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Paul Dubois (1829 Nogent-sur-Seine - 1905 Paris), chanteur de Florentine, 1865. Bronze patiné brun clair avec socle rond en fonte monté sur une base carrée en marbre (3,5 cm de haut). Hauteur totale 53 cm. Dimensions du bronze : 49,5 cm (hauteur) x 20 cm (longueur) x 10 cm (largeur), poids 5,6 kg. Inscrit sur le socle "P. [aul] DUBOIS", daté "1865", avec la marque de la fonderie "F. BARBEDIENNE FONDEUR" et le sigle "REDUCTION MECANIQUE A. COLLAS". - Patine très occasionnellement assombrie, luth avec perte d'une cheville d'accord, autrement en excellent état. - La renaissance de la Renaissance - Ce bronze est une réduction contemporaine, exécutée avec précision et coulée de main de maître, du chef-d'œuvre de Paul Dubois, la "Cantatrice Florentine", d'une hauteur de 155 cm, qui est exposé au musée d'Orsay et pour lequel l'artiste s'est vu décerner la médaille d'honneur au Salon de Paris en 1865. L'œuvre a agi comme un phare et a été suivie d'une pléthore de représentations de mineurs. Inspiré par Donatello et Luca della Robbia, mais aussi par des peintres comme Piero della Francesca, Benozzo Gozzoli et Pinturicchio, le "Florentine Singer" n'est pas une œuvre épigonale qui rendrait hommage à une époque révolue, mais une tentative réussie de puiser de la vitalité dans l'art du passé et de lui donner ainsi une nouvelle vie. L'effet de vitalité est au cœur de la théorie artistique de la Renaissance italienne. Pour se réaliser en tant qu'art, l'art devait apparaître comme la nature. Ce naturalisme caractérise également le "Florentine Singer". Le jeune homme semble avoir été arraché à la vie, ce qui est renforcé par le caractère momentané de son action. Il vient de faire vibrer une corde sensible qui est en train de s'estomper. En outre, l'aspect naturel est renforcé par le façonnage minutieux des détails figuratifs, tels que les lacets avec le cuir légèrement incurvé des chaussures, la boucle de ceinture ou l'ornementation sur le corps du luth. Même les ongles sont clairement définis. Cependant, contrairement à la Renaissance, l'effet de vivacité ne repose pas ici sur la "découverte" de la Nature et du corps humain, mais avant tout sur la redécouverte de l'art du Quattrocento. La vivacité de l'œuvre est donc en même temps une revitalisation de cet art, de sorte que l'on peut parler d'une Renaissance de la Renaissance, tout comme les préraphaélites en Angleterre ont en même temps transféré le Quattrocento à l'art contemporain. Dubois s'attaque au sujet le plus difficile qui soit, la représentation du chant par le biais de la sculpture silencieuse. Il a été précédé par Luca della Robbia et Donatello avec leurs chaires de chanteurs créées dans les années 1430 au Museo dell'Opera del Duomo à Florence. Par rapport à ces œuvres, la physionomie du chanteur Dubois est beaucoup moins animée, mais il représente aussi le chant de manière convaincante. Il utilise tout le corps. Il prend l'ancien contrapposto, essentiel à la sculpture de la Renaissance, et transforme la posture debout de jeu de jambes en un balancement en S de la fin du Moyen Âge, donnant au corps une beauté élégante et le mettant en même temps en mouvement mélodique. Dans la position des doigts, tout aussi élégante, la musique s'exprime de manière beaucoup plus littérale avec les battements du luth. Enfin, la musicalité de la sculpture culmine dans le visage à la bouche ouverte pour chanter. Par l'acte de chanter, qui est un grand défi à la volonté artistique de représenter la beauté parfaite, la grâce du visage classique n'est pas diminuée, mais mise en valeur. À partir du visage à la bouche chantante et du regard absorbé par les sons, la vitalité intérieure se diffuse, donnant à la sculpture en bronze une aura intense, renforcée par la musique. Dubois transfère la beauté de la Renaissance à la musique, sublimant la sculpture visible à l'invisible de la musique. Il relève le défi de transcender la Renaissance par la Renaissance, répondant ainsi à la Querelle des Anciens et des Modernes, née à la fin du XVIIe siècle autour de l'Académie française et restée virulente jusqu'au XIXe siècle, dans laquelle l'Antiquité était considérée soit comme un idéal inaccessible, soit comme une norme à dépasser. Avec son œuvre, Dubois a prouvé que la Renaissance, qui avait défendu l'art des anciens, pouvait déboucher sur une nouvelle renaissance de l'art. A propos de l'artiste Le grand-oncle de Paul était le célèbre sculpteur baroque français Jean-Baptiste Pigalle, dont le talentueux petit-neveu a suivi les traces. Lorsqu'il débute au Salon de Paris en 1858, il signe son œuvre "Dubois-Pigalle". Cependant, à la demande de son père, il étudie d'abord le droit avant de se consacrer à la sculpture sous la tutelle de François Christophe Armand Toussaint en 1856 et d'entrer à l'École des Beaux-Arts en 1858. De 1859 à 1863, il vit à Rome et se rend à Naples et à Florence. Inspiré par l'art florentin du quattrocento, Dubois a initié un style néo-florentin formant une école, qui combine les formes élégamment simples de la grâce juvénile avec une richesse précise de détails.Deux achats de l'État français ("envois de Rome...

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IBRAM LASSAW (Américain d'origine russe, 1913-2003), Pendentif sculptural Bronze doré Signé au verso Dimensions : 2-7/8''h, 2-1/4''w. Ibram Lassaw est né à Alexandrie, en Égypte, de parents émigrés juifs russes. Après avoir brièvement vécu à Marseille, en France, à Naples, en Italie, à Tunis, à Malte et à Constantinople, en Turquie, sa famille s'est installée à Brooklyn, dans l'État de New York, en 1921.Sa famille s'est installée à Brooklyn, dans l'État de New York. Il est devenu citoyen américain en 1928. Ibram Lassaw, l'un des premiers sculpteurs abstraits américains, était surtout connu pour ses sculptures soudées à espace ouvert en bronze, argent, cuivre et acier. S'inspirant du surréalisme, du constructivisme et du cubisme, Lassaw a mis au point une technique de soudage innovante qui lui a permis de créer des œuvres dynamiques, complexes et expressives en trois dimensions. Il étudie la sculpture pour la première fois en 1926 au Clay Club, puis au Beaux-Arts Institute of Design de New York. Il a réalisé des peintures et des dessins abstraits influencés par Kandinsky, Sophie Taeuber Arp et d'autres artistes. Il a également fréquenté le City College de New York. La rencontre de Lassaw avec l'art d'avant-garde lors de l'Exposition internationale d'art moderne (1926), organisée par la Société Anonyme au Musée de Brooklyn, l'a fortement impressionné. Au début des années 1930, il explore de nouveaux matériaux et des notions de sculpture en espace ouvert. Les idées de László Moholy-Nagy et de Buckminster Fuller étaient importantes pour lui, et il connaissait le travail de Julio González, de Pablo Picasso et des constructivistes russes. Après avoir expérimenté le plâtre, le caoutchouc et le fil de fer, Steele a commencé à travailler l'acier, qui est devenu un support fréquent pour l'artiste, ainsi que d'autres métaux. Son œuvre reflète l'influence d'artistes surréalistes tels qu'Alberto Giacometti et Joan Miro, ainsi que du moderniste américain Alexander Calder.Pionnier de la sculpture abstraite aux États-Unis, Lassaw a été en 1936 l'un des membres fondateurs de l'organisation American Abstract Artists. Entre 1933 et 1942, il a travaillé pour divers projets artistiques fédéraux : le Public Works of Art Project, la Civil Works Authority et le WPA, le Works Progress Administration Federal Art Project. En 1938, il réalise sa première œuvre soudée. Il a servi dans l'armée américaine, où il a appris les techniques de soudage direct. Au cours des années 1940, il expérimente les constructions en cage et les plastiques acryliques, ajoutant de la couleur à ses sculptures en appliquant de la teinture directement sur leur surface. En 1949, Lassaw est l'un des fondateurs du Club, un groupe de discussion informel d'artistes d'avant-garde qui s'est développé à partir de réunions dans son studio, sur la huitième rue. Au milieu des années 1930, Lassaw a travaillé brièvement pour le Public Works of Art Project (projet d'œuvres d'art publiques) en nettoyant des monuments sculptés autour de la ville de New York. Il a ensuite rejoint la WPA en tant qu'enseignant et sculpteur jusqu'à ce qu'il soit incorporé dans l'armée en 1942. La contribution de Lassaw à l'avancement de l'abstraction sculpturale est allée au-delà de la simple innovation formelle ; sa promotion des styles modernistes au cours des années 1930 a largement contribué à assurer le développement de l'art abstrait aux États-Unis. Il est l'un des membres fondateurs du groupe des American Abstract Artists, dont il a été le président de 1946 à 1949. En 1951, Samuel Kootz invite Lassaw à rejoindre sa galerie à New York. Il avait également une galerie d'été à Provincetown, MA. Lassaw passait l'été à Provincetown depuis 1944 et, en 1951, il a loué un appartement à côté de la Kootz Gallery...

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