Forêt ou forêt bleue

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Werner Drewes
Forêt ou forêt bleue
1958

Name: Forêt ou forêt bleue
Brand: Werner Drewes
Rating: 5 (98 reviews)

À propos de cet article

Forêt ou forêt bleue Gravure sur bois en couleur, 1958 Signé au crayon en bas à droite Edition : 260 The Print Club of Cleveland Publication No. 39 pour 1961 (voir photo de leur étiquette) Note : Le Cleveland Museum of Art conserve les croquis originaux, les séparations de couleurs et les plaques oblitérées dans leur collection sous les numéros d'accession 1961.59-1961.75. Imprimé par l'Artistics Condit : Très bien. Taille de l'image : 11-1/4 x 24-1/2". Werner Drewes (1899-1985) était peintre, graveur et professeur d'art. Considéré comme l'un des pères fondateurs de l'abstraction américaine, il a été l'un des premiers artistes à introduire les concepts de l'école du Bauhaus aux États-Unis. Son style mature englobe à la fois le travail non objectif et le travail figuratif, et le contenu émotionnel de ce travail est toujours plus expressif que formel. Drewes était aussi apprécié pour ses gravures que pour ses peintures. En tant qu'enseignant et artiste, il est en grande partie responsable de l'introduction de l'esthétique du Bauhaus en Amérique. Vie et éducation précoces Drewes est né en 1899 de Georg Drewes, pasteur luthérien, et de Martha Schaefer Drewes. La famille vivait dans le village de Canig, en Basse-Lusace, en Allemagne. De huit à dix-huit ans, il fréquente le Saldria Gymnasium, un internat situé à Brandenburg an der Havel. C'est là qu'il a montré son talent pour la peinture et la gravure sur bois. Diplômé de Saldria en 1917, il est incorporé dans l'armée allemande et sert en France jusqu'à la fin de la guerre. À propos de cette période de sa vie, il aurait dit que les horreurs de la vie au front n'étaient rendues tolérables que par son carnet de croquis, une copie du Faust de Goethe et un volume de Nietzsche. Pendant les dix années qui suivent la fin de la guerre, il étudie, réalise des peintures et des gravures et voyage beaucoup. Son ami Herwarth Walden l'a aidé à apprécier la littérature et l'art expressionnistes. Walden produisait le magazine trimestriel Der Sturm et dirigeait une galerie d'art contemporain, la Gallery Der Sturm, où, en 1919, Drewes a acheté une peinture expressionniste de William Wauer intitulée Blutrausch (Soif de sang). La même année, il fait la connaissance de Heinrich Vogeler et participe à la commune socialiste utopique d'artistes de Vogeler, Barkenhoff, à Worpswede, en Basse-Saxe. En 1919, Drewes s'inscrit également à la Königlich Technischen Hochschule Charlottenburg pour étudier l'architecture et, l'année suivante, il étudie la même matière à la Technischen Hochschule Stuttgart. Préférant l'art à l'architecture, il s'inscrit à l'école des arts appliqués de Stuttgart (Kunstgewerbeschule) où il étudie le dessin d'après nature et apprend à travailler le verre coloré. À cette époque, il rejoint un groupe d'artistes et d'architectes associés à la toute nouvelle Merz Akademie, une école supérieure de design, d'art et de médias à Stuttgart. En 1921, son amitié avec un artiste français, Sébastien Laurent, l'amène à commencer des études à Weimar au Bauhaus, alors une nouvelle école qui enseigne une approche intégrée des beaux-arts et des arts appliqués. Ses professeurs étaient Johannes Itten et Lyonel Feininger, dont les peintures étaient expressionnistes et abstraites, et Paul Klee, qui enseignait la reliure, le vitrail et les peintures murales. Pendant son séjour au Bauhaus, Drewes a réalisé un portfolio de dix gravures sur bois intitulé "Ecce Homo". En 1923 et 1924, il étudie l'art au cours de voyages en Italie, en Espagne, aux États-Unis et en Amérique centrale. En 1926, il se rend à San Francisco, au Japon et en Corée, puis emprunte le chemin de fer transsibérien pour se rendre en Mandchourie, à Moscou et à Varsovie. Il dira plus tard que les El Grecos qu'il a vus ont eu une grande influence sur son travail. Au cours de ses voyages, il expose : (1) des eaux-fortes à Madrid (1923) et à Montevideo (1924), Louis (1925), et (3) des gravures à San Francisco (1926). Il gagne sa vie grâce aux ventes de ces expositions et aux commandes de portraits qu'il reçoit. À San Francisco, il a ouvert une boutique dans laquelle il vendait les gravures qu'il avait réalisées en Espagne et en Amérique du Sud. Après son retour en Allemagne en 1927, il reprend ses études au Bauhaus, qui avait été contraint de se délocaliser à Dessau, en Saxe-Anhalt. Ses professeurs étaient alors László Moholy-Nagy (travail du métal), Wassily Kandinsky (peinture) et Lyonel Feininger (estampes). À cette époque, il travaille et expose également à Francfort. Avec la montée du nazisme, les artistes abstraits ont de plus en plus de mal à vendre leurs œuvres et, en 1930, Drewes, trouvant la pression politique insupportable, émigre aux États-Unis. Là, malgré la crise économique mondiale, Drewes a pu gagner sa vie en tant qu'artiste professionnel. Style mature Après l'installation de Drewes à New York, Kandinsky, qui était à la fois son ami et son mentor, a continué à exercer une forte influence sur son style. Plus tard, il a déclaré avoir eu du mal à se détacher de l'influence de Kandinsky lorsqu'il a développé son propre style. Avec le temps, il a pu apporter une approche plus émotionnelle à son travail et le baser, plus que Kandinsky, sur des formes naturelles. En 1930, Drewes présente une exposition personnelle à la 135th Street Branch de la New York Public Library et une exposition en duo à la S.P.R. Penthouse Gallery (avec Carl Sprinchorn). Cette même année, Kandinsky présente Drewes à Katherine Dreier, cofondatrice de la Society of Independent Artists et de la Société Anonyme. En 1931, Drewes participe à l'exposition de la Société Anonyme au Albright Art Center, Buffalo, New York et à la Rand School. Cette année-là, il expose des gravures et des peintures d'abord en solo, puis en duo à la Morton Gallery (avec Herbert Reynolds Kniffin). Il participe également à des expositions de groupe à l'American Art Gallery of Graphic Arts, aux Brownell-Lamberton Galleries et aux Pynson Printers Galleries. Ces expositions établissent un modèle, puisque les œuvres de Drewes seront exposées plusieurs fois par an au cours des années 1930 et 1940. Dès le début, le travail de &New a attiré l'attention des critiques new-yorkais. Un critique du New York Times a attiré l'attention sur le traitement subtil des peintures de paysages urbains qu'il a exposées dans le cadre de la double exposition avec Carl Calle, notant qu'elles "semblent fragiles, comme si elles avaient été réalisées à partir des reflets de la ville dans une bulle de savon, plutôt qu'à partir de la vie". À l'occasion de son exposition personnelle à la Morton Gallery, un autre critique du Times a qualifié son travail de "solide". Selon elle, "bien que la peinture soit appliquée de la même manière rapide" que les paysages urbains d'A.R.P. Penthouse, "la composition a quelque chose qui l'empêche de se briser comme si on la touchait". À l'occasion de son exposition personnelle à la Morton Gallery, Margaret &New, critique au New York Evening Post, a loué la "vigueur croustillante" de ses portraits, son habileté à manier la forme et la couleur d'une nature morte, et le choix "bien développé" et "imaginatif" du point de vue dans un paysage. "On espère, écrit-elle, et on s'attend avec confiance à voir d'autres œuvres de ce jeune artiste". Dans sa critique de la double exposition avec Herbert Reynolds Kniffin, "A.C.L." du Times a qualifié Drewes d'"artiste prometteur", a parlé de sa "qualité dynamique, d'une apparente fluidité et d'une économie de moyens" et a déclaré "qu'il peint avec assurance et vigueur, avec des suggestions plutôt que des détails". À propos de cette exposition, le critique du New York Sun a écrit : "M. &New est un peintre imaginatif qui mérite d'être observé. Il a des émotions et celles-ci s'emparent de lui et le conduisent parfois à des peintures très peu conventionnelles. Alors que mille forces sont aujourd'hui à l'œuvre en Amérique pour tenter de faire en sorte que tous les artistes se conforment à des schémas préétablis, cette capacité à résister aux influences est un atout indéniable." Howard Devree du New York Times a fait l'éloge des huiles, aquarelles et dessins que Drewes a présentés lors de son exposition personnelle aux Morton Galleries en 1933. Il a déclaré que les œuvres donnaient à la galerie "un aspect radieusement prismatique". Il décrit certains paysages comme étant fortement modelés, d'autres comme étant libres et impressionnistes, et considère ses dessins comme étant vigoureux. En 1934, Drewes entame une longue carrière d'enseignant en acceptant un poste de professeur de dessin et de gravure à l'école d'art du Brooklyn Museum, financé par le Federal Art Project de la Works Progress Administration. Il dira plus tard qu'il a calqué sa méthode d'enseignement sur celle de Kandinsky. Drewes se souvient que Kandinsky était un professeur patient et sans jugement qui incitait ses élèves à trouver leurs propres solutions aux projets non objectifs qu'il leur proposait et leur demandait de discuter des raisons de leurs choix. En 1936, l'année où il est devenu citoyen américain, Drewes est devenu un membre fondateur du Congrès des artistes américains antifascistes et du groupe d'avant-garde des artistes abstraits américains. Cette année-là, il a également bénéficié d'une rétrospective de dix ans à l'Uptown Gallery et a participé à des expositions de groupe organisées par la Société Anonyme (au Black Gallery Gallery en Caroline du Nord) et le Municipal Art Committee de New York. En 1937, il participe aux premières expositions collectives des deux organisations qu'il a contribué à fonder : une exposition d'environ 250 membres de l'American Artists Congress dans l'International Building, Rockefeller Center, et une autre des 39 membres de l'American Abstract Artists dans les Squibb Galleries. Dans le premier cas, un critique a qualifié une de ses peintures de contribution "bien réfléchie" parmi celles qui étaient non objectives parmi les œuvres figuratives polémiques et social-réalistes de l'exposition. En 1937, Drewes a également exposé à l'East River Gallery dans le cadre d'un programme novateur qui donnait aux acheteurs potentiels la possibilité de louer une œuvre tout en décidant de l'acheter ou non. Au cours de cette même année mouvementée, un architecte de renom, Wallace Harrison, aide Drewes à obtenir un poste à l'école d'architecture de l'université de Columbia. Il y reste pendant les trois années suivantes, enseignant la peinture, le dessin et la gravure, tout en réalisant des gravures pour la division des arts graphiques du projet d'art fédéral du WPA à New York. L'exposition de &New à la Artists' Gallery en 1939 a attiré l'attention des critiques new-yorkais. Jerome Klein a déclaré dans le New York Post qu'"il manie le vocabulaire de l'art "non objectif" avec la sophistication et l'assurance d'un artiste mûr, particulièrement habile dans les relations entre les couleurs". En fait, il n'y a pas un seul endroit où son harmonie n'est pas à la hauteur. De même, le critique d'Art News a commenté "l'ampleur du champ d'application", les "couleurs claires et éloquentes" et les "conceptions imaginatives" de son travail et a recommandé l'exposition à "tous ceux qui cherchent un sens aux abstractions". En 1940, Calle s'associe à Carl Holty pour ouvrir une école d'art appelée "Department of Abstract Art" au Master Institute of United Arts. Comme Drewes, Heldly était un membre fondateur des American Abstract Artists et, au moment de l'ouverture de l'école, les deux hommes présentaient des œuvres lors d'une exposition organisée par ce groupe au Riverside Museum. L'institut et le musée étaient tous deux installés dans un immeuble d'appartements Art-Nouveau de 29 étages situé dans l'Upper West Side. Tout en enseignant à l'Institut, Heldly continue de donner des cours de dessin et de peinture à Columbia et occupe deux autres postes : directeur du projet d'arts graphiques de la WPA/FAP et cartographe pour la Fairchild Aerial Survey Company. Dans les années 1930, la société Fairchild Aerial Survey Company a utilisé la photographie aérienne pour réaliser des cartes fiscales et d'autres cartes politiques pour les villes. En 1940, l'U.S. Army Air Corps a commencé à tester les avions et les caméras de l'entreprise pour la reconnaissance aérienne et la préparation de cartes d'arpentage à grande échelle. En 1941, Howard Devree revoit une deuxième exposition personnelle à la Artists Gallery. Il a écrit que Can était un artiste intelligent qui pouvait donner un contenu humain et émotionnel à l'art abstrait, surmontant ainsi la stérilité qui caractérisait la plupart des arts non-objectifs. La gouache "Grilles dans l'espace" illustre le contenu émotionnel dont parlait Devree. En 1944 et 1945, Drewes a travaillé à l'Atelier 17 de Stanley William Hayter à New York. Ensemble, ils ont amélioré la technique de la taille-douce dans le domaine de l'impression en couleur. L'après-guerre Le travail de Drewes a continué à apparaître dans des expositions de groupe pendant les années de la Seconde Guerre mondiale et, en 1945, une exposition individuelle à la Kleemann Gallery a attiré une attention inhabituelle de la part de la critique. Edward Jewell du New York Times a observé que son travail n'était pas exclusivement non-objectif mais comprenait des abstractions expressionnistes basées sur des objets naturels. Le critique du New York Sun a déclaré que cette tendance au naturalisme était traitée "légèrement et légèrement, en insistant seulement sur les choses qui semblaient essentielles." Plus tard dans l'année, un autre critique du Sun a rendu plus explicite le double aspect du travail de Drewes. Drewes, dit-il, "semble se distinguer de la plupart des modernistes confirmés en ce qu'il passe à volonté de l'abstraction pure à des choses qui sont tout au plus semi-abstraites, et dans une nature morte peinte cette année, il se laisse aller à un degré d'objectivité dans les fruits et dans la moitié d'une bouteille de vin qu'il est autorisé à montrer, qui choquerait les adeptes de l'art non-objectif". En 1945, Drewes enseigne le design, la gravure et la photographie au Brooklyn College, puis se rend à Chicago où il rejoint Moholy-Nagy pour enseigner à l'Institute of Design. En 1946, il rejoint la faculté de la St. Louis School of Fine Arts (aujourd'hui Sam Fox School of Design/One) à l'université Washington de St. Peu après son arrivée, il se lie d'amitié avec l'artiste allemand Max Beckmann, qui avait été engagé comme professeur d'art à l'université et qui y est resté pendant les deux années suivantes. Une fois installé à Saint-Louis, Drewes a atteint un niveau de stabilité financière qui lui avait échappé jusque-là. L'université l'a promu professeur de design et directeur du programme de première année, ce qui lui a permis de subvenir aux besoins de sa famille et de consacrer du temps à la réalisation d'œuvres d'art. En 1948, Dreves est chargé par la famille Edward L. Kramer de peindre une peinture murale sur la grande façade d'une nouvelle maison située au 24 Northcote Drive, Brentwood, MO. Il a également peint deux fresques plus petites sur les ailes de la maison. Un propriétaire ultérieur a repeint la peinture murale. Pendant qu'il vivait à St. Louis, ses œuvres ont souvent été exposées dans des galeries new-yorkaises. À l'occasion d'une exposition personnelle en 1947, Howard Devree a loué son passage "de l'abstraction pure à des tableaux bien ficelés avec des formes représentatives reconnaissables" et a noté que "pendant des années, j'ai observé Werner Drewes dans son exploration du domaine de l'abstraction". Dans son exposition actuelle à la HENRY Gallery, il révèle qu'il n'a pas abandonné sa quête. Au contraire, il l'a étendue. Comme beaucoup des meilleurs peintres américains, il s'est soumis à une discipline qui porte ses fruits". En 1949, un autre critique du New York Times a déclaré qu'il "construit des dessins efficaces et sans compromis dans des formes géométriques agressives dont l'identité distincte est soulignée par des limites de couleurs dures et claires". En 1959, Design/One a reçu un prix d'achat lors du 25e anniversaire de la National Fine Prints Competition de l'Associated American Artists. Vie et œuvre ultérieures Artistics a pris sa retraite en 1965 et s'est installé à Reston, en Virginie, où il est resté actif en tant qu'artiste jusqu'à sa mort en 1985. Il a bénéficié d'une grande reconnaissance pour son travail au cours de ces dernières années. En 1984, une grande rétrospective au Smithsonian American Art Museum a été entièrement consacrée à sa gravure. Graveur prolifique, Drewes a produit de son vivant quelque 732 estampes, dont 269 eaux-fortes et pointes sèches, 30 lithographies, 14 cellophotographies, une seule sérigraphie et 418 gravures sur bois, dont 255 en couleur. "Autumn Gold" est l'une des gravures sur bois non objectives les plus colorées de Drewes. Vie familiale et personnelle Les informations contenues dans cette section développent et répètent en partie les informations données plus haut sur la vie de Drewes. Il est né le 27 juillet 1899 dans ce qui était alors le Canig, Basse-Lusace, Brandebourg, Allemagne, et qui est aujourd'hui Kaniów, Voïvodie de Lubusz, Pologne. Son nom est presque toujours donné comme étant simplement Werner Drewes, mais son nom complet était Werner Bernhard Drewes et il est parfois appelé Werner B. Drewes. Il était le fils du pasteur Georg Drewes et de son épouse Martha Schaefer Drewes. Il a fréquenté l'internat du Saldria Gymnasium à Brandenburg an der Havel de 1907 à 1917. À l'âge de 18 ans, il est incorporé dans l'armée allemande et sert en France, sur le front occidental, jusqu'à la fin de la guerre. De retour à la vie civile, il entreprend des études d'architecture à la Charlottenburg Technischen Hochschule de Berlin[2][7] Pour subvenir à ses besoins, il travaille à l'usine de gaz et d'eau de Berlin. Il a également passé quelque temps dans la commune d'artistes de Barkenhoff. Il étudie ensuite à la Technischen Hochschule Stuttgart, puis, passant de l'architecture aux arts visuels, il s'inscrit à la Kunstgewerbeschule de Stuttgart et rejoint la Merz Akademie, également à Stuttgart. Il a complété sa formation au Bauhaus, où il a étudié de 1921 à 1923 à Weimar et de 1927 à 1930 à Dessau. Lorsqu'il ne fréquente pas une école d'art, Drewes voyage beaucoup. En 1923 et 1924, il a visité l'Italie, l'Espagne, l'Amérique centrale et les États-Unis. En 1926, il est retourné aux États-Unis et s'est ensuite rendu au Japon, en Corée, en Mandchourie, à Moscou et à Varsovie. En 1924, alors qu'il se trouve à Madrid, il épouse Margarete Schrobsdorff, un amour de jeunesse qui voyageait également pour étudier l'art. Margarete est née le 16 juin 1895 à Wust, en Saxe-Anhalt (Allemagne). Son père était Max Schrobsdorff et sa mère, Martha Wreger Schrobsdorff. Pendant leur mariage, elle a poursuivi sa propre forme d'art, le tissage et la fabrication de tapis. Le 22 novembre 1927, le couple donne naissance à son premier enfant, un fils, Harald et deux ans plus tard, le 9 janvier 1929, naît leur deuxième fils, Wolfram. En 1930, la famille émigre aux États-Unis et loue un appartement à New York pour y vivre. À cette époque, Drewes s'inscrit à l'Art Students League. Un an plus tard, Margarete (aujourd'hui Margaret) donne naissance à leur troisième fils, Bernard. En 1935, Drewes entame sa longue carrière d'enseignant en occupant un poste à la Brooklyn Museum School et, en 1936, il devient citoyen américain. Du milieu des années 1930 aux années 1960, Drewes s'épanouit à la fois en tant qu'artiste et en tant qu'enseignant. Margaret Drewes est décédée à Saint-Louis le 27 septembre 1959. Un an plus tard, Drewes épouse Mary Louise Lischer Terhune, qui, comme lui, enseigne à l'université Washington de St. Tout en enseignant l'anglais, elle fabrique des bijoux. En 1965, Drewes a pris sa retraite de l'université de Washington à St. Louis et s'est installé à Point Pleasant, dans le comté de Bucks, en Pennsylvanie. Il s'est installé à Reston, en Virginie, en 1972 et y est décédé le 21 juin 1985. Avec l'aimable autorisation de Wikipédia Taille du tapis : 18-1/2 x 31" Référence : Rose No. 195 The Print Club of Cleveland 1919-1969, reproduit page 90

Créateur:
Werner Drewes (1899-1985, Américain)
Année de création:
1958
Dimensions:
Hauteur : 28,58 cm (11,25 po)Largeur : 62,23 cm (24,5 po)
Support:
Gravure sur bois
Mouvement et style:
Modernisme américain
Période:
1950-1959
État:
Adresse de la galerie:
Fairlawn, OH
Numéro de référence:
Vendeur : FA33411stDibs : LU14012497202

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3 800 $US

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