Deux femmes en conversation, pièce maîtresse pour Le Sourire (Le sourire)

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Paul Gauguin
Deux femmes en conversation, pièce maîtresse pour Le Sourire (Le sourire)
1900

Name: Deux femmes en conversation, pièce maîtresse pour Le Sourire (Le sourire)
Brand: Paul Gauguin
Rating: 5 (98 reviews)

À propos de cet article

Two Women Chattering, coiffe pour Le Sourire. Gravure sur bois, 1900 Non signé (comme d'habitude) De : Le Sourire (Le Sourire) Le Sourire était un périodique mensuel publié par l'artiste français Paul Gauguin. Les éditions contenaient une copie satirique, illustrée par ses dessins à la plume et à l'écran, avec une de ses gravures sur bois utilisée pour l'en-tête. Il s'est en partie inspiré du périodique parisien Le Rire, plus populaire, illustré par des artistes tels que Toulouse-Lautrec. Au total, neuf éditions ont été imprimées entre août 1899 et avril 1900, entre ses séjours à Tahiti et aux îles Marquises. On ne sait pas combien d'exemplaires de chaque édition ont été imprimés, probablement pas plus de 30. En raison d'un budget limité, et du fait qu'elles étaient imprimées à la main, la qualité des reproductions était souvent médiocre et tachée, il utilisait de la colle bon marché pour lier les feuilles au papier. Cependant, ils sont aujourd'hui admirés par les critiques d'art et les historiens. Cette impression provient d'une édition posthume sur papier vergé. Condit : Excellent Taille de l'image : 4.1/16 x 6 pouces Taille de la feuille : 6 1/16 x 9 pouces Référence : Morgan, Kornfeld, Joachim 62, seul état, impression posthume Guerin 81 Paul Gauguin peintre français Paul Gauguin, en abrégé Eugène-Henri-Paul Gauguin, (né le 7 juin 1848 à Paris, France - mort le 8 mai 1903 à Atuona, Hiva Oa, îles Marquises, Polynésie française), peintre, graveur et sculpteur français qui a cherché à exprimer de manière "primitive" des états spirituels et émotionnels dans ses œuvres. L'artiste, dont l'œuvre a été classée comme post-impressionniste, synthétiste et symboliste, est particulièrement connu pour sa relation créative avec Vincent van Gogh et pour l'exil qu'il s'est imposé à Tahiti, en Polynésie française. Ses expériences artistiques ont influencé de nombreux développements avant-gardistes au début du 20e siècle. Débuts Le père de Gauguin était un journaliste d'Orléans, et sa mère était d'origine française et péruvienne. Après le coup d'État de Napoléon III en 1848, le père de Gauguin emmène la famille au Pérou, où il prévoit de créer un journal, mais il meurt en route, et la mère de Gauguin reste avec ses enfants dans la propriété de son oncle à Lima pendant quatre ans avant de ramener la famille en France. À 17 ans, Gauguin s'engage dans la marine marchande, et pendant six ans, il navigue autour du monde. Sa mère meurt en 1867, laissant la garde légale de la famille à l'homme d'affaires Gustave Arosa, qui, à la libération de Gauguin de la marine marchande, lui trouve un poste d'agent de change et le présente à la Danoise Mette Sophie Gad, que Gauguin épouse en 1873. Les penchants artistiques de Gauguin sont d'abord éveillés par Arosa, qui possède une collection comprenant des œuvres de Camille Corot, Eugène Delacroix et Jean-François Millet, et par un collègue agent de change, Émile Schuffenecker, avec qui il commence à peindre. Gauguin commence bientôt à recevoir un enseignement artistique et à fréquenter un Studio où il peut dessiner d'après un modèle. En 1876, son Paysage à Viroflay a été accepté pour l'exposition annuelle officielle en France, le Salon. Il a développé un goût pour le mouvement d'avant-garde contemporain de l'impressionnisme, et entre 1876 et 1881, il a rassemblé une collection personnelle de peintures de personnalités telles qu'Édouard Manet, Paul Cézanne, Camille Pissarro, Claude Monet et Johan Barthold Jongkind. Gauguin rencontre Pissarro vers 1874 et commence à étudier sous la direction de l'artiste plus âgé qui le soutient, mais il a d'abord du mal à maîtriser les techniques de peinture et de dessin. En 1880, il fait partie de la cinquième exposition impressionniste, une invitation qui sera renouvelée en 1881 et 1882. Il passe des vacances à peindre avec Pissarro et Cézanne et commence à faire des progrès visibles. Au cours de cette période, il entre également dans un cercle social d'artistes d'avant-garde comprenant Manet, Edgar Dega et Pierre-Auguste Renoir. Gauguin perd son emploi lors de l'effondrement de la bourse française en 1882, un événement qu'il considère comme une évolution positive, car cela lui permettra de "peindre tous les jours". Afin de subvenir aux besoins de sa famille, il cherche en vain un emploi auprès de marchands d'art, tout en continuant à se rendre à la campagne pour peindre avec Pissarro. En 1884, il emmène sa famille à Rouen, en France, et fait des petits boulots, mais à la fin de l'année, la famille s'installe au Danemark, cherchant le soutien de la famille de Mette. Sans emploi, Gauguin est libre de poursuivre son art, mais il doit faire face à la désapprobation de la famille de sa femme ; à la mi-1885, il retourne à Paris avec son fils aîné. Gauguin participe à la huitième et dernière exposition impressionniste en 1886, présentant 19 peintures et un relief en bois sculpté. Cependant, ses propres œuvres n'ont guère retenu l'attention, étant éclipsées par l'énorme Dimanche à la Grande Jatte-1884 (1884-86) de Georges Seurat. Frustré et sans ressources, Gauguin commence à fabriquer des récipients en céramique destinés à la vente et, cet été-là, il se rend à Pont-Aven, en Bretagne, à la recherche d'une vie plus simple et plus frugale. Après un hiver rigoureux, Gauguin s'embarque en avril 1887 pour la Martinique, une île des Caraïbes, avec le peintre Charles Laval, dans l'intention de "vivre comme un sauvage". Ses œuvres peintes à la Martinique, telles que Végétation tropicale (1887) et Au bord de la mer (1887), révèlent qu'il s'éloigne de plus en plus de la technique impressionniste au cours de cette période, puisqu'il travaille désormais avec des blocs de couleur dans des plans larges et non modulés. À son retour en France à la fin de l'année 1887, Gauguin affecte une identité exotique, indiquant que son ascendance péruvienne est un élément de "primitivisme" dans sa propre nature et sa vision artistique. Maturité précoce Durant l'été 1888, Gauguin retourne à Pont-Aven, à la recherche de ce qu'il appelle "un retour raisonné et franc au commencement, c'est-à-dire à l'art primitif". Il y est rejoint par de jeunes peintres, dont Émile Bernard et Paul Sérusier, qui recherchent également une expression plus directe dans leur peinture. Gauguin a fait un pas en avant vers cet idéal dans la vision séminale Après le sermon (1888), un tableau dans lequel il utilise de larges plans de couleur, des contours clairs et des formes simplifiées. Gauguin a inventé le terme "synthétisme" pour décrire son style à cette époque, en faisant référence à la synthèse des éléments formels de ses tableaux avec l'idée ou l'émotion qu'ils véhiculent. Gauguin a joué le rôle de mentor pour de nombreux artistes réunis à Pont-Aven, les incitant à se fier davantage aux sentiments qu'à l'observation directe associée à l'impressionnisme. En effet, il a conseillé : "Ne copiez pas trop sur la nature. L'art est une abstraction : s'extraire de la nature tout en rêvant devant elle et se concentrer davantage sur la création que sur le résultat final." Gauguin et les artistes qui l'entourent, connus sous le nom d'école de Pont-Aven, commencent à être décoratifs dans les compositions et les harmonies générales de leurs peintures. Gauguin n'utilise plus le trait et la couleur pour reproduire une scène réelle, comme il l'avait fait en tant qu'impressionniste, mais explore plutôt la capacité de ces moyens picturaux à induire un sentiment particulier chez le spectateur. Fin octobre 1888, Gauguin se rend à Arles, dans le sud de la France, pour séjourner chez Vincent van Gogh (en partie pour rendre service au frère de van Gogh, Theo, un marchand d'art qui a accepté de le représenter). Au début de la même année, van Gogh s'était installé à Arles, dans l'espoir de fonder le "Studio du Sud", où des peintres partageant les mêmes idées se réuniraient pour créer un art nouveau, à l'expression personnelle. Cependant, dès l'arrivée de Gauguin, les deux artistes volatiles se livrent à des échanges animés sur la finalité de l'art. Le style des œuvres des deux hommes de cette période a été classé comme post-impressionniste parce qu'il montre un développement individuel et personnel de l'utilisation de la couleur, du coup de pinceau et des sujets non traditionnels de l'impressionnisme. Par exemple, les Vieilles femmes d'Arles (Mistral) (1888) de Gauguin représentent un groupe de femmes se déplaçant en procession solennelle dans un paysage aplati et conçu de manière arbitraire. Comme dans la plupart de ses œuvres de cette période, Gauguin applique une peinture épaisse et lourde sur des toiles brutes ; dans cette technique rude et dans le sujet des paysans religieux, l'artiste trouve quelque chose qui se rapproche de son idéal "primitif" naissant. Gauguin avait prévu de rester à Arles jusqu'au printemps, mais sa relation avec van Gogh devient encore plus tumultueuse. Après ce que Gauguin prétend être une tentative de l'attaquer avec un rasoir, van Gogh se serait mutilé l'oreille gauche. Gauguin part ensuite pour Paris après un séjour de deux mois seulement. Bien que cette version de l'histoire ait été acceptée pendant plus de 100 ans, les historiens de l'art Hans Kaufmann et Rita Wildegans ont examiné les dossiers de police contemporains et la correspondance des artistes et ont conclu, dans Van Gogh's Ohr : Paul Gauguin und der Pakt des Schweigens (2008 ; "L'oreille de Van Gogh : Paul Gauguin et le pacte du silence"), que c'est en fait Gauguin qui a mutilé l'oreille de Van Gogh et qu'il a utilisé une épée, et non un rasoir. Ils en ont conclu que les artistes avaient accepté de donner la version d'automutilation de l'histoire pour protéger Gauguin. Pendant les années qui suivent, Gauguin vit alternativement à Paris et en Bretagne. À Paris, il se familiarise avec les cercles littéraires d'avant-garde des poètes symbolistes tels que Stéphane Mallarmé, Arthur Rimbaud et Paul Verlaine. Ces poètes, qui prônaient l'abandon des formes traditionnelles afin d'incarner une vie émotionnelle et spirituelle intérieure, ont vu leur équivalent dans les arts visuels dans l'œuvre de Gauguin. Dans un célèbre essai paru dans le Mercure de France en 1891, le critique Albert Aurier a déclaré que Gauguin était le chef de file d'un groupe d'artistes symbolistes, et il a défini son travail comme "idéationnel, symbolique, synthétique, subjectif et décoratif." Après avoir trouvé Pont-Aven gâté par les touristes, Gauguin s'installe dans le village isolé du Pouldu. Là, dans une recherche accrue d'expression brute, il commence à se concentrer sur les anciens monuments de la religion médiévale, les croix et les calvaires, incorporant leurs formes simples et rigides dans ses compositions, comme dans Le Christ jaune (1889). Si ces œuvres s'appuient sur les leçons de couleur et de coup de pinceau qu'il a tirées de l'impressionnisme français, elles rejettent les leçons d'espace perspectif qui ont été développées dans l'art occidental depuis la Renaissance. Il a exprimé son dégoût pour la corruption qu'il voyait dans la civilisation occidentale contemporaine dans le relief en bois sculpté et peint Be in Love and You Will Be Happy (1889), dans lequel une figure en haut à gauche, accroupie pour cacher son corps, était censée représenter Paris comme, selon lui, une "Babylone pourrie". Comme le suggèrent ces œuvres, Gauguin a commencé à aspirer à un environnement plus retiré dans lequel travailler. Après avoir envisagé et rejeté le nord du Vietnam et Madagascar, il a demandé une bourse au gouvernement français pour se rendre à Tahiti. Tahiti de Paul Gauguin Gauguin arrive à Papeete en juin 1891. Son image romantique de Tahiti, paradis intact, est en partie dérivée du roman de Pierre Loti, Le Mariage de Loti (1880). Déçu par la mesure dans laquelle la colonisation française avait effectivement corrompu Tahiti, il a tenté de s'immerger dans ce qu'il croyait être les aspects authentiques de la culture. Il emploie des titres tahitiens, tels que Fatata te miti (1892 ; "Près de la mer") et Manao tupapau (1892 ; "L'esprit du mort qui veille"), utilise l'iconographie océanienne et dépeint des paysages idylliques et des cadres spirituels suggestifs. Afin de se démarquer davantage des conventions occidentales héritées, Gauguin s'inspire des traditions océaniennes dans ses sculptures et ses gravures sur bois de cette période, auxquelles il donne un aspect délibérément brut. Gauguin rentre en France en juillet 1893, persuadé que sa nouvelle œuvre lui apportera le succès qui lui a si longtemps échappé. Plus que jamais, l'artiste au franc-parler se présente comme un étranger exotique, entretenant une liaison célèbre avec une femme surnommée "Anna la Javanaise". En 1894, il conçoit le projet de publier un livre de ses impressions de Tahiti, illustré de ses propres gravures sur bois, intitulé Noa Noa. Ce projet ainsi qu'une exposition personnelle à la galerie de Paul Durand-Ruel ne rencontrent cependant que peu d'écho et, en juillet 1895, il quitte définitivement la France pour Tahiti. Avant les années 1890, Gauguin aplatit son imagerie avec des résultats parfois infructueux, mais au cours de cette décennie, son "primitivisme" devient moins forcé. Les influences de J.-A.-D. Ingres et Pierre Puvis de Chavannes l'ont amené à créer des formes de plus en plus arrondies et modelées, ainsi qu'une ligne plus sinueuse ; en conséquence, les images de Gauguin sont devenues plus luxuriantes et plus naturellement poétiques, tandis qu'il développait des harmonies tonales merveilleusement orchestrées. Il a atteint l'expression complète de sa vision en développement en 1897 dans son principal ouvrage tahitien, Where Do We Come From ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ? (1897). Une énorme contemplation de la vie et de la mort racontée à travers une série de figures, commençant par un bébé et se terminant par une vieille femme ratatinée, l'œuvre est entourée d'une aura onirique et poétique extraordinairement puissante. De plus en plus dégoûté par l'influence croissante de l'Occident dans la colonie française, Gauguin cherche à nouveau un environnement plus éloigné, cette fois sur l'île de Hiva Oa aux Marquises, où il s'installe en septembre 1901. Il y achète des terres et, avec l'aide de ses voisins, il construit une maison qu'il appelle "la maison du plaisir". Conçue comme une œuvre d'art totale décorée de frises minutieusement sculptées, la maison a probablement été inspirée par des œuvres maories qu'il avait vues à Auckland, en Nouvelle-Zélande. En 1902, un cas avancé de syphilis réduit sa mobilité, et il concentre l'énergie qui lui reste sur le dessin et l'écriture, notamment ses mémoires, Avant et après (publiées à titre posthume en 1923). Après une querelle avec les autorités françaises, il envisage de déménager à nouveau, cette fois en Espagne, mais sa santé déclinante et un procès en cours interdisent tout changement. Il est mort seul dans sa "maison de plaisir". L'héritage de Paul Gauguin Découvrez la technique de gravure non conventionnelle de Paul Gauguin. Découvrez la technique de gravure peu conventionnelle de Paul GauguinVoir toutes les vidéos de cet article L'influence de Gauguin était immense et variée. Son héritage repose en partie sur sa décision dramatique de rejeter le matérialisme de la culture contemporaine en faveur d'un style de vie plus spirituel et sans entraves. Elle réside également dans son expérimentation inlassable. Les spécialistes l'identifient depuis longtemps à toute une série de mouvements stylistiques, et la difficulté de définir son œuvre, en particulier les travaux tardifs, témoigne du caractère unique de sa vision. Avec les œuvres de ses grands contemporains, Cézanne et van Gogh, les innovations de Gauguin ont inspiré toute une génération d'artistes. En 1889-90, plusieurs des jeunes adeptes qui s'étaient rassemblés autour de lui à Pont-Aven ont utilisé les idées de Gauguin pour former le groupe des Nabis. Le peintre norvégien Edvard Munch devait beaucoup à l'utilisation de la ligne par Gauguin, et les peintres du groupe Fauve - Henri Matisse en particulier - ont profité de son utilisation de la couleur dans leurs propres compositions audacieuses. En Allemagne également, l'influence de Gauguin est forte dans l'œuvre d'expressionnistes allemands tels qu'Ernst Ludwig Kirchner. L'utilisation par Gauguin de l'iconographie océanienne et ses simplifications stylistiques ont grandement influencé le jeune Pablo Picasso, lui inspirant sa propre appréciation de l'art africain et donc l'évolution du cubisme. Ainsi, tant par ses avancées stylistiques que par son rejet de la représentation empirique au profit de la représentation conceptuelle, Gauguin a contribué à ouvrir la porte au développement de l'art du XXe siècle. Courtoisie de Britannica

Créateur:
Paul Gauguin (1848-1903, Français)
Année de création:
1900
Dimensions:
Hauteur : 15,42 cm (6,07 po)Largeur : 22,86 cm (9 po)
Support:
Gravure sur bois
Mouvement et style:
École française
Période:
1900-1909
État:
Adresse de la galerie:
Fairlawn, OH
Numéro de référence:
Vendeur : FA123181stDibs : LU14011747632

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Paul Gauguin

Paul Gauguin a révolutionné le monde de l'art en transcendant le naturalisme qui dominait l'art du XIXe siècle, en optant pour une utilisation émotionnelle de la couleur, de la forme et du symbolisme. En tant que chef de file du mouvement post-impressionniste , la plupart de ses œuvres sont aujourd'hui conservées dans des musées réputés du monde entier, ce qui fait de chaque apparition sur le marché une rareté.

Bien qu'inspiré par les principes des visionnaires impressionnistes tels que Cézanne, Monet, Pissarro et Degas, Gauguin n'a jamais été du genre à suivre le statu quo. Paysage montagneux, par exemple, est un paysage qui illustre sa technique révolutionnaire et rend hommage à son génie durable. Cette composition unique témoigne de l'expertise de Gauguin en matière d'harmonies de couleurs et de coups de pinceau picturaux, tous employés avec les innovations propres à l'artiste.

Peint à Pontoise au cours de l'été 1882, Paysage montagneux, ou Mountain Pathway, représente un sentier de montagne isolé, encadré par un feuillage éclatant. Plutôt que de capturer le ciel éclairé de façon naturelle par les teintes du coucher de soleil, Gauguin peint des nuages verts et bleus gonflés, contrastant fortement avec une flore vive qui semble être éclairée par un chaud soleil d'après-midi déclinant. S'écartant de la précision pour mieux représenter une expérience sensorielle distincte, cette composition captivante renverse la peinture de paysage conventionnelle.

D'abord agent de change prospère et amateur précoce d'œuvres impressionnistes, Gauguin entre dans le monde de l'art par le biais de son association avec Camille Pissarro. Doté d'un sens unique de la couleur et de la joie de vivre, il ne peignait à l'origine que comme un passe-temps, qu'il a transformé en l'œuvre de sa vie en 1882, lorsque le krach boursier de Paris lui a fait perdre son emploi.

Bien qu'il n'ait reçu aucune formation artistique formelle, Gauguin a été invité à participer aux expositions impressionnistes de 1880, 1881 et 1882. Au fil du temps, son talent inné l'a amené à développer un style avant-gardiste marqué par des formes abstraites et un sens de l'espace comprimé. Les sensibilités pionnières de Gauguin ont eu un impact durable, inspirant une nouvelle génération d'artistes à adopter son mélange unique de passion, d'énergie et d'équilibre compositionnel.