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Sadao WatanabeBergers - Tableau en bois de Sadao Watanabe - Fin du XXe siècleFin du 20e siècle
Fin du 20e siècle
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À propos de cet article
Bergers est une œuvre originale de xylographie réalisée par Sadao Watanabe.
L'état de conservation est très bon.
Cette œuvre d'art a été spécialement conçue pour le fonds d'aide au voyage des étudiants de l'association des femmes des universités du Japon.
L'œuvre d'art est habilement représentée par des couleurs harmonieuses dans une composition bien équilibrée.
- Créateur:Sadao Watanabe (1913 - 1998, Japonais)
- Année de création:Fin du 20e siècle
- Dimensions:Hauteur : 19,5 cm (7,68 po)Largeur : 30 cm (11,82 po)Profondeur : 1 mm (0,04 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- Encadrement:Options d'encadrement disponibles
- État:Une assurance peut être demandée par les clients comme service supplémentaire, contactez-nous pour plus d'informations.
- Adresse de la galerie:Roma, IT
- Numéro de référence:Vendeur : M-1183101stDibs : LU65037967802
Sadao Watanabe
Sadao Watanabe, né à Tokyo en 1913, a utilisé le médium appelé kappazuri ("impression au pochoir"), une technique apparentée au "katazome" ("teinture au pochoir"). Le "katazome" serait originaire d'Okinawa (la méthode y était appelée "bingata"). Le papier le plus utilisé au Japon pour l'impression au pochoir est le "shibugami", composé de plusieurs couches de papier "kozo" laminé avec du tanin de kaki. Les feuilles sont séchées et fumées pour les renforcer et les rendre flexibles et imperméables. Une fois que l'artiste a réalisé un dessin, celui-ci est fixé sur le "shibugami" à l'aide d'une fine colle. Le motif de base est ensuite gravé dans un pochoir à "empreinte de clé" (l'équivalent du bloc de clé dans l'impression sur bois) appelé "omogata". Si les couleurs seront également utilisées pour le dessin final, des pochoirs distincts sont parfois découpés pour chaque couleur. Si le motif du pochoir présente des lignes fines, celles-ci peuvent être renforcées par de la gaze de soie, ce qui permet tout de même une impression uniforme des couleurs. La première étape du processus d'impression consiste en l'application et le séchage d'une pâte colorante-résistante destinée à recouvrir toutes les parties du dessin qui ne seront pas imprimées par le motif. Les motifs et les couleurs peuvent ensuite être brossés sur le pochoir en n'affectant que les zones dépourvues de pâte de réserve. Généralement, les premières couleurs imprimées sont les zones claires afin que les couleurs plus foncées puissent être surimprimées. Une fois toutes les couleurs imprimées et séchées, le pochoir d'impression de la clé est finalement utilisé pour imprimer le motif de la clé sur toutes les couleurs précédentes. La pâte de réserve de teinture est ensuite lavée (appelée "mizumoto", "laver à l'eau") et le papier est séché sur une planche de bois. Watanabe imprimait généralement sur un fond coloré, c'est-à-dire qu'il appliquait d'abord une couleur sur le papier. Watanabe, qui a été baptisé chrétien en 1930, a basé ses dessins exclusivement sur des sujets bibliques, bien que ses histoires et figures chrétiennes soient interprétées à travers un filtre de techniques japonaises traditionnelles et même de quelques anciennes gravures de figures bouddhistes. Le mouvement de l'art populaire au Japon a commencé dans les années 1930 comme une tentative de maintenir en vie divers arts traditionnels, parmi lesquels l'impression au pochoir. Watanabe a été l'un des premiers membres d'un groupe restreint mais important d'artistes qui se sont consacrés à l'apprentissage et à la préservation de ces arts. Les gravures bibliques de Watanabe, qui suscitent l'émotion, sont populaires dans le monde entier et ont été accrochées au Vatican, à la Maison Blanche, dans des musées et dans des collections privées.
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Arthur Kolnik, peintre et graveur juif Ivano-Frankivsk (Ukraine) 1890 - Paris (France) 1972
Arthur Kolnik est né à Townes, une petite ville de Galicie, qui faisait alors partie de l'Empire austro-hongrois. Son père, originaire de Lituanie, était comptable et sa mère, originaire de Vienne, tenait un magasin. En 1905, il découvre la littérature yiddish à Czernowitz, à l'occasion de la première conférence sur la langue yiddish, organisée par plusieurs écrivains dont I.L.A. Peretz, Cholem Aleichem, Shalom Asch et Nomberg.
En 1909, Kolnik rejoint l'école des Beaux Arts de Cracovie et suit les cours de Jacek Malezcewski et de Joseph Mehoffer, un portraitiste et un artiste qui a réalisé des vitraux à Fribourg (Suisse).
Il est mobilisé dans l'armée autrichienne en 1914. Il est blessé en 1916 et rapatrié à Vienne, où il rencontre le peintre judaïque Isidor Kaufmann. En 1919, Kolnik s'installe à Czernowitz, alors annexée par la Roumanie. Il y rencontre l'écrivain et poète Itzik Manger et le conteur Eliezer Steinberg, pour lesquels il réalise plusieurs illustrations. En 1920, Kolnik part pour les États-Unis, emportant avec lui cinquante peintures, après avoir vu dans un journal yiddish une annonce concernant une exposition de peintres juifs polonais à New York. Il découvre qu'il est trop tard pour que ses peintures judaïques soient exposées dans le cadre de cette exposition, mais il rencontre par chance le photographe Alfred Stieglitz qui lui trouve une galerie et organise une exposition de ses œuvres.
En 1931, Kolnik arrive à Paris avec sa famille. Pendant plusieurs années, il abandonne la peinture. Sa femme enseigne le piano et il dessine pour des journaux de mode. En 1934, il réalise un album de vingt-quatre gravures, Sous le chapeau haut de forme, préfacé par Henri Barbusse. Il a ensuite réalisé douze planches pour Les Personnages de Grosbart. En 1948, il a illustré I.L.A. Métamorphoses d'une mélodie de Peretz.
En 1940, il est interné au camp du Récébédou en Haute-Garonne avec sa femme et sa fille.
Après la guerre, Arthur Kolnik a séjourné à Londres, New York, Cracovie, Vienne, Riga et Buenos Aires, où il a exposé ses œuvres. Il a collaboré à la revue Nos Artistes. En 1955, à New York, il reçoit le prix Chaban pour son œuvre graphique. En 1962, sa première exposition personnelle a lieu à Paris, à la Galerie Creuze. La même année, il se rend pour la première fois en Israël.
L'Ecole de Paris n'est pas un mouvement ou une institution artistique unique, mais fait référence à l'importance de Paris en tant que centre de l'art occidental dans les premières décennies du 20e siècle. Entre 1900 et 1940, la ville a attiré des artistes du monde entier et est devenue un centre d'activité artistique. L'expression "école de Paris" a été utilisée pour décrire cette communauté informelle, en particulier d'artistes non français, centrée sur les cafés, les salons et les espaces de travail et galeries partagés de Montparnasse. Avant la Première Guerre mondiale, un groupe d'expatriés à Paris a créé des œuvres d'art dans les styles du post-impressionnisme, du cubisme et du fauvisme. Le groupe comprenait des artistes tels que Pablo Picasso, Marc Chagall, Amedeo Modigliani et Piet Mondrian. Parmi les artistes français associés, citons Pierre Bonnard, Henri Matisse, Jean Metzinger et Albert Gleizes.
L'expression "École de Paris" a été utilisée en 1925 par André Warnod pour désigner les nombreux artistes d'origine étrangère qui avaient migré à Paris. Le terme s'est rapidement imposé, souvent comme une étiquette péjorative pour les critiques qui voyaient dans les artistes étrangers - dont beaucoup étaient juifs - une menace pour la pureté de l'art français. Le critique d'art Louis Vauxcelles, connu pour avoir inventé les termes "fauvisme" et "cubisme", Waldemar George, lui-même juif français, a déploré en 1931 que le nom d'École de Paris "permette à n'importe quel artiste de prétendre qu'il est français. il se réfère à la tradition française mais l'anéantit au contraire".
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Un sous-ensemble important, les artistes juifs, est connu sous le nom d'École juive de Paris ou d'École de Montparnasse. Les membres du noyau dur étaient presque tous juifs, et le ressentiment exprimé à leur égard par les critiques français dans les années 1930 était incontestablement alimenté par l'antisémitisme. Les membres juifs du groupe comprenaient Emmanuel Mané-Katz, Chaim Soutine, Adolphe Féder, Chagall, Moïse Kisling, Maxa Nordau...
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