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Jean Louis Andre Theodore Gericault
Guillaume le Conquérant rapporté après sa mort à l'église de Boscherville
1823

Name: Guillaume le Conquérant rapporté après sa mort à l'église de Boscherville
Brand: Jean Louis Andre Theodore Gericault
Price: 1491.23 AUD
Availability: InStock
Rating: 5 (100 reviews)

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À propos de cet article

Guillaume le Conquérant rapporté après sa mort à l'église de Boscherville Lithographie, 1823 Tel que publié dans "Voyages pittoresques et romantiques dans l'ancienne France" (tome II : "Normandie"). 1823 Référence : Delteil 78 ii/II Conidition : très bonne Taille de l'image : 6 x 7 1/8 pouces Cette image représente la résurrection de vie de Guillaume le Conquérant. Biographie Deux biographies de Théodore Géricault ont été publiées par la National Gallery of Art dans le catalogue systématique de sa collection. Les deux sont présentés ici. Par Suzanne Glover Lindsay, dans European Sculpture of the Nineteenth Century, publié en 2000 : Géricault[1] est surtout connu pour ses peintures, ses gravures et ses dessins. Cependant, grâce à la plasticité de ses formes dans ces médias et à une poignée de reliefs et de groupes tridimensionnels, il a été acclamé à plusieurs reprises pour ses grandes promesses en tant que sculpteur. Cette perspective alléchante a toutefois été interrompue par une mort prématurée à l'âge de trente-deux ans. L'artiste est né en 1791 à Rouen de riches propriétaires bourgeois, qui s'installent à Paris lorsque Géricault a environ cinq ans. Au Lycée Impérial, il est un élève médiocre, indifférent à la plupart des matières, à l'exception du dessin et des lettres classiques. Géricault père s'oppose à la décision de son fils de suivre une formation artistique. Cependant, grâce au subterfuge de son oncle et au legs de sa mère, le jeune homme entre secrètement en 1808 dans le Studio de Carle Vernet (1758-1836), un peintre de sujets militaires et de genre modernes où l'on retrouve la manie de toujours de Géricault, les chevaux ; il reconnaîtra officiellement Vernet comme son maître deux ans plus tard. En février 1811, il entre à l'Ecole des Beaux-Arts, mais il est inscrit comme élève de Pierre-Narcisse Guérin (1774-1833). En l'espace de quelques mois, Géricault cesse de fréquenter régulièrement le studio de son maître et se tourne vers l'étude intensive des maîtres anciens en autodidacte, en copiant des tableaux au nouveau musée Napoléon (une première phase du Louvre), jusqu'à ce qu'il soit définitivement expulsé du musée pour avoir agressé un camarade de classe en mai 1812. Il participe néanmoins régulièrement aux concours de l'Ecole. Dès ses années d'études, Géricault s'immerge en tant qu'artiste et citoyen dans les événements tumultueux de l'époque, le crépuscule et les lendemains de la gloire napoléonienne. Bien qu'il n'ait participé qu'à trois Salons, ses œuvres témoignent publiquement de son engagement à peindre des sujets modernes. Il fait ses débuts en 1812 avec le Portrait équestre de M. A&Mne (aujourd'hui connu sous le nom de Chasseur au pas de charge [Musée du Louvre, Paris]), un hommage monumental dramatique à l'épopée napoléonienne. Le tableau a remporté une médaille d'or mais n'a pas été acheté par l'État et a suscité peu de discussions critiques. Son pendant ultérieur au Salon de 1814, le célèbre Cuirassier blessé quittant la bataille (Musée du Louvre, Paris), n'a apparemment pas eu plus de succès auprès des critiques et du nouveau gouvernement des Bourbons, malgré son sujet, les pertes militaires de la France sous Napoléon. Entre-temps, Géricault est entré dans le jeu politique par le biais de l'armée. Après avoir évité l'appel sous les drapeaux en "achetant" un substitut trois ans auparavant, il rejoint au printemps 1814 le deuxième escadron à cheval de la garde nationale de Paris, puis la première compagnie des mousquetaires du roi qui suit Louis XVIII en exil l'année suivante, pendant les Cent-Jours (mars-juillet 1815), et qui est dissoute en cours de route. Bien que les comptes soient conflictuels, Géricault est resté caché pendant ces mois, peut-être à Paris, malgré la loi napoléonienne interdisant aux membres des troupes de la maison royale d'entrer dans la capitale ou de s'en approcher. Avec le retour de Louis sur le trône en juillet, il refait surface, est libéré du service royal à l'automne et devient actif dans les cercles artistiques et militaires libéraux. Géricault se présente sans succès au Prix de Rome, mais s'y rend à ses frais à l'automne 1816. Ses œuvres romaines révèlent sa profonde réaction à l'Antiquité, à la Renaissance et à la vie moderne. Au début de l'année 1817, il exécute des études pour une peinture monumentale représentant le point culminant du carnaval romain, les courses de chevaux sans cavalier sur le Corso. Les nombreux travaux préliminaires du projet inachevé révèlent la conception qu'avait Géricault du sujet, à savoir une frise épique et intemporelle, un classique moderne sur toile qui évoquait la sculpture antique, les fresques de la Renaissance et la peinture baroque. Il interrompt ce séjour pour retourner à Paris à l'automne, où il reprend une liaison orageuse avec sa tante maternelle qui restera secrète pendant des décennies. Leur union donne naissance à un enfant : elle donne naissance à leur fils non reconnu, Georges-Hippolyte, en août 1818. Pendant les deux années qui suivent, Géricault se replie sur son troisième et dernier tableau présenté au Salon, une immense toile illustrant un scandale national : les difficultés de l'équipage de la frégate navale française Méduse, abandonnée sur un radeau de fortune par ses officiers aristocrates qui ont pris les canots de sauvetage. Présenté simplement sous le titre Scène de naufrage au Salon de 1819, le tableau a valu à l'artiste une médaille d'or et une commande de l'État pour une œuvre religieuse sur le thème du Sacré-Cœur de Jésus. Géricault est découragé par la réponse du gouvernement (qui renvoie la commande au jeune Delacroix) et par la réaction de la critique, qu'il juge myope en débattant de l'éventuel contenu politique du tableau plutôt que de ses mérites artistiques. En avril 1820, avec un ami artiste, Nicolas-Toussaint Calle (1792-1845), il emmène le tableau, communément appelé Radeau de la Méduse (Musée du Louvre, Paris), en tournée publique en Grande-Bretagne, où il connaît un succès financier et critique modéré. Géricault s'épanouit artistiquement en Grande-Bretagne. Ses œuvres exposées à la Royal Academy reçoivent des éloges chaleureux, et il trouve des collègues et des mécènes sympathiques ainsi que de nouvelles sources d'inspiration artistique. Géricault reste en Grande-Bretagne pendant près de deux ans. Au cours de cette période fructueuse, il exécute des aquarelles, une série de peintures de courses de chevaux (comme Epsom Downs Race, Musée du Louvre, Paris), et ses importantes suites publiées dans le nouveau médium de la lithographie dépeignant d'autres sujets modernes de la vie de tous les jours. Géricault retourne à Paris en décembre 1821, dans un état de santé déclinant, qu'il aggrave par des accidents de cheval ultérieurs. Au cours de ces dernières années, la quantité d'œuvres produites est faible, mais la puissance des peintures achevées - les dix portraits des aliénés et le Four à chaux - est irrésistible. Alité pendant la majeure partie de l'année 1823, il commence à étudier deux projets de tableaux d'histoire moderne, La traite des esclaves africains et L'ouverture des portes de l'Inquisition. Il meurt en janvier 1824. Cet automne-là, après avoir échoué à plusieurs reprises du vivant de Géricault, le directeur du Louvre, le comte de Forbin, est enfin autorisé à acheter le Radeau de la Méduse pour le musée. Les œuvres sculptées acceptées de Géricault sont au nombre d'environ neuf reliefs et groupes en ronde-bosse ; sept d'entre elles ont été identifiées comme existantes. Plusieurs existent en plusieurs versions et dans différents matériaux. Apparemment, elles n'ont jamais été exposées publiquement du vivant de l'artiste et n'ont jamais été considérées comme totalement achevées. L'éventail iconographique va des thèmes mythologiques classiques et des cavaliers à des sujets modernes tels que les animaux sauvages et le tsar russe Alexander. Sur le plan stylistique, certains affichent une austérité quasi phidienne, d'autres une robustesse baroque. Leur relation avec l'œuvre bidimensionnelle de Géricault n'est pas claire. Il existe une parenté générale de sujets et de style, mais aucun équivalent direct apparent dans les différents médias pour ces œuvres, contrairement à ses maquettes d'étude d'animaux ou de figures. La chronologie de la sculpture fait encore l'objet de débats. Les œuvres elles-mêmes sont peu documentées. Un seul a été daté dans la littérature ancienne ; Charles Clément a attribué un bas-relief vers 1819. Certains spécialistes modernes placent les sculptures au début et à la fin de la carrière de Géricault comme des exercices épisodiques ; d'autres les regroupent après 1816, comme preuve d'une expérimentation de plus en plus fertile et tragiquement interrompue. On dit toujours de Calle qu'il est un génie qui est mort à l'aube de l'épanouissement de sa créativité. Les œuvres qu'il a conservées, quel que soit le support utilisé, ont toujours échappé à toute catégorisation. Indépendant et non dogmatique, il agissait à la fois avec un engagement impétueux et une discipline rigoureuse, passait aisément des sujets classiques aux sujets modernes, et intégrait des études préliminaires scrupuleuses à une invention inspirée, quel que soit le sujet. Il a développé une puissante coalition de structures dessinées solides, d'une tridimensionnalité palpable et accrocheuse de lumière, et d'une touche et d'une palette picturales. Géricault est devenu l'un des paradigmes artistiques les plus obsédants de la génération suivante, le génie engagé malheureux. Pour beaucoup, son œuvre a indiqué une voie brillante pour l'art du futur, qui doit négocier entre tradition et innovation. [1] Contrairement aux sources traditionnelles et très récentes, cette orthographe suit Philippe Grunchec et ses adhérents en donnant le nom de Géricault sans "e" accentué. L'origine du mot serait la rivière Ger dans sa Normandie natale ; les documents familiaux excluent l'accent ; et Gericault signait régulièrement son nom sans. Cependant, des signatures apparemment authentiques avec un accent peuvent être trouvées sur des dessins et des documents juridiques illustrés dans Germain Bazin, Théodore Géricault. Etude Critique, documents et catalogue raisonné, 7 volumes et annexe, 1987-1997, 1:figs. 60-67. Pour les arguments contre l'accent, voir Philippe Grunchec, Tout l'œuvre peint de Gericault, Paris, 1978 : 83 ; Philippe Grunchec, Master Drawings by Gericault, Exh. cat. International Exhibitions Foundation, Washington, 1985 : 11 ; et la lettre de Lorenz Eitner à Suzannah Fabing datée du 12 septembre 1990 (dans les dossiers des conservateurs de la NGA). Le travail de M. Eitner sur Géricault est inclus dans son volume du catalogue systématique de la NGA consacré aux peintures françaises du début du XIXe siècle, publié en 2000. Par Lorenz Eitner, dans Tableaux français du XIXe siècle. Partie I : Avant l'impressionnisme, publié en 2000 : Théodore Géricault naît le 26 septembre 1791 à Rouen de parents issus de la bourgeoisie possédante. La famille s'installe à Paris vers 1796. À sa sortie du Lycée Impérial en 1808, il déclare vouloir devenir artiste. La mort de sa mère, la même année, lui apporte une rente qui assure son indépendance future. Contre la volonté de son père, il entre en apprentissage chez Carle Vernet (1758-1836), peintre à la mode de sujets équestres, qui lui laisse la liberté de son Studio mais ne semble pas lui avoir donné de formation formelle. Ressentant le besoin d'une éducation plus disciplinée, Géricault s'installe en 1810 dans le Studio de Pierre Guérin (1774-1833), un classiciste rigoureux et un professeur consciencieux, qui s'efforce de lui faire suivre les routines du cursus académique. Géricault s'avère être un élève résistant qui ne fréquente le Studio de Guérin que pendant onze mois. Il reste peu de traces de ses travaux d'étudiant. Après avoir pris congé de Guérin à l'amiable, il poursuit sa formation comme son propre maître, installant son chevalet dans les galeries du Louvre, remplies du butin artistique des campagnes napoléoniennes. En réaction contre le classicisme de Guérin, il copie des tableaux des coloristes dramatiques de la Renaissance et du baroque, en particulier Titien, Rubens, Van Dyck et Rembrandt, et poursuit par intermittence ces études privées des maîtres jusqu'en 1815, lorsque les alliés dépouillent le Louvre du butin de Napoléon. À vingt et un ans, encore largement autodidacte, Géricault se présente au Salon de 1812, le dernier du règne de Napoléon, avec son Chasseur à la charge (Louvre), une improvisation pimpante rapidement transformée en tableau de format Salon. De taille provocante, redevable à Antoine-Jean Gros (1771-1835) et aux impressions récentes de Rubens par Géricault, le Chasseur s'est imposé parmi les grandes représentations du Salon et lui a valu une médaille d'or. Après ce succès précoce, il reprend son auto-formation. Renonçant pour l'instant à l'ampleur et au drame du Chasseur, il s'occupe de petites études d'après nature, de chevaux observés dans les écuries de Versailles et de cavaliers aux uniformes éclatants. Il assiste à la chute de l'empire avec une apparente indifférence et s'engage à l'été 1814 dans les mousquetaires gris, une cavalerie d'élite royaliste, plus décorative que militaire. Pour le Salon que le gouvernement des Bourbons organise à la hâte à l'automne 1814, il revient aux dimensions héroïques et au grand style avec son Cuirassier blessé quittant le champ de bataille (Louvre), conçu comme un pendant du Chasseur, qui est à nouveau exposé à cette occasion. La figure pesante du soldat vaincu, modelée dans des couleurs intenses et sombres, marque son retour à un style d'une monumentalité calculée et d'une expressivité exacerbée. Lors du retour soudain de Napoléon de l'île d'Elbe en mars 1815, Géricault fait partie de l'escorte qui couvre la fuite de Louis XVIII. Pendant les Cent-Jours, il se cache. Son œuvre s'inscrivait jusqu'alors dans le courant de la modernité nationale qui était l'une des deux grandes tendances de l'art français de l'époque. Après Waterloo, il semble avoir conclu que ce filon, inextricablement lié au règne de Napoléon, était épuisé. Il opère un changement brutal dans son travail, abandonnant non seulement les sujets militaires modernes, mais modifiant aussi radicalement son style. Avec une détermination soudaine, il se tourne vers les thèmes classiques et, dans le but de s'enseigner l'art de composer des sujets idéaux, s'inflige le genre de régime académique qu'il avait auparavant refusé d'accepter de Guérin. Il répète les rudiments de la construction et de la composition des figures, puisant ses motifs dans le répertoire des modèles classiques qu'il avait boudés pendant ses études. Mais au lieu de devenir un classiciste conformiste, il a impitoyablement déformé l'idiome néoclassique en se l'appropriant. Romantique dans son intensité, portant l'empreinte de Michelangelo plutôt que de David, cette version très personnelle du classicisme se prêtait - mieux que le réalisme fluide de ses œuvres antérieures - à des déclarations dramatiques retentissantes. En mars 1816, il concourt pour le prix académique de Rome mais échoue au concours et décide d'entreprendre le voyage à son propre compte. Son séjour en Italie en 1816-1817 lui a donné des impressions profondes de peintures de taille héroïque qui ont stimulé son intérêt pour les problèmes de style et aiguisé son appétit pour les travaux à l'échelle du mur. La grande entreprise de son année italienne est le projet d'une grande course de chevaux Barberi, suggéré par un événement du carnaval romain auquel il avait assisté en février 1817. Il commence par enregistrer le départ de la course tel qu'il l'a vu sur la Piazza del Popolo, puis supprime peu à peu le pittoresque italien et transforme la scène moderne en une frise intemporelle d'athlètes luttant avec des chevaux. De retour en France à l'automne 1817, il abandonne ce projet mais poursuit brièvement dans sa Directional avec des études pour un Marché aux bestiaux (Fogg Art Museum, Cambridge, Massachusetts), conçu comme une bataille monumentale entre les hommes et les bêtes. Parallèlement, il s'est essayé à des sujets d'une portée contemporaine plus pointue, comme le meurtre de Fualdes, un crime sensationnel qu'il s'est proposé de représenter dans le style "antique". Entre-temps, son intérêt renouvelé pour les sujets modernes l'a amené à se lancer dans la lithographie, un procédé récemment importé en France, dans lequel il a tenté de traiter des scènes des guerres napoléoniennes dans un style élevé, sans tomber dans les conventions du classicisme. Le couronnement de ces différents efforts est le Radeau de la Méduse (Louvre), achevé en 1819, après une lutte épuisante d'un an. L'immense toile représente un épisode d'un récent naufrage qui avait violemment ému l'opinion publique française. Le problème que s'est posé Géricault en composant son tableau était de combiner l'immédiateté d'un témoignage oculaire avec la permanence et la stabilité d'une composition monumentale. Il cherche ainsi à réunir les deux aspects antithétiques de son art dans une grande synthèse, conciliant réalisme historique et généralité héroïque : le naufrage moderne se fait l'écho du Jugement dernier de Michelangelo. Au Salon de 1819, le Radeau de la Méduse, interprété à tort comme une attaque contre le gouvernement, reçoit un accueil majoritairement hostile. Déçu et épuisé, Géricault " renonce à la grande manière pour retourner aux écuries " (Géricault à Pierre-Joseph Dedreux-Dorcy, in Charles Clément, Géricault, étude biographique et critique, avec le catalogue raisonné de l'œuvre du maître, 3e éd., Paris, 1879 : 104). Il se rendit en Angleterre en 1820 pour exposer le Radeau et, sous l'influence anglaise, renoua avec cette tradition essentiellement anticlassique du genre moderne à laquelle Carle Vernet l'avait autrefois initié. Il croque les cavaliers à la mode, les maréchaux-ferrants, les mendiants et les animaux en cage des jardins zoologiques d'une manière qui, si elle manque un peu de sa force habituelle, a gagné en subtilité d'observation et en fraîcheur de couleur. Un tableau sportif d'inspiration nettement anglaise, le Derby d'Epsom Down (Louvre), est resté le seul tableau majeur de son année en Grande-Bretagne. Lorsqu'il revient à Paris au cours de l'hiver 1821, sa santé commence à se dégrader. Des accidents d'équitation répétés, aggravant une affection tuberculeuse, ont provoqué une maladie douloureuse et finalement fatale. À l'approche de la mort, son œuvre a retrouvé une grande partie de sa force compacte d'antan, tout en conservant le raffinement des couleurs qu'il avait nouvellement acquis. Dans le paysage industriel du Four à chaux et dans la série des Portraits d'aliénés, peints en 1822-1823, il a atteint un style à la fois réaliste et très expressif. Dans les derniers stades de sa maladie, il fut à nouveau envahi par sa vieille ambition de donner une grandeur épique à une scène de la vie moderne et, bien qu'impuissant, il projeta d'immenses compositions sur des thèmes aussi controversés que la traite des esclaves africains et l'ouverture des portes de l'Inquisition espagnole. Sa mort le 26 janvier 1824, à trente-deux ans, a coupé court à ces derniers efforts. Courtoisie de la National Gallery of Art, Washington

Créateur:

Jean Louis Andre Theodore Gericault (1791 - 1824, Français)

Année de création:

1823

Dimensions:

Hauteur : 15,24 cm (6 po)Largeur : 18,12 cm (7,13 po)

Support:

Lithographie

Mouvement et style:

Romantique

Période:

1820-1829

État:

Adresse de la galerie:

Fairlawn, OH

Numéro de référence:

Vendeur : FA126801stDibs : LU14016535212

Tout parcourir Jean Louis Andre Theodore Gericault

Jean Louis Andre Theodore Gericault

Théodore Géricault est né à Rouen en 1791 dans une famille aisée de la Manche. Son père, magistrat et riche propriétaire terrien, dirigeait une fabrique de tabac. La famille s'installe à Paris vers 1796, et en 1810 Théodore Géricault entre dans le Studio de Carle Vernet, où il rencontre son fils Horace. Il étudie ensuite avec Pierre-Narcisse Guérin avant de s'inscrire le 5 février 1811 à l'École des Beaux-Arts de Paris, où il suit une formation classique basée sur la copie des maîtres du musée du Louvre. Géricault est exclu de l'École des Beaux-Arts en 1812 pour son inconduite ; il loue alors une arrière-boutique rue de la Michodière, où il peint l'un de ses premiers chefs-d'œuvre, un portrait d'un officier de la garde impériale (le lieutenant Dieudonné) chargeant alors qu'il est à cheval. Ce tableau est exposé au Salon de 1812 et lui vaut la médaille d'or à l'âge de 21 ans ! Géricault devient un peintre recherché, spécialisé dans les sujets militaires. Géricault tombe amoureux de sa tante Alexandrine Caruel de Martin (l'épouse du frère de sa mère). Agée de 28 ans de moins que son mari, elle n'avait que 6 ans de plus que lui. De cette liaison, qui dura de nombreuses années, naquit en 1818 un fils, Georges-Hippolyte. Après un bref engagement dans la Compagnie des mousquetaires gris du roi Louis XVIII, Géricault, déçu de ne pas avoir obtenu le prix de Rome, passe deux ans en Italie. À son retour en 1817, il se lance dans la création de son chef-d'œuvre, Le Radeau de la Méduse, qui sera exposé au Louvre en 1819 et sera mal accueilli par la critique. La présentation du Radeau à Londres en 1820 amène Géricault dans la capitale anglaise, d'abord pour une période de deux mois entre avril et juin 1820, puis en 1821 après un retour sur le continent et un séjour à Bruxelles. Le tableau reçoit un accueil triomphal en Angleterre (en partie pour des raisons politiques opposées à celles qui avaient conduit à son échec en France), et 50 000 visiteurs affluent à la galerie de Bullock où il est exposé pendant six mois. En novembre 1821, Géricault rentre chez lui très affaibli par une maladie vénérienne contractée probablement lors de son séjour en Angleterre. Il tombe plusieurs fois de cheval et, en août 1823, se casse le dos en tombant. Il meurt à l'âge de trente-deux ans, le 24 janvier 1824, après une longue agonie.

3 513 €

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