin...
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