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Marc ChagallPlafond de l'Opéra de Paris1980s
1980s
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Plafond de l'Opéra de Paris
Il s'agit d'une reproduction réalisée par Center Art Galleries-Hawaii, Inc. Vous pouvez googler leur nom pour vous faire une idée du litige qui entoure ce fabricant, qui a réalisé des tirages et les a fait passer pour des œuvres réelles.
L'intérêt réside dans la beauté de l'encadrement. Veuillez noter les frais d'expédition car la pièce est très grande (le cadre fait 47" x 47").
En 1960, le ministre des Affaires culturelles André Malraux fait un geste aussi audacieux que spectaculaire en commandant à Marc Chagall un nouveau plafond pour l'Opéra. Trueing, il y avait un précédent récent, le plafond peu réussi peint pour la salle Henri II du Louvre par George Braque en 1952. L'année suivante, Malraux commandera à André Masson un plafond pour le Théâtre de l'Odéon. S'agit-il d'une tentative de briser le monde ordonné mais fermé créé par Charles Garnier. Un coup d'État médiatique à une époque où les médias s'emparaient du monde.
Un acte sacrilège. Le tableau de Chagall recouvre désormais l'œuvre d'un autre artiste, qui, comme tous les pompiers (nom donné aux peintres académiques du XIXe siècle), n'a plus la cote. (Cela dit, il n'y restera pas longtemps : moins de deux décennies plus tard, le projet de Lenepveu aura les honneurs du nouveau musée d'Orsay). L'acte est surtout sacrilège au regard du principe d'harmonie de Garnier, principe observé par tous les artistes travaillant sous ses ordres, et même, dans une certaine mesure, par Carpeaux. Mais alors, bien sûr, Garnier n'était plus là pour sauvegarder l'unité de son palais des rêves.
Le plafond de Chagall a, sans aucun doute, remis le Palais Garnier à la mode. Tout comme, vingt ans plus tard, les colonnes de Buren ont mis en lumière le Palais-Royal, que les Parisiens avaient totalement oublié, et ont constitué un grand progrès par rapport au parking qui déshonorait sa cour depuis des décennies sans que personne ne semble s'en préoccuper. Tout comme, trente ans plus tard, la pyramide de Pei a fait du Louvre un sujet de conversation international : ce n'est pas que le musée manque de renommée, mais cette intrusion architecturale relativement marginale a permis au programme "Grand Louvre" de bénéficier d'une couverture médiatique mondiale. Quoi que l'on puisse penser de leur valeur artistique, il est indéniable que ces trois "gestes" ont été très réussis en termes de communication. Et c'est, semble-t-il, la principale préoccupation de Malraux à l'Opéra.
De même, les trois interventions ont apporté un élément de continuité et de rupture. La pyramide de Pei rompt certes avec les façades Renaissance et Napoléon III du Louvre, mais elle fait écho à l'obélisque de la place de la Concorde. Les colonnes de Buren prolongent clairement la colonnade de la Galerie d'Orléans, même si elles sont tronquées et rayées ; et le plafond de Chagall, s'il rompt incontestablement avec l'harmonie de la salle, s'inscrit à bien des égards dans une profonde continuité avec l'œuvre de Garnier (Chagall était un lecteur attentif du "Nouvel Opéra").
Tout d'abord, avec ses teintes vives et fraîches - ses "admirables couleurs prismatiques" (André Breton) - Chagall poursuit et achève la réintroduction de la couleur, si importante pour Garnier. Le don de Chagall pour la couleur, il l'a découvert en arrivant à Paris : "En Russie, tout est sombre, brun, gris. Quand je suis arrivé en France, j'ai été frappé par le chatoiement des couleurs, les jeux de lumière, et j'ai trouvé ce que je cherchais à tâtons, à l'aveugle, ce raffinement de la matière et cette couleur décomplexée." À Paris, "les choses, la nature, les gens étaient éclairés par cette "lumière-liberté" et semblaient baigner dans un bain coloré." De plus, ce plafond complète le "panthéon" du Palais Garnier des compositeurs illustres à travers les âges.
Elle ajoute ainsi certains contemporains de l'architecte, comme Wagner .et Berlioz qui ont été " oubliés " dans son programme iconographique (Verdi est le seul compositeur vivant à être représenté par une statue lors de l'inauguration en 1875). Il présente également quelques grands compositeurs de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle, dont trois de l'école russe relativement récente (inconnue en France jusqu'à l'époque de Diaghilev). De plus, Chagall évoque ces compositeurs à travers un "Olympe" de personnages issus de leurs opéras. Comme les lecteurs s'en souviendront, "Olympus" était le terme générique utilisé par Garnier pour désigner les plafonds des théâtres.
Chagall était un peintre lyrique, et la correspondance, la sympathie liant son plafond au bâtiment de Garnier est plus profonde qu'on ne le pense. La peinture de Chagall est, pour reprendre le mot utilisé par Guillaume Apollinaire lorsqu'il visita pour la première fois le Studio de l'artiste à La Ruche en 1912, "surnaturelle" (ce monde sera plus tard remplacé par "surréaliste"), et il en va de même pour le palais enchanté de Garnier. Chagall était un esprit religieux, voire mystique, pour qui l'amour était la force qui liait et animait tout dans l'univers, dont les créatures et les objets faisaient partie d'un mouvement total sans haut ni bas, sans gravité ni résistance - parfait pour peindre un plafond d'opéra !
Plus profondément encore, Chagall est attiré par un idéal de théâtre total. Déjà, dans sa ville natale de Vitebsk, lors de son bref passage à la tête de l'Académie des beaux-arts, il avait scandalisé les dirigeants communistes locaux en demandant à tous les peintres en bâtiment de l'aider à décorer la ville de vaches vertes et de chevaux volants à l'occasion du premier anniversaire de la révolution d'octobre. Et lorsqu'il a travaillé à la rénovation du Théâtre d'État juif de Moscou, entre 1919 et 1921, sa vision s'est étendue à l'ensemble de la salle, de sorte que les spectateurs étaient entourés de panneaux dont les motifs faisaient écho aux décors et aux costumes de la scène. Du théâtre total, à l'image de Garnier. Comme lui, Marc Chagall rêvait d'un théâtre où le décor et l'action ne feraient qu'un.
Chagall refuse d'être payé pour son plafond. L'État n'a pris en charge que les coûts matériels des travaux, qui ont été exécutés entre janvier et août 1964. Le peintre a travaillé au musée des Gobelins, puis à l'atelier construit par Gustav Eiffel à Meudon (il est devenu par la suite un musée de l'aviation) et enfin à Vence. Le plafond Chagall a été inauguré le 23 septembre 1964.
Le plafond se compose de douze panneaux de toile et d'un panneau central rond, totalisant environ 240 mètres carrés et montés sur une structure en plastique.
PANNEAU CENTRAL
Dans le sens des aiguilles d'une montre, en partant de la droite de la scène, le panneau central évoque les compositeurs et les œuvres suivants :
Bizet, "Carmen". Couleur dominante : rouge. Carmen avec les arènes, plus un taureau et une guitare.
Verdi, œuvre non précisée, peut-être "La Traviata". Couleur dominante : jaune. Derrière un jeune couple, un homme barbu (le père de Germont) tient un rouleau à moitié déroulé.
Beethoven, "Fidelio". Couleurs dominantes : bleu et vert. Mouvement de Leonora vers le cavalier bleu, qui brandit son épée.
Gluck, "Orphée et Eurydice". Couleur dominante : vert. Eurydice joue de la lyre (l'instrument d'Orphée) et un ange offre des fleurs.
PANNEAU PRINCIPAL
Moussorgski, "Boris Godounov". Couleur dominante : bleu. Au milieu, au centre, le tsar est assis sur son trône et porte les insignes du pouvoir ; au-dessus de lui, on voit une gloire ailée à tête de monstre et, en vert, la ville de Moscou ; à droite, de l'autre côté de l'"Hébé" de Walter et Famed, au centre de la scène, le peuple (Chagall : "Je considère le peuple comme l'élément le plus sensible de la société").
Mozart, "La Flûte enchantée". Couleur dominante : bleu clair. Comme dans "L'Apparition" (1917, Collection Gordeiev, Moscou), un ange géant remplit le ciel bleu tandis qu'un oiseau (selon certains sorces, un coq), joue de la flûte. Chagall, qui avait conçu en 1965-1966 les décors et les costumes de la production du Metropolitan Opera de 1967 de La Flûte enchantée, prend ici une aimable liberté avec l'opéra, dans lequel l'instrument magique est donné à Tamino et non à l'homme-oiseau Papageno.
Wagner, "Tristan et Isolde". Couleur dominante : vert. Se penchant langoureusement vers Walter et Borgeois "Daphné", le couple se blottit sous l'Arc de Triomphe, illuminé du rouge de la passion, et la Place de la Concorde, deux des sujets favoris de Chagall, ainsi que d'autres monuments parisiens ("Mon art a besoin de Paris comme un arbre a besoin d'eau", écrivait-il).
Berlioz, "Roméo et Juliette". Couleur dominante : vert. Les amants enlacés sont représentés avec une tête de cheval et un " signe de caractère " qui rappelle le tableau de Chagall de 1911 " Le Saint voiturier au-dessus de Vitebsk " (" The Holy Coachman ", collection privée, Krefeld) : il se termine par un nimbe ou une gloire (.) qui encadre leurs visages.
Rameau, œuvre non précisée. Couleur dominante : blanc. Sur la façade illuminée du Palais Garnier, elle aussi rouge de passion, "La Danse" de Carpeaux, recouverte d'or, prend des proportions monumentales.
Debussy, "Pelléas et Mélisande". Couleur dominante : bleu. Allongé à côté de la tête de "Clytia" sculptée par Walter et Borgeois, Pelléas observe Mélisande depuis la fenêtre dans un jeu d'inversion des rôles (selon Jacques Lasseigne, Chagall a doté son Pelléas de la physionomie d'André Malraux). Au-dessus d'eux, une tête couronnée (roi Arkel.).
Ravel, "Daphnis et Chloé". Couleur dominante : rouge. Avec le mouton (bleu) et le temple du premier acte, l'extraordinaire figure du couple siamois (" Il fut un temps où j'avais deux têtes / Il fut un temps où ces deux visages / Étaient enduits de rosée amoureuse / Et fondaient comme le parfum d'une rose...." - poème de Chagall), que Chagall avait déjà incluse dans le rideau qu'il avait peint pour l'Opéra en 1858, et qui peut être vue comme l'achèvement de l'osmose amoureuse commencée dans "La promenade", tableau de 1929 montrant un couple debout/marché tête-bêche dans la rue. Elle est naturellement accompagnée d'une Tour Eiffel, motif récurrent dans les peintures de Chagall. En 1958, Chagall conçoit les décors et les costumes de la chorégraphie de "Daphnis et Chloé" revisitée par Georges Skibine[3 En 1961, il illustre l'édition par l'éditeur Tériade du conte original, attribué à Longus.
Stravinsky, "L'oiseau de feu". Couleurs dominantes : rouge, vert et bleu. En haut à gauche, le peintre (Chagall) avec sa palette et l'oiseau qui, curieusement, est vert ; à droite, un ange musicien dont le violoncelle est aussi le corps, se tient près de l'arbre magique contenant l'oiseau. En dessous, les dômes et les toits, sans doute du château magique, et un oiseau, rouge cette fois, qui s'envole vers un couple couronné sous un dais. D'un côté, un jeune couple marié, un paysan portant un grand panier de fruits sur la tête et un orchestre. La proximité de la Tour Eiffel (dans la partie Ravel du plafond) doit-elle être considérée comme une allusion aux "Mariés de la Tor Eiffel" (1928) ? À droite, au-dessus de la tête de "Pomona" de Walter et Borgeois, un violoniste se penche amoureusement sur son instrument. Chagall a conçu les décors et les costumes de la production du Metropolitan Opera de "L'oiseau de feu" en 1945 (chorégraphie de Massine).
Tchaïkovski, "Le lac des cygnes". Couleur dominante : jaune doré. En bas, une femme-cygne sur un lac bleu, penchée en arrière et tenant un bouquet de fleurs ; en haut, un surprenant ange-musicien, dont la tête et le corps ne font qu'un avec son instrument.
Adams, "Giselle". Couleur dominante : jaune doré. La danse des paysans sous les arbres du village à la fin du premier acte.
- Créateur:Marc Chagall (1887 - 1985, Français)
- Année de création:1980s
- Dimensions:Hauteur : 119,38 cm (47 po)Largeur : 119,38 cm (47 po)Profondeur : 7,62 cm (3 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Boca Raton, FL
- Numéro de référence:Vendeur : Loho Vetz of Ancaster.1stDibs : LU50411480152
Marc Chagall
Décrit par le critique d'art Robert Hughes comme "la quintessence de l'artiste juif du XXe siècle", le moderniste franco-russe Marc Chagall a travaillé dans presque tous les domaines artistiques. Influencé par le symbolisme, le fauvisme, le cubisme et le surréalisme, il a développé son propre style, combinant des techniques et des motifs d'avant-garde avec des éléments tirés de l'art populaire juif d'Europe de l'Est.
Né Moishe Segal en 1887 en Biélorussie (qui faisait alors partie de l'empire russe), Chagall est souvent célébré pour ses peintures figuratives , mais il a également réalisé des vitraux pour les cathédrales de Reims et de Metz, en France, pour les Nations unies à New York et pour l'hôpital Hadassah à Jérusalem, ainsi que des illustrations de livres, des décors de théâtre, des céramiques, des tapisseries et des gravures d'art . Caractérisées par une palette de couleurs audacieuses et une imagerie fantaisiste, ses œuvres sont souvent narratives, décrivant des scènes de petits villages et des moments quotidiens de la vie paysanne, comme dans sa peinture tardive The Flight into Egypt de 1980.
Avant la Première Guerre mondiale, Chagall voyageait entre Saint-Pétersbourg, Paris et Berlin. Lorsque le conflit éclate, il retourne en Biélorussie occupée par les Soviétiques, où il fonde l'école des arts de Vitebsk avant de repartir pour Paris en 1922. Il s'est réfugié aux États-Unis pendant la Seconde Guerre mondiale, mais en 1947, il est revenu en France, où il a passé le reste de sa vie. Sa carrière péripatéticienne a laissé des traces dans son style, qui est nettement international, incorporant des éléments de chacune des cultures qu'il a connues.
Marc Chagall reste l'un des talents les plus respectés du siècle dernier - trouvez ses œuvres sur 1stDibs.
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