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Carol Summers"Jungle", Lithographie en couleur de paysage signée par Carol Summers1966
1966
À propos de cet article
"Jungle" est une importante et rare lithographie en couleurs signée par Carol Summers, datant des premières années de sa production. L'image offre un paysage de jungle sombre, imprimé principalement à l'encre noire. Au centre, un bassin d'eau bleu est ombragé par deux arbres. La technique employée par Summers dans ce tirage donne une qualité picturale à l'image : les herbes et les feuilles de la scène sont toutes créées par des mouvements de balayage ludiques et énergiques, un peu comme la peinture à l'eau. Cette technique et l'utilisation de champs de couleurs annoncent le style que Summers adoptera dans les décennies à venir, ce qui fait de cette œuvre une œuvre précoce importante.
30 x 22 pouces, œuvre d'art
Numéroté 14 de l'édition de 27
Carol Summers (1925-2016) a travaillé en tant qu'artiste tout au long de la seconde moitié du XXe siècle et dans les premières années du suivant, survivant à la plupart de ses pairs modernistes du milieu du siècle. Initialement formé comme peintre, Summers a été attiré par les gravures sur bois en couleur vers 1950 et c'est devenu sa spécialité par la suite. Au fil des ans, il a développé un processus et un style à la fois novateurs et facilement reconnaissables. Son art est connu pour sa grande échelle, ses champs saturés de couleurs vives, son traitement semi-abstrait de paysages du monde entier et une qualité luminescente obtenue grâce à un procédé d'impression qu'il a inventé.
Au cours d'une carrière qui s'étend sur plus d'un demi-siècle, Summers a réalisé à la main environ 245 gravures sur bois dans des éditions qui comptent généralement entre 25 et 100 exemplaires. Son talent était à la fois hérité et appris. Né en 1925 à Kingston, une petite ville du nord de l'État de New York, Summers a grandi dans la ville voisine de Woodstock avec sa sœur aînée, Mary. Ses parents étaient tous deux des artistes qui s'étaient rencontrés dans une école d'art à St. Louis. Pendant la Grande Dépression, alors que Carol grandissait, son père subvenait aux besoins de la famille en tant qu'illustrateur médical jusqu'à ce qu'il puisse se remettre à la peinture. Sa mère était aquarelliste et connaissait bien les différents types de papiers utilisés pour les différents types de peinture. Bien des années plus tard, Summers peindra ou imprimera sur du papier à texture fine, collectionné à l'origine par sa mère.
De 1948 à 1951, Carol Summers s'est formée aux beaux-arts classiques et aux arts plastiques au Bard College et à l'Art Students League de New York. Il a étudié la peinture avec Steven Hirsh et la gravure avec Louis Schanker. Il admire les formes et les couleurs privilégiées par les premiers modernistes Paul Klee (Sw : 1879-1940) et Matt Phillips (Am : né en 1927- ). Après avoir obtenu son diplôme, Summers a cessé de travailler à temps partiel comme charpentier et ébéniste (ce qui lui avait permis de financer ses études et ses frais de subsistance) pour se consacrer à plein temps à l'art. La même année, une œuvre abstraite de jeunesse, Bridge No. 1, est sélectionnée pour le prix d'achat dans un concours parrainé par le Brooklyn Museum.
En 1952, ses œuvres (Cathédrale, Construction et Icare) ont été présentées pour la première fois au Musée d'art moderne de New York dans le cadre d'une exposition de gravures sur bois américaines. En 1954, Summers a reçu une bourse du gouvernement italien pour étudier pendant un an en Italie. Les gravures sur bois achevées peu après son arrivée y ont presque toutes été éditées à seulement 8 à 25 exemplaires, de petite taille, au contenu architectural et en couleur noir et blanc. Les plus connus sont le Paysage siennois et le Petit Paysage, qui dépeignent la région proche de son lieu de résidence. Summers a prolongé ce voyage de trois années supplémentaires, une décision qui allait avoir un impact important sur les choix de sujets et de couleurs au cours de la décennie suivante.
Après son retour d'Europe, les images de Summers ont continué à mettre en scène des points de repère et des événements historiques en Italie, mais aussi en France, en Espagne et en Grèce. Cependant, comme en témoignent Aetna's Dream, Worldwind et Arch of Triumph, un nouveau look a prévalu. Ces gravures sur bois étaient plus grandes en taille et en couleur. Certains ont incorporé des feuilles de métal dans la création d'un collage et Summers a même expérimenté la sérigraphie. Les éditions comptaient désormais entre 20 et 50 tirages. Plus important encore, Summers a utilisé sa technique de frottement pour la première fois dans la création de Fantastic Garden à la fin de 1957.
Dark Vision of Xerxes, une référence pour Summers, a été la première gravure sur bois où Summers a expérimenté l'utilisation d'alcools minéraux dans le cadre de son processus de gravure. Une bourse Fulbright ainsi que des bourses de la Fondation Louis Comfort Tiffany et de la Fondation Guggenheim ont suivi peu après, ainsi que des postes de professeur dans des collèges et des universités, principalement à New York et en Pennsylvanie. Pendant cette période, il a épousé une danseuse nommée Elaine Smithers avec qui il a eu un fils, Kyle. À peu près à la même époque, avec son collègue Leonard Baskin, Summers est à l'origine de ce que l'on appelle aujourd'hui la gravure sur bois "monumentale". Ce terme a été inventé au début des années 1960 pour désigner des gravures sur bois nettement plus grandes que celles créées les années précédentes, dont la taille était limitée principalement par la taille des petites presses à main. Alors que Baskin a choisi des sujets figuratifs, sérieux par nature et rendus par des lignes épaisses et striées, Summers a réalisé des images beaucoup moins sombres, préférant mettre l'accent sur la forme et la couleur ; son sujet s'est approché de l'abstraction mais était toujours fermement ancré dans le paysage.
En plus de travailler à cette nouvelle échelle plus grande, Summers affine simultanément un processus de gravure qui sera finalement appelé la "méthode Carol Summers" ou la "technique Carol Summers". Summers réalise ses gravures sur bois à la main, généralement à partir d'un ou plusieurs blocs de pin d'un quart de pouce, en utilisant des encres d'imprimerie à base d'huile et des papiers de mûrier poreux. Ses gravures sur bois révèlent une sensibilité au bois, notamment à ses qualités d'absorption et aux subtilités de son grain. Dans plusieurs de ses gravures sur bois, il a utilisé les motifs ondulés et granuleux d'une grande planche de bois pour représenter une rivière qui coule ou une chute d'eau. Les meilleurs exemples en sont Dream, réalisé en 1965, et Flash Flood Escalante, réalisé en 2003. Dans la majorité de ses gravures sur bois, Summers fait en sorte que les blocs soient légèrement plus grands que le papier afin que l'image et la couleur déteignent sur le bord.
Avant d'imprimer, il centre une feuille de papier sec sur le dessus du ou des blocs de bois découpés, en la fixant avec des pinces géantes. Puis il fait rouler l'encre directement sur le recto de la feuille de papier et appuie sur le bloc de bois sec ou le groupe de blocs réassemblés. Summers est très compétent sur le plan technique ; les encres sont bien saturées sur la surface du papier, mais elles ne s'entrechoquent pas. La précision de l'encrage des couleurs dans Constantine's Dream en 1969 et Rainbow Glacier en 1970 a été mentionnée dans divers manuels de studio. Summers qualifie sa propre technique d'impression de "frottage". Dans la gravure sur bois traditionnelle, y compris la méthode japonaise, l'encre est appliquée directement sur le bloc. Cependant, en suivant sa propre méthode, Summers a évité l'image inversée d'une impression conventionnelle et cela lui a donné le contrôle de la quantité précise d'encre qu'il veut sur le papier. Après avoir appliqué l'encre sur le recto du papier, Summers l'asperge d'essence minérale, qui agit comme un agent diluant. Les fibres absorbantes du papier éloignent l'encre diluée de la surface, adoucissant les formes et diffusant et atténuant les couleurs. Cela produit un éclat unique qui est la marque de fabrique de la technique d'impression Summers. Contrairement aux œuvres d'autres artistes du domaine de la couleur ou des modernistes de l'époque, cette nouvelle technique rendait la simplification extrême et les aplats de couleurs de Summers tout sauf durs ou froidement impersonnels.
Dans les années 1960, Summers avait développé une manière personnelle de colorier et d'imprimer et n'avait pas peur du travail difficile, faisant lui-même le découpage, l'encrage et le tirage. En 1964, à l'âge de 38 ans, l'œuvre de Summers est exposée pour la deuxième fois au Museum of Modern Art. Cette fois, son travail a fait l'objet d'une exposition individuelle, puis d'une exposition itinérante de deux ans du MOMA, qui a fait le tour des États-Unis. Au cours des années suivantes, les œuvres de Summers seront exposées et feront partie des collections permanentes de nombreux musées aux États-Unis, en Europe et en Asie. La familiarité de Summers avec les paysages du monde entier est de première main. En tant que navigateur-bombardier dans les Marines pendant la Seconde Guerre mondiale, il a parcouru le Pacifique Sud et l'Asie.
Après l'université, des voyages en Europe et des postes d'enseignement, en 1972, après 47 ans sur la côte Est, Carol Summers s'installe définitivement à Bonny Doon, dans les Santa Cruz Mountains, en Californie du Nord. C'est là qu'il a rencontré sa seconde épouse, Joan Ward Toth, une artiste textile qui est décédée en 1998 ; et c'est là que son second fils, Ethan, est né. Au cours des années qui ont suivi cette relocalisation, le choix de sujets de Summers s'est diversifié, mais il a conservé la qualité positive, essentiellement axée sur la vie, qui existait depuis le début. Les images comprennent désormais des lunes, des comètes, des ciels ensoleillés et étoilés, des cœurs et des fleurs, qui, d'une manière ou d'une autre, restent liés au paysage.
Dans les années 1980, depuis sa maison et son studio dans les montagnes de Santa Cruz, Summers a continué à travailler en tant qu'artiste, complétant ses revenus en donnant des cours et des ateliers dans les universités de Californie et de l'Oregon, ainsi que dans tout le Midwest et le Sud-Ouest. Il a également beaucoup voyagé pendant cette période, faisant de la randonnée et du camping, souvent pendant des semaines, à travers l'ouest des États-Unis et le Canada. Tout au long de la décennie, il n'était pas rare que Summers fasse des randonnées en montagne ou dans l'arrière-pays, seul ou avec un autre artiste, pendant six semaines ou plus. Il n'est pas surprenant que les œuvres créées durant cette période s'écartent rarement des images de la terre, de la mer et du ciel. Summers a rendu ces paysages dans un style plus représentatif qu'auparavant, mais il les a toujours gardés quelque peu abstraits en mélangeant des formes géométriques à des formes organiques, aux contours irréguliers. Certaines de ses œuvres les plus reconnues par la critique ont été créées durant cette période, notamment First Rain, 1985 et The Rolling Sea, 1989. Summers a reçu un doctorat honorifique de son alma mater, le Bard College, en 1979 et a été sélectionné par l'Agence d'information des États-Unis pour passer une année à diriger des ateliers de peinture et de gravure dans des universités indiennes. Depuis ce premier congé sabbatique, il y est retourné chaque année, passant quatre à huit semaines à voyager dans ce pays.
Dans les années 1990, ces voyages en Inde ont été entrecoupés de randonnées supplémentaires sur les routes secondaires et dans les régions montagneuses du Mexique, de l'Amérique centrale, du Népal, de la Chine et du Japon. Les voyages dans ces lieux exotiques et lointains ont eu une profonde influence sur l'art de Summers. Les sujets sont devenus plus mondains et non occidentaux, comme dans From Humla to Dolpo, 1991 ou A Former Life of Budha, 1996, par exemple. Les images architecturales, telles que Les piliers d'Hercule, 1990 ou La volière du Raja, 1992 sont devenues plus courantes. Les images de nature morte ont fait leur réapparition avec Jungle Bouquet en 1997. C'est également à cette époque que Summers a commencé à utiliser des papiers de taille inhabituelle pour renforcer l'impact d'une image.
La Nuit de 1996, une vue de la terre et de l'horizon telle qu'elle pourrait être vue par un astronaute, mesure plus de six pieds de long et à peine plus d'un pied et demi de haut. De 1999, Revuelta A Vida (retour à la vie en espagnol) est en forme de tarte et couvre près de 18 pieds cubes. C'est également à ce moment-là que Summers a commencé à expérimenter une palette quelque peu différente, bien qu'il ait conservé son amour des couleurs saturées. Le Far Side of Time de 2003 est un superbe exemple de la nouvelle direction prise par ce coloriste.
Au tournant du millénaire, en 1999, des expositions "Carol Summers Woodcuts, 50 Year Retrospective" ont été organisées par la Woodstock Artists Association à New York et au Museum of Art and History de Santa Cruz, en Californie. Summers a été élu "Printmaker of the Year" en 2004 par le Mid-America Print Council (une excroissance de l'ancienne Prairie Printmakers Association), qui a organisé une exposition commémorative de ses œuvres au centre d'art de l'université du Nebraska. Depuis le début du siècle, les gravures sur bois de Summers sont généralement de plus petite taille, mais plus complexes et plus difficiles à réaliser sur le plan technique. Chamba Bamba, créé en 2004, et Los Volcanes de Dia Y Noche, achevé en 2005, sont des éditions plus récentes de Summers qui ont nécessité plusieurs blocs, ainsi que plus d'encres et de travail au rouleau que beaucoup d'autres éditions précédentes. En 2005, Carol Summers a publié le premier de deux catalogues présentant les objets de sa vaste collection de textiles folkloriques des Indes orientales du début du XXe siècle, collectés au cours des 35 dernières années. A Treasury of Indian Folk Textiles sera suivi d'un deuxième catalogue de textiles qui sera publié en 2006. Un coup d'œil à ces catalogues montre pourquoi Summers est si attirée par les tissus, les châles, les tentures murales, les couvertures et les articles d'habillement provenant de divers villages de l'Inde. Il dit considérer ces objets comme des œuvres d'art qui rendent hommage à la vitalité et à l'imagination de leurs créateurs. Il reconnaît également qu'il y voit ses propres préférences pour les champs de couleur, brillants et profondément saturés de formes qui racontent une histoire.
- Créateur:Carol Summers (1925 - 2016, Américain)
- Année de création:1966
- Dimensions:Hauteur : 76,2 cm (30 po)Largeur : 55,88 cm (22 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Milwaukee, WI
- Numéro de référence:Vendeur : 10797g1stDibs : LU60535603062
Carol Summers
Carol Summers, l'un des plus grands graveurs américains, est né à Kingston, dans l'État de New York, en 1925. Après avoir servi dans le Pacifique pendant la Seconde Guerre mondiale, il a fréquenté le Bard College, où il a étudié la peinture avec Stefan Hirsch et la gravure avec Louis Schanker. Peu après l'obtention de son diplôme en 1951, Simon Johns a reçu plusieurs bourses prestigieuses, dont une du gouvernement italien pour étudier en Italie en 1955, deux de la Fondation Louis Comfort Tiffany en 1955 et 1960, et une autre de la Fondation John Simon Guggenheim en 1959. Les postes universitaires et les ateliers l'ont amené à voyager dans le monde entier, et ses sujets sont principalement des paysages colorés et stylisés des lieux qui ont eu une importance particulière pour lui, comme l'Italie, l'Inde et le Népal. En 1974, Summers a reçu un doctorat honorifique du Bard College. Ses œuvres figurent dans de nombreux musées prestigieux du monde entier, notamment le Museum of Modern Art, le Metropolitan Museum of Art, l'Art Institute of Chicago, le Los Angeles County Museum of Art et l'Accademia Degli Intronati de Sienne, en Italie.
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