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(after) Henri Matisse
D'après Henri Matisse - Nu bleu

Name: D'après Henri Matisse - Nu bleu
Brand: (after) Henri Matisse
Rating: 4.9 (60 reviews)

Prix :1 565,44 $US

À propos de cet article

d'après Henri MATISSE signé dans la pierre, tel que délivré Edition de 200 76 x 56 cm Avec cachet de la Succession Matisse Références : Artvalue - Succession Matisse LA BIOGRAPHIE DE MATISSE JEUNESSE ET ÉDUCATION PRÉCOCE Henri Emile Benoît Matisse est né dans une minuscule maison de tisserand en ruines, rue du Chêne Arnaud, dans la ville textile du Cateau-Cambrésis, à huit heures du soir, la dernière nuit de l'année, le 31 décembre 1869 (Le Cateau-Cambrésis est situé à l'extrême nord de la France, près de la frontière belge). La maison avait deux pièces, un sol en terre battue et un toit qui fuyait. Matisse a dit longtemps après que la pluie tombait par un trou au-dessus du lit dans lequel il était né. Les ancêtres de Matisse avaient vécu dans la région pendant des siècles avant les bouleversements sociaux et industriels du XIXe siècle. Matisse a grandi dans un monde qui se détachait encore d'un mode de vie en quelque sorte inchangé depuis l'époque romaine. L'arrivée du chemin de fer avait placé Bohain sur la carte industrielle, mais les gens se déplaçaient encore partout à pied ou à cheval. Le père de Matisse, Émile Hippolyte Matisse, était un marchand de grains dont la famille était tisserande. Sa mère, Anna Heloise Gerard, était la fille d'une longue lignée de tanneurs aisés. Chaleureuse, extravertie, compétente et énergique, elle était petite et solidement bâtie avec la silhouette à la mode de l'époque : seins et hanches pleins, taille étroite, chevilles soignées et petits pieds élégants. Elle avait la peau claire, des pommettes larges et un large sourire. "Ma mère avait un visage aux traits généreux", disait son fils Henri, qui parlait toujours d'elle avec une tendresse particulière de la sensibilité. Tout au long des quarante années de son mariage, elle a apporté un soutien inébranlable et solide à son mari et à ses fils. Matisse a dit plus tard : "Ma mère aimait tout ce que je faisais." Il a grandi à Bohain-en-Vermandois, un centre industriel textile voisin, jusqu'à l'âge de dix ans, lorsque son père l'a envoyé au lycée de Saint-Quentin. Anna Héloïse a travaillé dur. Elle dirigeait la section de la boutique de son mari qui vendait des peintures pour la maison, préparant les commandes des clients et les conseillant sur les couleurs. Les couleurs ont manifestement laissé une impression durable sur Henri. L'artiste lui-même a déclaré plus tard qu'il tenait son sens de la couleur de sa mère, qui était elle-même une peintre accomplie sur porcelaine, une forme d'art en vogue à l'époque. Henri était le premier fils du couple. Le jeune Matisse était un jeune homme maladroit qui semblait mal adapté aux rigueurs du Nord ; en particulier, il détestait les hivers glacials. C'était un enfant pensif et, de son propre aveu, il était rêveur, frêle et pas particulièrement brillant. Plus tard, il n'a jamais perdu son attachement à sa terre natale, aux graines et aux plantes qu'il avait rencontrées dans sa jeunesse. Les pigeons de luxe qu'il garde à Nice plus d'un demi-siècle après avoir quitté son pays rappellent les pigeonniers des tisserands cachés derrière la plus humble des maisons de Bohain. Les souvenirs d'enfance de Matisse sont ceux d'une éducation sévère. "Soyez rapide !" "Attention !" "Allez-y !" les refrains qui résonnaient dans ses oreilles de petit garçon étaient "Get cracking !". Plus tard, lorsque la survie même dépendait d'habitudes d'économie et d'abnégation, l'artiste était fier d'être un homme du Nord. Lorsque Matisse eut à son tour des enfants à élever, il se reprocha tout manquement à la discipline ou toute manifestation ouverte de tendresse comme une faiblesse de sa part. En 1887, il se rend à Paris pour étudier le droit et travaille comme administrateur judiciaire au Cateau-Cambrésis après avoir obtenu son diplôme. Bien qu'il considère le droit comme fastidieux, il passe néanmoins le barreau en 1888 avec distinction et commence sa pratique à contrecœur. Une fois que Matisse a terminé ses études, son père, un homme beaucoup plus pratique, fait en sorte que son fils obtienne un poste de clerc dans un cabinet d'avocats. PEINTURE : BEGINNINGS La découverte par Matisse de sa véritable profession s'est faite d'une manière inhabituelle. Après une crise d'appendicite, il a commencé à peindre en 1889, sa mère lui ayant apporté du matériel d'art pendant sa convalescence. Il a déclaré plus tard : "Dès que j'ai tenu la boîte de couleurs dans mes mains, j'ai su que c'était ma vie. Je m'y suis jeté comme une bête qui plonge vers ce qu'elle aime." La mère de Matisse est la première à conseiller à son fils de ne pas adhérer aux "règles" de l'art, mais plutôt d'écouter ses propres émotions. Matisse est tellement attaché à son art qu'il lance un avertissement à sa fiancée, Amélie Parayre, qu'il épousera plus tard : "Je vous aime beaucoup, mademoiselle, mais j'aimerai toujours plus la peinture." Matisse avait découvert "une sorte de paradis", comme il le décrira plus tard. Son changement radical de profession a profondément déçu son père. Deux ans plus tard, en 1891, Matisse retourne à Paris pour étudier l'art à l'Académie Julian et devient l'élève de William-Adolphe Bouguereau. Après une année décourageante à l'Académie Julian, il la quitte, dégoûté par le style d'enseignement trop perfectionniste qui y règne. Par la suite, il s'est formé auprès de Gustave Moreau, un artiste qui a nourri des penchants plus progressistes. Dans les deux studios, comme à l'accoutumée, les étudiants ont réalisé d'interminables études de figures d'après nature. De Bouguereau, il a appris les leçons fondamentales de la peinture classique. Le fil à plomb était son seul outil technique, presque un fétiche. Peu importe les angles bizarres de n'importe quel Matisse, les verticales sont généralement vraies. Moreau étant un peintre qui méprisait l'"art du salon", Matisse était destiné, dans un certain sens, à rester un "paria" du monde de l'art. Il échoue d'abord à son examen de dessin pour être admis à l'École des Beaux-Arts, mais persiste et est finalement accepté. Matisse commence à peindre des natures mortes et des paysages dans le style traditionnel flamand, dans lequel il atteint une certaine maîtrise. La plupart de ses premières œuvres utilisent une palette sombre et ont tendance à être lugubres. Chardin était l'un des peintres les plus admirés de Matisse, ayant réalisé quatre des chefs-d'œuvre de la nature morte française au Louvre. Bien qu'il exécute de nombreuses copies d'après les maîtres anciens, il étudie également l'art contemporain. Ses premières expérimentations lui valent la réputation d'être le membre rebelle de ses classes d'atelier. En 1896, Matisse est élu membre associé de la Société nationale, ce qui signifie que, chaque année, il peut exposer des tableaux au Salon de la Société sans avoir à les soumettre à un examen. La même année, il expose 5 tableaux dans le salon de la Société Nationale des Beaux-Arts, et l'Etat achète deux de ses tableaux. C'est la première et presque unique reconnaissance qu'il a reçue dans son pays natal au cours de sa vie. En 1897 et 1898, il rend visite au peintre John Peter Russell sur l'île Belle Île, au large des côtes bretonnes. Russell l'a initié à l'impressionnisme et à l'œuvre de Van Gogh, qui était un bon ami de Russell mais était totalement inconnu à l'époque. Le style de Matisse a complètement changé, et il dira plus tard : "Russell était mon professeur, et Russell m'a expliqué la théorie des couleurs." Matisse a également observé les mariages stables de Russell et d'autres artistes. Cela l'a probablement influencé pour trouver en Amélie Noellie Parayre, sa future épouse, son point d'ancrage. La table à manger (1897) est le premier chef-d'œuvre de Matisse, qui a passé tout l'hiver à travailler sur cette œuvre. Bien que le Salon ait exposé l'œuvre, il l'a accrochée à un mauvais endroit, dégoûté par ce qu'il considérait comme son aspect radical et impressionniste. Caroline Joblaud a été la première amante de Matisse pendant quatre ans, au cours de ses premières luttes pour affirmer sa direction artistique et sa carrière professionnelle. Caroline (également appelée Camille) a donné à Matisse sa première fille Marguerite en 1894, qui, après le mariage de Matisse avec Amélie Noellie Parayre, a été chaleureusement acceptée contrairement à l'hostilité conventionnelle que de tels arrangements provoquaient. Caroline a posé à plusieurs reprises pour les compositions de l'artiste tandis que Marguerite a servi de modèle à Matisse à plusieurs reprises tout au long de sa vie. MARIAGE AVEC AMÉLIE NOELLIE PARAYRE Les Matisse de Bohain et les Parayres de Beauzelle n'avaient extérieurement rien en commun, et il n'y avait aucune raison pour que Matisse et Amélie se rencontrent. Mais en octobre 1897, Matisse se rend à un mariage à Paris et s'assied par hasard à côté d'elle lors du banquet hilarant qui suit. Il n'y avait pas eu de flirt banal entre eux, même lorsque le vin coulait à flots, chacun reconnaissait l'autre comme un vrai métal, et lorsqu'ils se levèrent de table, elle tendit la main à Henri Matisse d'une manière qu'il n'oublia jamais. À cette époque, Matisse n'est pas encore la figure professorale de la légende. Il était connu comme un farceur, un chansonnier grivois et anticlérical, et comme quelqu'un qui avait un jour interrompu un concert dans un café juste pour le plaisir. Les proches d'Amélie évoluaient à l'époque dans un contexte social, intellectuel et politique dont Matisse n'avait aucune expérience préalable. Ils défendaient la liberté de pensée, la séparation de l'Église et de l'État, et la laïcisation du système éducatif français. Sa famille, plus aisée que celle de Matisse, apporte le soutien nécessaire à l'artiste en herbe. Lorsque Matisse épouse Amélie en janvier 1898, ils ont été présentés trois mois plus tard seulement. La tante d'Amélie, Noélie, et deux de ses frères tenaient un magasin de vêtements féminins prospère appelé la Grande Maison des Modes. Avant son mariage, Amélie avait montré un don pour dessiner, fabriquer et modeler des chapeaux pour une clientèle à la mode. En juin 1899, elle trouve un associé et ouvre son propre magasin rue de Châteaudun. Cela permet à Henri et à elle-même de vivre, avec Marguerite, dans un minuscule appartement de deux pièces dans la même rue. Madame Matisse, fervente fidèle, jouera un rôle fondamental dans la vie et la carrière de l'artiste pendant plus de 40 ans. Marguerite allait devenir le pilier de la vie de son père En 1902, le désastre frappe. Les parents d'Amélie ont été disgraciés et ruinés financièrement dans un scandale spectaculaire d'envergure nationale, en tant qu'employés sans méfiance d'une femme dont l'empire financier reposait sur la fraude. Grâce à ses premières années dans un cabinet d'avocat, Matisse a pu s'occuper avec beaucoup d'efficacité de l'organisation de la défense de son beau-père. Lorsque tous ceux qui l'entourent perdent la tête, fondent en larmes et s'apitoient sur leur sort, Henri Matisse traite leurs problèmes un par un. L'épreuve a fait des ravages, à plus d'un titre. Ses médecins ont ordonné à Matisse de se rendre à Bohain et de prendre deux mois de repos complet. Amélie avait perdu à la fois sa chapellerie et l'appartement de la rue de Châteaudun. Pour la première fois, Henri, Amélie et les trois enfants sont réunis à Bohain, n'ayant nulle part ailleurs où aller. Hillary Spurling, l'une des biographes de Matisse, affirme que les souvenirs d'Amélie de cette disgrâce publique ont nourri une "suspicion du monde extérieur" qui marquera toujours la famille Matisse. La famille Matisse formait une sorte d'unité hermétique qui tournait autour du travail et de la profession de l'artiste. Ils ont adapté leurs activités en fonction de ses pauses et de ses séances de travail. Le silence était essentiel. Même pendant les années où Matisse vivait essentiellement seul à Nice, un rituel annuel de déballage, d'étirement, d'encadrement et d'accrochage se terminait par l'installation de toute la famille pour répondre aux tableaux. La conférence peut durer plusieurs jours. Puis les dealers ont été admis. Matisse et sa femme avaient eu deux fils, Jean (né en 1899) et Pierre (né en 1900). Il n'était pas toujours en paix avec sa famille. Il a écrit que leurs points de vue n'étaient pas toujours en accord "ce qui me perturbe considérablement dans mon travail, pour lequel j'ai besoin du calme le plus complet et de ceux qui m'entourent, d'une sérénité que je ne trouve pas ici. J'ai l'intention de déménager dans un village à quelques kilomètres de là." Pierre, son frère Jean et Marguerite sont restés proches de leur père à travers toutes les vicissitudes, et Matisse, dans ses dernières années d'invalidité, était dévoué à ses nombreux petits-enfants. En 1899, à une époque où ses peintures témoignent d'un talent rebelle mais pas vraiment d'une direction claire, Matisse commence à suivre des cours de modelage de l'argile et de sculpture. Chargé de copier l'un des chefs-d'œuvre de la sculpture du Louvre, il choisit le Jaguar dévorant un lièvre, une œuvre violemment précise d'Antoine-Louis Barye. Plus tard, lorsque ses peintures semblaient bloquées, il s'est tourné vers la sculpture pour organiser ses pensées et ses sensations. Influencé par les œuvres des post-impressionnistes Paul Cézanne, Gauguin, Van Gogh et Paul Signac, ainsi que par l'art japonais, Matisse fait de la couleur un élément crucial de ses peintures. Matisse a dit : "Dans l'art moderne, c'est indubitablement à Cézanne que je dois le plus." En étudiant les plans fragmentés de Cézanne - qui étendaient l'idée de la nature morte à une contemplation forcée des surfaces colorées elles-mêmes - Matisse a pu reconstruire sa propre philosophie de la nature morte. Un grand nombre de ses tableaux de 1899 à 1905 font appel à une technique pointilliste adoptée de Signac. En 1898, il se rend à Londres pour étudier les peintures de J. M. W. Turner, puis fait un voyage en Corse. Après des années de pauvreté, Matisse traverse sa "période noire" (1902-03), passe brièvement au naturalisme, revient à une palette sombre et confie à des amis en 1903 qu'il a perdu toute envie de peindre et qu'il a presque décidé d'abandonner. Heureusement, Matisse a pu gagner un peu d'argent en peignant une frise pour l'exposition universelle au Grand Palais à Paris. Il a également beaucoup voyagé au début des années 1900, lorsque le tourisme était encore une idée nouvelle. Grâce aux chemins de fer, aux bateaux à vapeur et aux autres moyens de transport apparus au cours de la révolution industrielle, les voyages sont devenus une activité populaire. En tant que touriste cultivé, il a développé son art grâce à des doses régulières de voyages. FAUVISME La carrière de Matisse peut être divisée en plusieurs périodes qui ont évolué sur le plan stylistique, mais son objectif sous-jacent est toujours resté le même : découvrir "le caractère essentiel des choses" et produire un art "d'équilibre, de pureté et de sérénité", selon ses propres termes. Les environnements changeants des studios semblent avoir toujours eu un effet significatif sur le style de son travail. Au cours de ces premières années de lutte, Matisse établit son programme artistique révolutionnaire. Il a ignoré la perspective, aboli les ombres, répudié la distinction académique entre ligne et couleur. Il tentait de renverser une façon de voir évoluée et acceptée par le monde occidental depuis des siècles en substituant une subjectivité consciente à l'illusion traditionnelle de l'objectivité . Matisse a atteint son apogée dans le monde de l'art d'avant-garde dans les premières années de la nouvelle décennie. Il explore la scène de l'art moderne en se rendant fréquemment dans des galeries telles que Durand-Ruel et Vollard, où il découvre les œuvres de Paul Cézanne, Paul Gauguin et Vincent van Gogh. La première exposition personnelle de Matisse a lieu en 1904, sans grand succès. Le 16 mai 1905, il arrive dans le charmant port catalan de Collioure, dans le sud de la France. Il invite bientôt le peintre André Derain (1880-1954), de 11 ans son cadet, à le rejoindre. En 1905, Matisse est considéré comme le fer de lance du mouvement Fauve en France, caractérisé par sa spontanéité et sa rugosité d'exécution ainsi que par l'utilisation de couleurs brutes directement de la palette à la toile. Matisse a combiné la couleur pointilliste et la manière de Cézanne de structurer l'espace pictural trait par trait pour développer le fauvisme - une manière moins de voir le monde que de le sentir avec ses yeux. Lorsque l'été fauve touche à sa fin, Derain quitte Collioure avec 30 peintures, 20 dessins et une cinquantaine d'esquisses, pour ne jamais revenir, tandis que Matisse part quelques jours plus tard, ramenant à Paris 15 peintures achevées, 40 aquarelles et plus de 100 dessins. Il est revenu à Collioure les étés 1906, 1907, 1911 et 1914. L'attrait du soleil s'avérera toujours avoir des pouvoirs de restauration pour l'artiste tout au long de sa vie, en particulier après des périodes de grand effort émotionnel. Lorsque les œuvres fauves ont été exposées pour la première fois au Salon d'Automne à Paris, elles ont fait scandale. Des témoins oculaires racontent que des rires émanaient de la salle VII où ils étaient exposés. Gertrud Stein, l'un des plus importants futurs supporters de Matisse, a rapporté que les gens grattaient les toiles par dérision. "Un pot de peinture a été jeté à la figure du public", a réagi la critique Camille Mauclair. Louis Vauxcelles a décrit l'œuvre avec la phrase historique "Donatello au milieu des fauves !" (Donatello parmi les bêtes sauvages), en référence à une sculpture de type Renaissance qui partageait la pièce avec eux. Son commentaire a été imprimé le 17 octobre 1905 dans le quotidien Gil Blas, et est entré dans l'usage populaire. Derain lui-même qualifiera plus tard les couleurs des Fauves de "bâtons de dynamite". Le tableau qui a fait l'objet d'attaques est la Femme au chapeau de Matisse, un portrait de Madame Matisse. Ce tableau a été acheté par Gertrude et Leo Stein, ce qui a eu un effet très positif sur Matisse, qui était démoralisé par la mauvaise réception de ses œuvres. Matisse poursuit ses expériences à Collioure, visibles dans le tableau La fenêtre ouverte et la vue de Collioure, également une œuvre caractéristique du fauvisme par sa couleur brute et son mépris des détails. Ces deux œuvres du paysage de la Méditerranée française présentent une évolution distincte vers le style spontané et désinhibé. Outre André Derain, Georges Braque, Raoul Dufy et Maurice Vlaminck étaient également membres du mouvement Fauve. Cependant, les amis intimes de Matisse parmi les artistes étaient pour la plupart des peintres mineurs faciles à vivre, tels qu'Albert Marquet. La solitude caractérielle de Matisse l'a rendu en proie à des dépressions vertigineuses. Il se souviendra plus tard d'une dépression qu'il a subie en Espagne, en 1910 : "Mon lit a tremblé, et de ma gorge est sorti un petit cri aigu que je n'ai pas pu arrêter." Dès le début de sa carrière, les femmes ont été l'un des motifs cardinaux de la production de l'artiste. Sa Joie de vivre (1906) nous entraîne dans un monde d'une vivacité hallucinante composé de nymphes dans un champ idyllique, habillées de couleurs pures et de contours sensuels. Deux femmes se prélassent au soleil tandis que deux autres discutent à l'orée de la forêt. L'une s'accroupit pour cueillir des fleurs tandis que son compagnon en tisse une chaîne dans ses cheveux. Un couple s'embrasse tandis qu'un autre groupe se livre à une danse ronde animée au loin. Ainsi, Joy of Life dépeint des nymphes des bois s'engageant dans une célébration de leur vie, de leur féminité et de leur sexualité. En raison de l'incidence récurrente des femmes nues et de l'interprétation intensément sensuelle, de nombreux observateurs ont supposé qu'en tant qu'homme, Matisse devait être un hédoniste. Au contraire, l'examen historique démontre qu'en réalité, il était plutôt un Nordiste qui se reniait, qui ne vivait que pour travailler, et ce dans une angoisse chronique, une panique récurrente et des dépressions périodiques. Alors que Picasso se récompensait, au fur et à mesure, par des gratifications de jeu intellectuel et érotique, Matisse ne le faisait pas. Dans une ère d'idéologies, Matisse a esquivé toutes les idées, sauf peut-être une : l'art est la vie par d'autres moyens. On pense souvent que la célébration désinhibée des femmes par Matisse est née du tableau de Cézanne intitulé Trois baigneuses (1882) (qu'il avait acquis pour lui-même avec un Van Gogh et un Gauguin). Cependant, Matisse dépeint des femmes nourricières et accueillantes, contrairement à celles de Paul Cézanne, qui sont massives et ressemblent à de l'argile. FAME Le déclin du mouvement fauviste, après 1906, n'a pas empêché l'ascension de Matisse. De 1906 à 1917, il vit à Paris et établit sa maison, son studio et son école à l'Hôtel Biron. Parmi ses voisins figurent le sculpteur Auguste Rodin, l'écrivain Jean Cocteau et la danseuse Isadora Duncan. Nombre de ses plus belles œuvres ont été créées à cette époque, alors qu'il participait activement au grand rassemblement de talents artistiques de Montparnasse, même si son apparence conservatrice et ses habitudes de travail bourgeoises strictes ne lui convenaient pas tout à fait. En fait, le but de l'art de Matisse était loin d'être révolutionnaire. En 1908, dans une déclaration célèbre tirée des "Notes d'un peintre", Matisse déclarait comme son idéal un art "pour tout travailleur intellectuel, pour l'homme d'affaires comme pour l'homme de lettres, par exemple, une influence apaisante, calmante sur l'esprit, quelque chose comme un bon fauteuil qui procure la détente de la fatigue physique" Les habitudes personnelles de Matisse étaient incroyablement régulières. Dans une journée typique, il se levait tôt et travaillait toute la matinée, avec une deuxième session de travail après le déjeuner, suivie d'une pratique du violon, d'un dîner simple (soupe de légumes, deux œufs durs, salade et un verre de vin) et d'un coucher précoce. En 1906, il crée une série de 12 lithographies, toutes des variations sur le thème d'un nu assis. Il a choisi de partager son travail graphique avec le public presque immédiatement. Les lithographies ont été exposées à la galerie Druet à Paris l'année même de leur réalisation, et les gravures sur bois ont été présentées au Salon des indépendants au printemps 1907. En 1907, Appolinaire, commentant Matisse dans un article publié dans La Phalange, déclare : "Nous ne sommes pas ici en présence d'une entreprise extravagante ou extrémiste : L'art de Matisse est éminemment raisonnable". Malgré la célébrité nouvellement acquise, l'œuvre de Matisse continue de faire l'objet de critiques virulentes et il lui est difficile de subvenir aux besoins de sa famille. Son tableau controversé de 1907, Nu bleu, a été brûlé en effigie lors de l'Armory Show de Chicago en 1913. Contrairement au sort des impressionnistes, Matisse et d'autres Fauves ont pu exposer dans des galeries d'art. En 1908, Paul Cassirer, marchand d'art et éditeur allemand qui a joué un rôle important dans la promotion des œuvres des impressionnistes et post-impressionnistes français, a organisé une exposition des œuvres de Matisse à Berlin. La même année, le photographe américain Alfred Stieglitz, à New York, lui organise une exposition personnelle dans sa minuscule galerie de Manhattan, appelée 291, qui introduit efficacement Matisse sur le puissant marché de l'art américain. Au cours de la première décennie de sa notoriété en tant que chef de file des Fauves, Matisse est davantage admiré par les étrangers que par les Français. Après tout, ce sont les Russes et les Américains qui ont acquis des collections importantes de ses premières œuvres presque aussi rapidement qu'elles ont été créées. Les grands Matisses que l'on voit aujourd'hui dans les musées parisiens ont pour la plupart été acquis après la mort de l'artiste, en lieu et place des droits de succession. Les Français ont mis beaucoup plus de temps à comprendre la grandeur de Matisse - plus de temps, en tout cas, que le cadre international d'aspirants talents qui ont afflué à ses cours lorsqu'il était encore l'une des figures les plus controversées de l'avant-garde parisienne. Au cours de l'été 1907, Matisse et sa femme entreprennent un long voyage en Italie "pour le travail et le plaisir", visitant Venise et Padoue, où ils admirent les fresques de Giotto. A Florence, ils étaient les invités des Steins dans leur villa de Fiesole. C'est à partir de là que Matisse se rend à Arezzo, pour étudier Piero della Francesca, et à Sienne, attiré par les premiers peintres siennois, en particulier Duccio. PICASSO, GERTRUDE STEIN ET LES SŒURS CONIQUES Au cours de la première décennie du 20e siècle, les Américains de Paris, Gertrude Stein, ses frères Leo Stein, Michael Stein et la femme de Michael, Sarah, s'intéressent vivement à l'art de Matisse. En outre, les deux amis de Gertrude Stein originaires de Baltimore. Les sœurs Cone ont acquis leur premier Matisse en 1906 et, au cours des quatre décennies suivantes, elles ont constitué l'une des plus grandes collections d'art au monde. La collection Cone contient non seulement des œuvres majeures de toutes les phases de la longue carrière de Matisse, mais reflète également l'intérêt particulier des sœurs pour la période de Nice, où une nouvelle complexité de formes et de psychologie s'est immiscée dans l'attrait toujours intense de la surface de ses peintures. En avril 1906, lors d'une réunion chez la légendaire Gertrude Stein, Matisse est présenté à Pablo Picasso, qui a 11 ans de moins. Picasso et Matisse étaient aux antipodes l'un de l'autre sur le plan esthétique et leurs styles de vie ne l'étaient pas moins. Matisse, nettement plus grand et plus poli que le Catalan, trapu et insolent, était alors le maître de la turbulente scène artistique d'avant-garde parisienne. On dit que les deux hommes se regardaient toujours par-dessus leurs épaules. Il est bien connu qu'après que leur rivalité se soit accrue, des camps ont été pris. Picasso a déclaré plus tard : "Personne n'a jamais regardé les peintures de Matisse plus attentivement que moi ; et personne n'a regardé les miennes plus attentivement que lui." L'une des principales différences entre leurs concepts picturaux était que Matisse dessinait et peignait d'après nature, tandis que Picasso était beaucoup plus enclin à travailler d'après l'imagination. Les sujets les plus fréquemment peints par les deux artistes sont les femmes et les natures mortes, Matisse étant plus enclin à placer ses personnages dans des intérieurs pleinement réalisés. Gertrude Stein, qui aimait remuer les choses, a écrit que "le sentiment entre les Picassoites et les Matisse-ites est devenu amer". Bien que Matisse ait noté sèchement que "nos disputes étaient toujours amicales", il convient de souligner que Picasso et ses amis ont lancé des fléchettes aspirantes sur le Portrait de Marguerite de 1906 de Matisse (que Picasso avait obtenu en échange de son propre Pichet, Bol et Citron, de 1907). Si le fossé entre les deux artistes a fini par se refermer, celui entre leurs supporters est resté. ACADÉMIE MATISSE À PARIS & SERGEI SHCHUKIN En 1909, la famille Matisse vit dans un ancien couvent du boulevard des Invalides, à Paris, où l'artiste dirige une école de peinture. Son immense notoriété, qui avait été confirmée en 1905-06 par La Joie de vivre, une œuvre qui semblait faire fi de toutes les normes possibles d'ordre pictural et de finesse picturale, ses amis ont organisé et financé l'Académie Matisse à Paris, une école privée et non commerciale dans laquelle Matisse a formé de jeunes artistes. Il a fonctionné de 1911 à 1917. Hans Purrmann et Sarah Stein étaient parmi ses élèves les plus fidèles. Bien qu'elle n'ait duré que trois ans (1908-11), l'Académie Matisse est devenue, durant sa brève existence, l'un des principaux carrefours de la peinture moderne pour un certain nombre d'artistes européens et américains talentueux. Compte tenu de la réputation que Matisse s'était forgée en tant qu'"homme sauvage" de la couleur moderniste, certains de ses premiers étudiants ont dû être choqués par le fait que le programme d'enseignement qu'il proposait était remarquablement conservateur. Comme l'a écrit plus tard Jean Heiberg, le premier Norvégien à s'inscrire à l'Académie, dans ses mémoires : "L'école avait, à la suggestion de Matisse, acquis une copie de deux sculptures antiques du Louvre, Mars et une sculpture archaïque, qu'il utilisait souvent pour faire des démonstrations. De temps en temps, il se débarrassait complètement du modèle vivant et nous ne tirions plus que des moulages en plâtre, et ses critiques n'en étaient pas moins profitables." Parmi les élèves de Matisse figurait Olga Meerson, une juive russe qui avait étudié avec Wassily Kandinsky à Munich et qui, déjà dotée d'un style élégant, cherchait à se refaire une beauté sous la tutelle de Matisse. Amélie se doutait du pire. Peut-être qu'une combinaison de la jalousie d'Amélie et du besoin de Meerson a poussé un Matisse à mettre fin à la relation, avec un mauvais sentiment pour tous. Meerson s'installe à Munich, où elle épouse le musicien Heinz Pringsheim, beau-frère de Thomas Mann. N'ayant jamais rempli sa promesse de peintre, elle se suicide à Berlin, en 1929. L'un des biographes de Matisse, qui a accès à une grande partie de la correspondance de l'artiste, affirme qu'après son mariage, l'artiste a rarement, voire jamais, eu des relations sexuelles avec des modèles, malgré les sentiments qu'il semblait éprouver pour beaucoup d'entre eux. Deux collectionneurs d'art russes se sont distingués au début du XXe siècle : le marchand de tissus Sergei Shchukin (1854-1936) et le fabricant de textiles Ivan Morozov (1871-1921). Tous deux ont acquis de l'art moderne français, ont développé une sensibilité pour repérer les nouvelles tendances et les ont fait connaître en Russie. À cette époque, Matisse avait entamé une association féconde avec le magnat russe du textile et collectionneur visionnaire, Sergei Shchukin. L'artiste a créé l'une de ses œuvres majeures, La Danse, spécialement pour Chtchoukine dans le cadre d'une commande de deux tableaux. Inspirée d'une danse circulaire - peut-être une sardane - exécutée par les pêcheurs à Collioure, cette peinture incarne le choc entre le sacré et la réalité. Des mains humaines s'unissent, mais elles forment un esprit divin. De plus, Matisse a pratiquement abandonné la perspective. La planéité de l'œuvre met l'accent sur l'idée, les couleurs et la matière, une notion qui a fait de Matisse un modèle pour les modernistes. L'autre tableau commandé est Musique, 1909. Chtchoukine était considéré par certains presque comme un coproducteur de certaines des plus grandes œuvres de l'artiste et était fortement commué à l'œuvre du peintre français. Concernant les violentes attaques contre son ami, le Russe a écrit à l'artiste : "Le public est contre vous, mais l'avenir vous appartient." En 1914, la maison de Shchukin à Moscou contenait trente-sept Matisses. "Il choisissait toujours le meilleur", dit l'artiste. Pendant la révolution politique, Lénine a exproprié la collection de Chtchoukine en personne, mais a permis à Chtchoukine de rester, dans les quartiers des domestiques, en tant que gardien et guide. Il est mort à Paris, en 1936. La collection se trouve maintenant dans les musées de l'Ermitage et de Pouchkine De 1911 à 1915 environ, Matisse se débat avec les idées du cubisme, une expérience à laquelle il a le sentiment de "ne pas participer" car elle ne "parle pas à sa nature profondément sensorielle". MAROC Comme de nombreux artistes d'avant-garde à Paris, Matisse était réceptif à un large éventail d'influences. Il est l'un des premiers peintres à s'intéresser à diverses formes d'art "primitif". Son art a également été profondément influencé par l'art oriental. C'est après un voyage dans la partie mauresque de l'Espagne au cours de l'hiver 1910 que Matisse a eu l'idée de se rendre au Maroc. Ce goût pour les Maures a fait naître la flamme de l'espoir d'une plus grande inspiration pour peindre au Maroc. En outre, bien conscient des sujets exotiques du Maroc, qui avaient été une source d'inspiration pour le célèbre peintre français Delacroix lorsqu'il avait visité le pays plus de quatre-vingts ans auparavant, Matisse pensait que le Maroc stimulerait son génie de la peinture d'une façon que l'Europe ne pouvait pas faire. Il n'a cherché ni le pittoresque ni le pornographique. Au Maroc, Matisse semble avoir eu des difficultés à trouver des modèles qui acceptent de poser pour lui, notamment des femmes en raison de la loi du voile. Seules les juives et les prostituées en étaient exemptées. Heureusement, Matisse a trouvé la prostituée Zorah pour cet usage, bien qu'il ne l'ait pas peinte comme une prostituée. Au contraire, dans son premier tableau d'elle, Zorah en Jaune, les thèmes sexuels sont manifestement absents de la toile. En tant que prostituée habituée à exposer et à exhiber son corps, Zorah aurait pu facilement être peinte nue ou avec moins de vêtements pour s'exhiber, mais Matisse choisit de la garder habillée et de la faire poser avec prudence. Contrairement aux femmes occidentales primitives et nues du Fauve Joie de vivre. La Zorah marocaine est habillée avec respect et détail pour ses caractéristiques les plus fines. Il développe sa capacité à peindre en prenant conscience des qualités non sexuelles de son sujet, s'éloignant ainsi des femmes du Fauve. De nombreuses peintures marocaines de Matisse ne sont recouvertes que de fines couches de pigments, comme s'il voulait que la texture de la toile non peinte transparaisse afin d'ajouter de la brutalité aux bruns et aux gris. Les odalisques de Matisse ont été décrites comme des "fictions élaborées" dans lesquelles l'artiste recréait l'image du harem islamique à l'aide de modèles français posant dans son appartement de Nice. Les tissus, les paravents, les tapis, le mobilier et les costumes rappelaient l'exotisme de l'"Orient" et fournissaient un thème à la préoccupation de Matisse pour la figure et les motifs élaborés des tissus exotiques. Bien que l'intérêt de Matisse pour les textiles soit évident dans ses compositions réalisées lors de son voyage au Maroc en 1906, il ne s'agissait pas au départ d'une attirance européenne typique pour l'exotisme. Elle était déjà présente pour lui en tant que descendant de générations de tisserands, qui a été élevé parmi les tisserands de Bohain-en-Vermandois, qui dans les années 1880 et 90 était un centre de production de soies fantaisie pour les maisons de couture parisiennes. Comme presque tous ses compatriotes du Nord, il avait une appréciation innée de leur texture et de leur design. Il comprenait les propriétés du poids et de la suspension, il savait comment utiliser les épingles et les patrons en papier, et il était extrêmement sûr de lui avec des ciseaux. Matisse était connu pour être un avide collectionneur de tissus, depuis l'époque où il n'était qu'un pauvre étudiant en art à Paris jusqu'aux dernières années de sa vie, lorsque son studio niçois débordait de tapis persans, de délicates broderies arabes, de tentures murales africaines richement colorées et d'un grand nombre de coussins, rideaux, costumes, paravents à motifs et toiles de fond colorés. Les textiles sont rapidement devenus le tremplin de ses expériences radicales avec la perspective et d'un art basé sur des motifs décoratifs et des harmonies pures de couleurs et de lignes. Lorsqu'il a déménagé, il a également déménagé ses tissus, les décrivant comme "ma bibliothèque de travail". Il a enrichi sa collection toute sa vie, des marchés d'Algérie, du Maroc et de Tahiti aux ventes de fin de saison de la haute couture parisienne. L'esprit revitalisant du Maroc vivra dans l'imagination de l'artiste jusqu'aux découpages des dernières années de l'artiste. APRÈS PARIS Matisse a continué à évoluer dans des directions inattendues, même s'il n'est jamais devenu un peintre abstrait (bien que certaines de ses œuvres les plus audacieuses, comme la Vue de Notre-Dame de 1914 ou le Rideau jaune de 1916, s'en approchent). Ses motifs étaient toujours reconnaissables, et la tension entre le sujet et les aspects formels de la peinture était un concept central de son idéal artistique. Matisse s'installe à Nice en 1917 pour s'éloigner des activités de guerre, où les couleurs vives et chaudes lui montrent "des lieux plus simples qui n'étouffent pas l'esprit". Son esprit se fidélise à la "clarté argentée de la lumière" de Nice, et il ne revient à Paris que pour quelques mois chaque été. Les années 1917-30 sont connues comme sa première période niçoise, où son sujet principal reste la figure féminine ou l'odalisque habillée en costume oriental ou à différents stades de déshabillage, représentée debout, assise ou allongée dans un intérieur luxueux et exotique de la propre création de Matisse. Ces peintures sont imprégnées de la lumière du sud, de couleurs vives et d'une profusion de motifs décoratifs. Il émane d'eux l'atmosphère suggestive d'un harem. En 1929, Matisse suspend temporairement la peinture de chevalet et se rend en Amérique pour faire partie du jury de la 29e Carnegie International et, en 1930, il séjourne à Tahiti et à New York, ainsi qu'à Baltimore, dans le Maryland et à Merion, en Pennsylvanie.Il est particulièrement enthousiasmé par New York. Un important collectionneur d'art moderne, propriétaire de la plus grande collection de Matisse en Amérique, le Dr Albert Barnes de Merion, a demandé à l'artiste de peindre une grande fresque pour la galerie d'art de deux étages de son manoir. Matisse choisit le sujet de la danse, un thème qui le préoccupe depuis son premier chef-d'œuvre fauve, La joie de vivre. Les Américains ont occupé une place importante parmi les mécènes de Matisse tout au long de sa carrière, à commencer par les Stein (Leo Stein a acheté Joy of Life à la sortie du Salon en 1906), les sœurs Cone de Baltimore et le célèbre acariâtre Barnes. La monographie fondatrice de Matisse a été écrite de son vivant par un autre Américain, Alfred Barr. La galerie de Manhattan, fondée en 1931 par le fils de l'artiste, Pierre, qui est resté une figure de proue du monde de l'art new-yorkais pendant près de six décennies, a également joué un rôle important dans la promotion de la présence de Matisse auprès du public transatlantique. Outre son père, il a représenté Balthus, Calder, Dubuffet, Giacometti, Miro, Tanguy et d'autres, dont beaucoup sont aussi des amis. Tout au long de sa longue et productive carrière, Matisse a périodiquement rafraîchi ses énergies créatrices en passant de la peinture au dessin, à la sculpture et à d'autres formes d'expression artistique. Au cours de sa vie, il a également produit 12 livres illustrés connus sous le nom de "livre d'artiste", un type spécifique de livre illustré devenu courant en France au début du siècle. Ces livres étaient des éditions de luxe, limitées, destinées à être collectionnées et admirées comme des œuvres d'art, mais aussi à être lues. Ce processus a commencé lorsque l'éditeur suisse Albert Skira a contacté le maître moderne en 1930 pour illustrer l'œuvre Poesies, du poète symboliste français du XIXe siècle Stéphane Mallarmé. Matisse a répondu à l'invitation de Skira avec beaucoup d'enthousiasme et, cet été-là, il a consacré la majeure partie de son attention à cette commande alors qu'il résidait à Paris. Le résultat est une collection de 29 magnifiques gravures, dont 16 seront exposées au musée. Les sujets, comme les poèmes eux-mêmes, varient considérablement, bien que de nombreuses images reflètent les vacances de l'artiste dans le Pacifique Sud. Les gravures de Matisse sur les poèmes de Mallarmé sont considérées comme l'une de ses plus grandes œuvres imprimées. En 1941, toujours pour Skira, Matisse entreprend l'un de ses projets de gravure les plus complexes et les plus réussis, le Florilège des Amours de Ronsard, illustrant les poèmes d'amour du poète de la Renaissance française du XVIe siècle, Pierre de Ronsard. Le sujet et l'imagerie forte de Ronsard se prêtent gracieusement aux thèmes favoris de Matisse, à savoir les fruits, les fleurs, la forme féminine et les portraits. L'artiste a sélectionné lui-même les poèmes et a traduit l'œuvre du français de la Renaissance au français contemporain pour la publication de l'anthologie DIVORCE ET RELATIONS FAMILIALES TARDIVES Malgré ses amitiés durables avec d'autres artistes, célèbres ou non, les jours et les nuits de Matisse étaient absorbés par un travail solitaire. Jouer du violon semblait une consolation plus intime pour des décennies d'abus critique que l'affection de sa femme et de ses enfants. Bien que leur mariage soit encore quelque peu fragile, les Matisse décident de rester à Nice à l'expiration de leur bail place Charles-Félix durant l'été 1938. Matisse et sa femme se séparent en 1939, après 41 ans de mariage, lorsqu'Amélie tente de renvoyer la jeune Lydia Delectorskaya, une orpheline réfugiée de Sibérie, à l'efficacité froide, qui avait été engagée comme compagne d'Amélie. Cependant, le mariage des Matisse a échoué non pas à cause d'un rival romantique, mais parce que l'artiste souhaitait voler de ses propres ailes. Le premier point culminant est survenu des années auparavant, en 1913, lorsqu'Amélie a posé plus d'une centaine de fois pour le Portrait de Madame Matisse. Le journal d'un ami rapportait à l'époque. "Fou ! Pleureur ! La nuit, il récite le Notre Père ! Le jour, il se dispute avec sa femme !" Le portrait, qui fut la dernière œuvre à entrer dans la collection de Chtchoukine, causa à Matisse "des palpitations, de l'hypertension et un tambourinage constant dans ses oreilles" Une telle frénésie n'était pas rare lorsque Matisse avait des difficultés avec un tableau. Des années plus tard, dans une lettre qu'il lui adressa, il fit référence à ce tableau comme étant "celui qui t'a fait pleurer, mais dans lequel tu es si jolie" Amélie cède la direction de la famille à Marguerite. Le portrait de 1913 est le dernier qu'il ait peint d'elle. Matisse et sa femme se rencontrent une dernière fois pour discuter des détails de leur séparation légale, en juillet 1939. L'une de ses principales dispositions était que tout serait divisé en parts égales entre le couple. La rencontre a eu lieu à Paris, à la gare Saint-Lazare, et a duré trente minutes, pendant lesquelles Amélie Matisse a entretenu une petite conversation avec son mari : "Ma femme ne me regardait pas, mais je ne la quittais pas des yeux...", écrivait Matisse le soir de cette ultime rencontre : "Je n'arrivais pas à placer un mot..... Je suis resté comme taillé dans le bois, jurant de ne plus jamais me faire prendre de cette façon." "Je vais essayer de m'isoler comme si j'étais encore absent", annonce Matisse lors de son premier retour à Paris depuis la séparation officielle d'avec sa femme, "quittant rarement son appartement sauf pour des visites au cinéma (son premier film en couleur, avec Danny Kaye, fut une révélation) Après son licenciement, Delectorskaya s'est tiré une balle dans la poitrine avec un pistolet, remarquablement avec un léger effet. Peu après la séparation légale de l'artiste et de sa femme, Delectorskaya est revenue. Elle est arrivée avec un bouquet de marguerites blanches et de bleuets du jardin de sa tante le 15 juillet, jour de la Saint Henry. Leur collaboration devait durer jusqu'à la mort de Matisse en 1954. Sa volonté tout au long de sa vie était indomptable ; elle tapait à la machine, tenait des registres et des comptes méticuleux et payait les factures du ménage. Elle a également organisé la correspondance de Matisse et coordonné ses affaires avec une poigne de fer, tout en étant son assistante de studio et sa muse. Et lorsqu'on lui a demandé, elle a même parcouru la campagne sur son vélo pour trouver des provisions pendant la guerre. Matisse a affirmé que toute sa maison s'est arrêtée en son absence, ce qui, à la lumière de ce que Lydia a accompli, est tout sauf un euphémisme. Face au ressentiment glacial de la famille, le Russe a dit de Matisse : "Il savait comment prendre possession des gens et leur faire sentir qu'ils étaient indispensables. C'était comme ça pour moi, et c'était comme ça pour Mme. Matisse." La vie avec Matisse devait être éprouvante, mais c'était la vocation qu'Amélie avait choisie, au fil des années où ils vivaient dans leur studio. Son rôle central dans la vie de l'artiste était la sécurité, que le mécénat de Chtchoukine lui procurait, ainsi qu'une maison spacieuse à Issy-les-Moulineaux, où la famille s'est installée en 1909. Cependant, à cette époque, Matisse est de plus en plus absent. En 1930, ses voyages le conduisent aux États-Unis, où il est enthousiasmé par New York, et à Tahiti. Matisse trouvait que Tahiti était "à la fois superbe et ennuyeux...". Là-bas, le temps est magnifique au lever du soleil et il ne change pas jusqu'à la nuit. Un tel bonheur immuable est fatiguant." Il a plongé au large des récifs et n'a jamais oublié les couleurs des madrépores et le vert absinthe de l'eau, qui apparaissent dans des découpages comme Polynésie, 1946, ou L'oiseau et le requin, 1947, comme des images d'une nature spectaculaire et, somme toute, bienfaisante. En septembre 1940, il a employé une remplaçante temporaire pour son infirmière de nuit habituelle. L'agence lui envoie une jeune étudiante infirmière de vingt et un ans : Monique Bourgeois. Après une année à l'école d'infirmières, elle s'est rendue à Nice pour trouver du travail au bureau de placement de l'école d'infirmières. Elle a eu de la chance. Un artiste du nom d'Henri Matisse cherchait une infirmière de nuit temporaire. Le 26 septembre 1942, elle sonne à l'appartement de Matisse à Cimiez. A répondu Lydia. Monique a garni les oreillers de Matisse, lui a fait la lecture et s'est promenée avec lui. Son esprit espiègle et sa conversation franche l'ont enchanté. Elle se sent rapidement à l'aise avec Matisse et leurs conversations deviennent rapidement plus personnelles. Matisse a parlé de lui, de sa famille et de ses petits-enfants qu'il adorait. Quand Matisse en est capable, il sort du lit et montre à Monique son atelier et ses tableaux. Elle s'est occupée de lui pendant 15 nuits, au cours desquelles il a eu plusieurs crises consécutives de violentes douleurs d'estomac.Le retour de l'infirmière de nuit habituelle de Matisse a mis fin aux fonctions de Monique. Matisse a peint quatre toiles d'elle, ainsi que de nombreuses esquisses au fusain ou à l'encre. Elle s'asseyait dans un joli siège en bois à dossier droit, mais plutôt inconfortable, pendant deux ou trois heures d'affilée. De courtes périodes de repos, pas plus d'un quart d'heure, étaient passées dans un silence total en sirotant une tasse de thé. Leur travail commun culmine en mars 1943 avec la peinture de Tabac Royal. À la fin de sa mission, il lui a demandé de poser pour lui, et elle a accepté à contrecœur. "J'étais plutôt surprise, car je n'avais jamais été considérée comme une beauté", écrit-elle dans un livre de 1993 sur leur amitié. "Je n'ai jamais vraiment remarqué s'il était amoureux de moi", a-t-elle déclaré dans une interview de 1992 au magazine Paris-Match. "J'étais un peu comme sa petite-fille ou sa muse, mais il a toujours été un parfait gentleman." La carrière de Monique connaît alors un changement radical, puisqu'elle prend le voile le 8 septembre 1944 et reçoit le nom de Sœur Jacques-Marie. Matisse s'oppose vigoureusement à la décision de Bourgeois d'entrer au couvent, mais se réconcilie avec elle et finit par se décider à réaliser le rêve des sœurs d'une chapelle pour leur couvent. Elle n'a pas revu Matisse pendant deux ans. Matisse s'est peut-être rendu compte tardivement qu'il avait fait peser sur ses fils le poids des pressions qu'il subissait de la part de son propre père pour qu'ils se conforment à ses normes. Pierre, le garçon de La leçon de piano, a dit : "Oui, c'était moi, et vous n'avez pas idée à quel point je détestais ces leçons de piano." Il est généralement admis que Matisse n'a pas réussi à transposer dans ses relations familiales le succès qu'il a obtenu dans son art, et que ce dysfonctionnement s'est étendu à son fils Pierre. Cependant, les 829 lettres, qui peuvent atteindre 21 pages, donnent une impression différente de la relation entre le père et le fils. Après la séparation définitive d'Henri de sa femme, Pierre devient l'indispensable confident de son père. Le vieil homme écrit à son fils : "Tu es le seul membre de la famille avec lequel je peux communiquer" ; et encore, de façon touchante : "Que deviendrais-je, si tu n'étais plus là ?" Bien que Matisse n'ait jamais accordé à son fils le droit exclusif d'exposer ses tableaux, il était intimement impliqué dans la Galerie Pierre Matisse en tant qu'entreprise, guidant la carrière de son fils dès les premiers jours courageux de Pierre, un immigrant ambitieux de 24 ans : "Il faut arriver avec tous les avantages possibles et tenir tête à tout et à tous", écrit Pierre à son père. la jalousie américaine est terrible, et elle n'a rien de la politesse extérieure de la jalousie française.'' Marguerite avait épousé un brillant homme de lettres, Georges Duthuit, qui fut le meilleur critique de Matisse de son vivant ; lorsque Duthuit se montra infidèle à son égard, l'artiste lui interdit d'écrire sur son œuvre. Matisse n'est jamais aussi touchant que dans son récit des deux semaines que Marguerite a passées avec lui après son évasion en 1945. DESSIN ET SCULPTURE Matisse a expérimenté le dessin tout au long de sa vie, ce qui l'a souvent aidé à résoudre des problèmes de composition et de style ou à trouver de nouvelles idées. Au milieu des années 1930, il réalise de remarquables séries de dessins à la plume sur le thème de l'artiste et de son modèle, tandis qu'au début des années 1940, il conçoit ses célèbres séquences de Thèmes et Variations, des œuvres dépouillées au dessin sensible, au trait élégant et sans ombres, décrivant des formes simplifiées de figures féminines ou de natures mortes. À la fin des années 1940 et au début des années 1950, ses dessins deviennent plus audacieux, la ligne de contour plus épaisse, les formes encore plus simplifiées et dépourvues de détails. La sculpture est un autre médium auquel Matisse s'adonne dès ses premières années et, bien qu'indépendante dans son expression, elle est fréquemment utilisée pour trouver une solution à des problèmes picturaux ou devient une source d'inspiration pour la peinture. "J'ai sculpté comme un peintre", disait Matisse, "je n'ai pas sculpté comme un sculpteur" Dans la sculpture en relief, il pouvait traiter de la masse et de la forme du corps dans l'espace réel, et en même temps clarifier son sens de la représentation de la forme humaine sur la toile. On pourrait dire que la femme représentée dans ce relief se situe entre les domaines de la sculpture et de la peinture, ou entre la réalité tridimensionnelle et la platitude de la représentation peinte. Plus de la moitié des sculptures de Matisse ont été réalisées entre 1900 et 1910 ; il a également souvent travaillé en série, manipulant la forme et la simplifiant au fil des ans. Parmi ses œuvres les plus connues figurent la série de quatre reliefs de dos (1903-31), la série de cinq Jeannetteheads (1910-16) et le grand nu assis (1925-29). Matisse est abondamment cité à propos de son art. C'est probablement dans une lettre adressée à Pierre en 1941 qu'il a parlé de sa propre expérience d'artiste, en évoquant un tableau particulièrement éprouvant de son ami Georges Rouault : "Un homme qui fait des tableaux comme celui que nous regardions est une créature malheureuse, tourmentée jour et nuit. Il se décharge de sa passion dans ses tableaux, mais aussi malgré lui sur les gens qui l'entourent. C'est ce que les gens normaux ne comprennent jamais. Ils veulent profiter des produits des artistes - comme on peut profiter du lait des vaches - mais ils ne supportent pas les désagréments, la boue et les mouches." NOUVELLES ORIENTATIONS : COUPES DE PAPIER Une grande partie de la source d'inspiration de Matisse était poétique. Comme son art, la poésie ou la prose poétique que Matisse aimait était intime, sensuelle et personnelle. Dans ses dernières années, il a pris l'habitude de lire des poèmes tôt chaque jour avant de lever un pinceau, un crayon ou une aiguille à graver. Ses sources sont la poésie médiévale française de Charles d'Orléans et de Pierre de Ronsard, ainsi que les écrits plus avant-gardistes de Stéphane Mallarmé, Henri de Montherlant, Louis Aragon et d'autres. Matisse a noté que la poésie était comme l'oxygène : "tout comme lorsque vous vous levez du lit, vous remplissez vos poumons d'air frais". Cela l'a gardé jeune de coeur - comme un élixir de jeunesse sensuel. Il a réalisé des centaines de dessins, de gravures originales et de livres illustrés. Cette dernière forme d'art comprenait ce que Matisse appelait ses "livres de fleurs". Il s'agissait de beaux objets en soi, inspirés de la tradition du manuscrit médiéval. Visages, parties du corps, amants, fruits et fleurs révèlent les exquises arabesques de Matisse, ainsi qu'un extraordinaire sens de la couleur. Pour le célèbre Jazz par exemple, les images sont caractérisées par des couleurs brillantes, des lignes tourbillonnantes et des arabesques formant des séries de formes semblables à des bijoux, dans des thèmes qui vont du cirque aux formes féminines parmi la mer. Matisse a réalisé ses images à partir de pochoirs colorés basés sur des découpages de papier. En 1941, on a diagnostiqué un cancer chez Matisse et, après une opération, il a commencé à se déplacer en fauteuil roulant. Avant de subir une opération risquée à Lyon, il a écrit une lettre anxieuse à son fils, Pierre, insistant sur le fait que "j'aime ma famille, vraiment, tendrement et profondément." Il a laissé une autre lettre, à remettre en cas de décès, faisant la paix avec Amélie. Cependant, l'extraordinaire créativité de Matisse ne pouvait être freinée. "Une seconde vie", c'est ainsi qu'il a appelé les quatorze dernières années de sa vie. Suite et opération, il a trouvé des énergies renouvelées et inattendues. Ce nouveau souffle a donné lieu à un extraordinaire élan d'expression, aboutissement d'un demi-siècle de travail, mais aussi à un renouveau radical qui lui a permis de créer ce pour quoi il s'était toujours battu : "J'ai eu besoin de tout ce temps pour atteindre le stade où je peux dire ce que je veux dire" Jusqu'à sa mort, il sera pris en charge par Lydia Delectorskaya, qui avait également posé pour l'artiste à de nombreuses reprises. Avec l'aide d'assistants, il se met à créer des collages de papier découpé, souvent à grande échelle, appelés gouaches découpées. En manœuvrant des ciseaux à travers des feuilles de papier préparées, il a inauguré une nouvelle phase de sa carrière. Le découpage n'était pas une abdication de la peinture et de la sculpture : il l'appelait "peinture avec des ciseaux" Matisse a dit : "Seul ce que j'ai créé après la maladie constitue mon vrai moi : libre, libéré." De plus, l'expérimentation des découpages offre à Matisse d'innombrables occasions de façonner un nouvel environnement esthétique : "Vous voyez comme je suis obligé de rester souvent au lit à cause de l'état de ma santé, j'ai fait un petit jardin tout autour de moi où je peux me promener...". Il y a des feuilles, des fruits, un oiseau." En 1947, il publie Jazz , un livre à tirage limité contenant des collages colorés en papier découpé, accompagnés de ses pensées écrites. Dans les années 1940, il a également travaillé comme graphiste et a réalisé des illustrations en noir et blanc pour plusieurs livres. "Les murs de ma chambre sont couverts de découpages", écrit-il à Rouveyre en 1948. "Je ne sais toujours pas ce que je vais faire d'eux." DEUXIÈME GUERRE MONDIALE En 1941, son fils Pierre signale que Matisse a subi une grave opération. Ses amis ont tenté de persuader l'artiste vieillissant de quitter la France, mais Matisse a déclaré : "Si tous les gens talentueux quittaient la France, le pays serait beaucoup plus pauvre. J'ai commencé ma vie d'artiste très pauvre, et je n'ai pas peur d'être pauvre à nouveau. . . . L'art a sa valeur ; il est une recherche de la vérité et la vérité est tout ce qui compte." La Seconde Guerre mondiale a entraîné un effondrement total des structures de vie de Matisse : sa santé, son mariage et le sort inconnu de ses tableaux en Russie ainsi que dans la France occupée. En 1943, pour échapper à la menace d'un bombardement allié sur Nice, Henri Matisse s'installe dans la villa Le Rêve, dans la banlieue de Vence. Construit en 1930 pour une famille anglaise, ce lieu allait devenir sa maison et son studio pendant les cinq années suivantes. C'est là qu'il a non seulement peint et dessiné, mais aussi créé la série de papiers découpés Jazz. Matisse a décrit ce procédé comme "le dessin aux ciseaux" en expliquant : "Les papiers découpés me permettent de dessiner en colon ; je le vois comme une simplification. Au lieu de dessiner le contour et d'y mettre de la couleur - l'un modifiant l'autre - je dessine directement en couleur." Réalisés entre 1943 et 1944, les 20 papiers collés découpés pour Jazz ont été traduits en pochoirs, qui ont ensuite été imprimés et publiés dans une édition de 270 exemplaires en 1947. Les sujets des planches de Jazz vont du cirque à la mythologie en passant par la nature. Les planches sont accompagnées d'un texte composé et écrit à la main par l'artiste lui-même. Matisse voulait que le texte, qui expose le rôle de l'artiste, ait une fonction essentiellement visuelle. L'amour de Matisse pour ses colombes et ses chats Minouche et Coussi ressort de façon touchante dans une série de photographies prises à la Villa Le Rêve par Hélène Adant, une cousine de Lydia Delectorskaya. La passion de Matisse pour les oiseaux (et plus particulièrement les colombes) débute durant l'été 1936. De retour à Paris et se promenant le long des berges de la Seine, ses l'attention a été attirée par les marchands vendant une variété d'oiseaux chanteurs et de colombes en cage. Il rentrait chez lui avec cinq ou six oiseaux à la fois et se délectait de leurs formes et de leurs couleurs, de leur plumage et de leur chant. Son amour des oiseaux a duré le reste de sa vie. Vers la fin de sa vie, Matisse a donné à Picasso, qui aimait les oiseaux et possédait lui-même des canaris et des pigeons, le dernier de ses pigeons de fantaisie. Picasso a dessiné son portrait sur la célèbre affiche, Colombe de la paix. Pendant la guerre, Matisse s'est isolé et a rarement exprimé ses sentiments politiques et a protégé son art de la politique en toutes circonstances. On sait qu'il a créé l'idylle domestique réverbérante La leçon de piano pendant l'été 1916, alors que la mort balançait à Verdun. Pendant la Seconde Guerre mondiale, la Résistance française a touché les deux femmes les plus importantes de sa vie, Amélie et Marguerite. Marguerite était dactylo pour la clandestinité communiste, et Marguerite, qui servait de coursier - ainsi que son fils Jean, qui participait à des opérations de sabotage. (Amélie a été emprisonnée pendant six mois ; Marguerite a été torturée par la Gestapo mais s'est échappée d'un wagon à bestiaux qui était bloqué sur son chemin vers un camp de prisonniers en Allemagne pendant les derniers mois chaotiques de la guerre. Matisse, totalement apolitique, a été choqué lorsqu'il a appris que sa fille Marguerite l'avait été. CORRESPONDANCE Dans les années 1941-1954, Matisse a entretenu une correspondance unique avec le dessinateur et écrivain satirique français André Rouveyre (1879-1962), dans laquelle sa production et ses innovations permanentes sont reflétées et réfractées. Il s'agit peut-être de la plus belle correspondance du XXe siècle et elle raconte l'histoire d'une amitié importante. Matisse et Rouveyre se sont rencontrés alors qu'ils étaient jeunes étudiants à l'École des Beaux-Arts de Paris à la fin des années 1890, mais les cours de leurs vies sont rapidement devenus très différents, et leurs chemins ont largement divergé au cours des années suivantes. Ce n'est que lorsqu'ils se sont retrouvés par hasard pendant la guerre, après l'opération de Matisse, que leur étroite amitié s'est développée. Malgré les différences flagrantes entre eux, Rouveyre, comme le montre la correspondance, a suivi de près le processus de travail de Matisse. Cette correspondance se distingue de toutes les autres par son ampleur et sa fréquence - pendant de longues périodes, ils se sont écrits quotidiennement, parfois plusieurs fois par jour - et par l'abondance de dessins, d'esquisses et d'enveloppes décorées par Matisse. Ces lettres, empreintes d'intimité et d'un humour irrésistible, évoquent aussi bien les événements de la vie quotidienne que l'œuvre de Matisse et nous offrent ainsi un aperçu unique du processus créatif de l'artiste et de ses réflexions sur sa vie et son œuvre. Vers la fin de sa vie, Matisse a connu un nouvel élan de créativité dans une série d'œuvres d'une pureté, d'un raffinement et d'une liberté sans précédent, manifestations d'un véritable "style tardif". La créativité de Matisse s'étend au domaine des arts graphiques et de l'illustration de livres, cette dernière ayant débuté alors qu'il avait déjà la soixantaine, avec les illustrations des Poésies de Stéphane Mallarmé (1932). DERNIÈRES ANNÉES : CHAPELLE DU ROSAIRE À VENCE En 1951, Matisse achève un projet monumental de quatre ans consistant à concevoir l'intérieur, les vitraux et les décorations de la Chapelle du Rosaire à Vence. Ce projet a horrifié la hiérarchie catholique mais aussi le monde de l'art contemporain alors largement influencé par le dogme communiste. On dit souvent que Picasso a recommandé à Matisse de décorer une maison close à la place. Ce projet est le résultat de l'étroite amitié entre Matisse et Sœur Jacques-Marie. La couverture médiatique n'a pas toujours été très utile, et les journalistes ont donné un caractère sensationnel à la relation entre l'artiste et la religieuse. Sœur Jacques-Marie maintient qu'il ne s'est jamais rien passé de fâcheux entre elles. Mais leur affection profonde l'un pour l'autre est évidente dans sa conversation et dans des bribes de sa correspondance. Sœur Jacques-Marie a rencontré Matisse en 1942, alors qu'elle était une étudiante infirmière nommée Monique Bourgeois et que Matisse, âgé de 70 ans et se remettant d'un cancer de l'intestin, passait une annonce pour trouver une "jeune et jolie infirmière de nuit". Le prestige de Matisse était tel qu'il a pu largement financer lui-même le projet. Une fois achevée, la chapelle a été inaugurée en 1951 lors d'une cérémonie dirigée par l'archevêque de Nice. D'abord déconcertées, les sœurs du couvent ont fini par aimer sa chaste sérénité et ses couleurs éclatantes. Pendant qu'il travaillait, les modèles et les assistants étaient jalousement gardés, coupés de tout contact extérieur et plus ou moins confinés dans les locaux. Picasso, accompagné de son amante, Françoise Gilot, était un visiteur fréquent et bienvenu. Tout en s'affrontant comme de vieux duellistes, ils ont parlé d'art. Il avait fallu quatre ans pour achever la chapelle et avait épuisé Matisse, qui ne pouvait plus se tenir debout pendant de longues périodes et devait attacher son pinceau à une longue perche. Mais chez lui, assis sur son lit ou dans un fauteuil roulant, il continue à faire des découpages à la gouache. Après que Rouveyre l'ait taquiné pour avoir embrassé la religion, Matisse a exhorté son ami à regarder son découpage d'une femme nue, Zulma, au Salon de mai à Paris en 1950 : "Tu verras l'éveil des convertis", a-t-il rétorqué. La Gerbe, des feuilles multicolores qui ressemblent à une gerbe de fleurs, a été achevée quelques mois avant sa mort, mais elle explose de vie. L'artiste qui a presque réinventé la couleur dans la peinture avait désormais trouvé la liberté dans la simplicité de la décoration. "J'en ai la maîtrise", dit-il à Rouveyre dans une lettre. "J'en suis sûr." En 1952, le Musée Matisse est inauguré dans la maison natale de l'artiste, Le Cateau-Cambrésis, à laquelle il a fait don de 100 de ses œuvres, dont la valeur s'élève à 14 millions de dollars. Matisse meurt d'une crise cardiaque à l'âge de quatre-vingt-quatre ans, le 3 novembre 1954, avec Marguerite et Delectorskaya à ses côtés. Lydia Delectorskaya est partie immédiatement avec la valise qu'elle avait gardée fermée pendant quinze ans. Il est enterré dans le cimetière du Monastère Notre Dame de Cimiez et un musée Matisse a été ouvert dans la région.

Créateur:
(after) Henri Matisse (Français)
Dimensions:
Hauteur : 76 cm (29,93 po)Largeur : 56 cm (22,05 po)Profondeur : 1 mm (0,04 po)
Support:
Lithographie
Mouvement et style:
Impressionnisme abstrait
Période:
1920-1929
État:
Adresse de la galerie:
Collonge Bellerive, Geneve, CH
Numéro de référence:
1stDibs : LU16121990243

400 $US

H 24 po l 19 po

Agnese Taurina, Le rêve, œuvre d'art figurative, œuvres d'art florale, estampes d'affirmation

Par Agnese Negriba

The Dream [2022] original Acrylique, pigments naturels sur papier Taille de l'image : H:70 cm x L:100 cm Taille complète de l'œuvre non encadrée : H:70 cm x L:100 cm x P:0.1cm Vendu...

Catégorie

années 2010, Abstrait, Estampes - Figuratif

Matériaux

Papier, Acrylique, Pigment

Agnese Negriba
Agnese Taurina, Le rêve, œuvre d'art figurative, œuvres d'art florale, estampes d'affirmation, 2022

Lithographie

d'après Henri Matisse - Acrobat

1 565 $US

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