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Mel RamosHav-a-Havana Mel Ramos à Kantor Gallery, édition limitée signée à la main par Mel Ramos1997
1997
À propos de cet article
Mel Ramos à la Kantor Gallery (signé à la main), 1997
Lithographie offset en édition limitée (signée par Mel Ramos)
Signé et daté au crayon sur la partie inférieure du recto
Cadre inclus : cadre en bois foncé avec plexi UV
Cette superbe affiche lithographique offset en édition limitée a été publiée par la Kantor Gallery pour célébrer l'exposition de Mel Ramos en 1997. Elle est signée à la main au crayon par Ramos. Elle présente l'œuvre de Ramos intitulée Hav-a-Havana, réalisée en 1996. Non numéroté de l'édition limitée à 200 exemplaires. Acquis directement auprès de la Kantor Gallery dans leur cadre en bois d'origine.
Mesures :
Cadre :
15 x 21.5 x 1.5 pouces
Imprimer :
12 x 18 pouces
Editeur :
(a) Gallery
Biographie de l'artiste pop Mel Ramos
En 1954, Ramos commence à étudier l'art et l'histoire de l'art au Sacramento Junior College et à la California State University sous la direction de Wayne Thiebaud. En 1958, il occupe un poste d'enseignant au lycée Elk Grove et à l'université d'État de Californie. Les sujets de ses propres œuvres du début des années soixante sont tirés du monde de l'image et de la bande dessinée. Après avoir participé à l'exposition "Pop Goes the East" au Contemporary Art Museum de Houston en 1963, l'artiste s'impose comme l'un des principaux représentants du pop art aux côtés de Warhol, Lichtenstein et Rosenquist avec sa première exposition personnelle à la Bianchini Gallery de New York l'année suivante. Au milieu des années soixante, Mel Ramos se tourne vers la représentation de figures féminines isolées :
Des pin-up issues de publicités et de magazines sont drapées sur des articles commerciaux peints pour parodier les gestes triviaux et glamour de l'industrie publicitaire, qui tente d'influencer le choix du consommateur par de telles stratégies de marketing. En 1967, une autre exposition unique est organisée au Museum of Modern Art de San Francisco. En 1972, l'artiste présente ses œuvres au musée des beaux-arts de l'Utah à Salt Lake City, puis à l'exposition "Pop Art" au Whitney Museum of American Art de New York en 1974. En 1977, Ramos fait l'objet d'une rétrospective au Oakland Museum of California. En 1980, il occupe une chaire à l'université d'État de Californie à Hayward. C'est alors que le peintre s'intéresse aux autoportraits et à la peinture de paysage. En 1986, Ramos obtient la National Endowment for the Arts Visual Artists Fellowship Grant. Cette année-là, il participe à un échange de boursiers entre l'Amérique et la France, suivi de voyages en Sicile et à Ténériffe en 1987 et 1991. Depuis 1992, l'artiste vit et travaille en Californie et en Espagne. Les commentaires de Ramos sur son art sont succincts : "Je veille à ce que mes photos ne soient pas trop érotiques et à ce qu'elles aient toujours une pointe d'humour. Je veille à ce qu'ils soient de bon goût. Soit vous le comprenez, soit vous ne le comprenez pas".
- Créateur:Mel Ramos (1935, Américain)
- Année de création:1997
- Dimensions:Hauteur : 38,1 cm (15 po)Largeur : 54,61 cm (21,5 po)Profondeur : 3,81 cm (1,5 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:New York, NY
- Numéro de référence:1stDibs : LU1745214547692
Mel Ramos
Les peintures provocantes et humoristiques de Mel Ramos mêlent des femmes nues idéalisées à l'imagerie de la culture populaire - bouteilles de Coca-Cola, affiches de cinéma, etc. Artistics prolifique depuis son émergence dans les années 1960, Ramos a souvent basé ses nus sur les célébrités féminines de l'époque, de Marilyn Monroe à Scarlett Johansson. Son style fait référence à la sensualité et à l'aplat brillant des pin-ups et des pages de Playboy et a suscité l'ire des féministes et des critiques d'art, bien que Ramos affirme que ses œuvres sont "apolitiques". Bien qu'il s'inscrive clairement dans la lignée du pop art en s'appropriant l'imagerie des médias de masse et des produits de consommation, Calle qualifie sa pratique d'enracinée dans le surréalisme, qui met l'accent sur les "conjonctions absurdes" - dans son cas, une belle femme nue émergeant d'un emballage de Snickers ou se prélassant de manière séduisante dans un banana split.
À propos du vendeur
5,0
Vendeur Platine
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Daguerréotypes sans titre, 2001
Deux (2) empreintes digitales pigmentées de l'iris à partir d'un daguerroeotype imprimées sur une seule feuille de papier vélin
22 × 29 1/4 pouces
Signée au crayon, datée et numérotée au recto de l'édition de 100 exemplaires.
Non encadré
La présente œuvre est un daguerréotype signé au crayon et numéroté qui fait partie de la série "Médecins du monde" de 2001. Gotting a déclaré : "Je ne m'intéresse pas aux daguerréotypes parce qu'il s'agit d'un procédé ancien. Je les aime parce que, de mon point de vue, la photographie n'a jamais été meilleure qu'en 1840... Les photographies sont souvent si grandes aujourd'hui que vingt ou trente personnes peuvent en regarder une en même temps, mais un daguerréotype est l'image la plus intime réalisée avec un appareil photo, parce qu'elle est petite et qu'une seule personne peut la regarder."
Imprimeur : Universal Limited Art Editions, East Islip, New York / ULAE & Brand X Editions
Éditeur : Médecins du monde / Art of this Century, NY
Littérature : "The Art of Heal s" qui répertorie les œuvres du portfolio. Chuck Close Prints : Process and Collaboration de Terrie Sultan et Richard Shiff (2014) ; Chuck Close Prints : Process and Collaboration par Terrie Sultan et Richard Shiff (2003) ; Chuck Close : Editions - a Catalogue Raisonne and Exhibition - Butler Institute of Art (1989)
En savoir plus sur Chuck Close :
Chuck Close est connu pour ses portraits conceptuels innovants, représentant ses sujets, qui sont transposés à partir de photographies, en données visuelles organisées par des compositions en grille.
Tout au long de son enfance et de son adolescence, Close a utilisé l'art comme moyen de surmonter un trouble de l'apprentissage. Il a continué à développer ses compétences artistiques en suivant des cours d'art privés, en dessinant et en peignant d'après des modèles vivants. Étudiant à l'université de Washington (BA, 1962), puis à Yale (BFA 1963 ; MFA 1964), il commence à imiter les styles d'Arshile Gorky et de Willem de Kooning, se considérant comme un expressionniste abstrait de la troisième vague et, tout en explorant ce vocabulaire, il passe du biomorphisme à la figuration.
Après avoir étudié à l'Akademie der Bildenden Künste de Vienne (1964) grâce à une bourse Fulbright, Close retourne aux États-Unis en 1965. Il a enseigné la peinture à l'université du Massachusetts, à Amherst, où il a obtenu sa première exposition personnelle en 1967. Cherchant à rompre avec le style gestuel qui avait caractérisé ses travaux d'étudiant, Close s'est orienté vers une figuration influencée par le pop avant d'adopter les outils de l'art commercial et de l'illustration. Basant ses peintures sur l'imagerie photographique, Whiting réduit sa palette au noir et blanc, ce qui culmine avec son tableau à grande échelle Big Nude (1967). Son exposition personnelle de 1967, qui présentait des peintures de nus masculins...
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Black Flag Santa Monica Civic Auditorium, 11 juin 1983. Santa Monica, CA. Flyer / prospectus pour un concert de Black Flag, Misfits, Vandals avec des illustrations de Pettibon. Portant le cachet de la poste de 1983 au verso ; rare en tant que tel étant donné le cachet de la SST au verso (la maison de disques de Black Flag).
Impression offset ; 8.5 x 11 pouces.
La signature imprimée de Pettibon figure en bas à droite.
Condit : Signes mineurs de manipulation et de décoloration ou de jaunissement ; lignes de pliage et marques d'agrafes en haut et en bas au centre (elles étaient à l'origine agrafées ensemble et postées) ; dans l'ensemble très bon état compte tenu de l'âge et du support.
Portant le cachet de la poste de 1983 et adressée à la main au verso. Rare.
Flea, le bassiste des Red Hot Chili Peppers, a déclaré un jour à propos des illustrations de Black Flag et du logo emblématique de Pettibon : "Avant de savoir ce qu'était Black Flag, je me souviens m'être promené à Hollywood, avoir vu les prospectus de Raymond et m'être dit : "C'est quoi ce bordel ?" Ces prospectus me donnaient l'impression qu'il se passait quelque chose, que c'était romantique, mystérieux et lourd, et que je ne savais pas ce que c'était, mais que je voulais le savoir."
À propos de Raymond Pettibon (Américain né en 1957)
Raymond Pettibon est un artiste américain contemporain connu pour ses dessins à l'encre stylisés combinant images et textes. Ses récits inventifs mêlent contenu historique et culture de consommation pour aboutir à des critiques incisives de la société contemporaine. "Je rendais mon travail aussi transparent que possible, sans équivoques, sans attirer l'attention sur lui-même, sans excuses", a-t-il expliqué. "Il y a beaucoup de conventions dans le monde de l'art qu'il ne faut pas transgresser, mais mon économie de moyens ne se plie pas à ces règles strictes." Né Raymond Ginn le 16 juin 1957 à Tucson, AZ, l'artiste est autodidacte, mais cite des dessins de William Blake, Edward Hopper, Francisco Goya et John Sloan comme instructifs pour sa pratique. Derivement inspiré par les bandes dessinées, les dessins animés et d'autres iconographies de la culture pop, Pettibon a commencé à concevoir des couvertures d'albums et des documents éphémères pour le groupe de son frère, Black Flag, au milieu des années 1970. Il a ensuite réalisé des pochettes pour Sonic Youth, les Minutemen et les Foo Fighters...
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