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Peinture de corréggio Madonna huile sur table maître italien ancien 16ème siècle religieux1500-1570
1500-1570
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École d'Antonio Allegri, dit Correggio (Correggio c. 1489 - 1534)
Attribuable à Pomponio Allegri (Correggio, 1522 - Parma, 1593)
Vierge à l'enfant, deux anges et Jean-Baptiste
Huile sur panneau de bois, cm. 92 x 69, avec cadre cm. 119 x 96
L'œuvre, dont le format laisse supposer qu'elle était destinée à la dévotion domestique, illustre un agréable témoignage de l'art Elegien du plein XVIe siècle, avec des références évidentes à l'école d'Antonio Allegri, dit Correggio (Correggio c. 1489 - C.I.C. 1534 ), maître incontesté pour la grande élégance de ses créations, parfaitement calibrées entre finesse chromatique et effet dynamique, obtenu grâce à la concaténation de gestes et de regards.
Poussant à l'extrême la leçon de Léonard de Vinci, il réussit à saisir le lien le plus authentique entre les différentes figures et, de plus, par la douceur expressive de ses personnages et le large usage de la perspective, il s'impose dans la vallée du Pô comme le porteur le plus moderne et le plus audacieux des idéaux de la Renaissance.
Comme on le voit aussi dans notre belle table, il a opposé à l'explosion des couleurs vénitiennes et au maniérisme romain un style fluide, lumineux et d'une forte implication émotionnelle.
En approfondissant l'analyse stylistique, il est facile de placer la paternité entre les mains de Pomponio Allegri ; la mise en scène de la figure de la Vierge en particulier, avec la tête légèrement penchée, le regard baissé et la pose de son corps rappellent, presque en la copiant, la Madonna del Latte de Budapest réalisée par son père.
La composition, extrêmement raffinée, voit la Madone assise avec l'Enfant soutenu sur ses genoux, et est enrichie par la présence d'un couple d'anges, l'un tenant dans ses mains une branche pleine de cerises et l'autre en offrant une partie à l'enfant, fruits faisant allusion au Sinned originel, en vertu de la couleur rouge du sang de la Passion. Derrière, enfin, à droite, se trouve un jeune saint Jean-Baptiste, déjà doté de ses attributs typiques d'ermite dans le désert, à savoir la fourrure de chameau et le bâton avec la croix.
Détail de pure poésie, c'est ensuite le regard que l'on entrevoit à droite, traité avec une vigueur et un esprit de modernité rares pour l'époque, caractérisé par une couleur vive et une lumière claire, dévoilant un village et un suggestif château perché.
La production de Pomponio est très détaillée, puisque dans ses œuvres on peut voir amalgamés à la fois les recherches formelles et les linéarismes des derniers maniéristes de Parma et, surtout, les traits stylistiques nettement classiques proches de l'art de son père, Antonio Allegri dit Correggio (Correggio c. 1489 - Can.I.C. 1534).
Formé dans l'atelier paternel dont il fut l'élève, bien que pour une période très courte, ils manifestent la claire adhésion au goût et au style du maître et la fidélité à ses modules compositionnels et typologiques, qui témoignent de la dépendance de l'art de Pomponius à l'égard de celui du Corrège.
Les premières œuvres de Pomponio remontent à peu près au milieu du siècle et les fresques de la chapelle du Corpus Domini dans l'église de San Quirino à Correggio datent de 1546. En 1555, nous le savons alors à Reggio Emilia où il restera jusqu'au déménagement définitif à Parma en 1559, connaissant un certain succès de la part de la clientèle locale.
Dans le panneau, que nous pouvons situer à la pleine maturité du peintre, nous constatons que la typologie de la Vierge répond à un modèle particulier de sa production, caractérisé par une corporalité massive et, comme nous l'avons déjà anticipé, une conception iconographique typique du Corrège.
Le schéma de représentation proposé dans le tableau fait également référence aux gracieuses compositions paternelles : les personnages, caractérisés par des gestes rigides et retenus, s'organisent selon un schéma diagonal interrompu par la figure de Marie, inébranlable et immobile dans sa position encore assez centrale.
Pour plus d'informations, veuillez nous contacter.
L'œuvre, comme tous nos objets, est vendue avec un certificat d'authenticité photographique conformément à la loi.
- Année de création:1500-1570
- Dimensions:Hauteur : 119 cm (46,86 po)Largeur : 96 cm (37,8 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Cercle de:Antonio Allegri, known as Correggio (Correggio c. 1489 - 1534) (1489 - 1534, Italien)
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Riva del Garda, IT
- Numéro de référence:1stDibs : LU98819497162
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L'ouvrage est accompagné de l'expertise du professeur Stephan D. Pepper, datée du 5.12.96 (Rome).
Il s'agit d'une version de haute qualité de la célèbre "Sainte famille avec San Giovannino" créée en 1528 par Andrea del Sarto (Florence 1486 - 1530), l'un des représentants les plus remarquables parmi les protagonistes de la Renaissance florentine.
Plus connue sous le nom de "Sainte Famille Borgherini" en raison du nom du commanditaire Giovanni Borgherini, membre de l'une des plus importantes familles florentines de l'époque, elle est aujourd'hui conservée au Metropolitan Museum de New York (Inv. 22.75).
Avec cette composition grandiose et solennelle, Sarto confirme qu'il est "le peintre sans faille", comme aimait à l'appeler Giorgio Vasari : ses figures sont magistralement dessinées, rendues avec une splendide harmonie chromatique, et enfin la relation entre les figures, arrangée avec un air de noblesse, nous donne une chorégraphie sublime qui relie les quatre personnages.
Le tableau, commandé l'année même où Florence a réussi à se libérer de la domination des Médicis et s'est déclarée République, contient également une signification politique, avec Jean-Baptiste, le saint patron de la ville, qui offre le globe terrestre avec la croix à l'Enfant Jésus, en continuant à le serrer de ses mains, pour symboliser que les deux - donc la ville et l'Église - agiront comme protecteurs et garants de la liberté de la république de Florentine.
Considérée comme l'un des joyaux les plus importants de la Renaissance florentine, chef-d'œuvre de la première maturité du peintre, elle fut l'une des compositions les plus admirées et copiées de l'artiste, jouissant dès cette époque d'une fortune particulière auprès des collectionneurs florentins : ceci explique les nombreuses copies, autographes ou d'ateliers, qui enrichissent autant de musées internationaux [1].
Bien qu'il n'y ait pas, en termes de composition, une correspondance parfaite entre l'original et le tableau que nous proposons - qui reproduit en fait servilement la structure compositionnelle - il y a également des différences dans la disposition picturale et dans l'apparence qui en découle.
La très grande qualité picturale qui distingue cette œuvre nous permet d'en associer la paternité à un grand auteur d'origine florentine du début du XVIe siècle, qui a su restituer toute la poésie originale, tout en la personnalisant avec sa propre empreinte stylistique.
En particulier, la matière picturale appliquée de manière uniforme et la superbe utilisation des nuances, avec un modelé qui nous amène - comme le suggère Stephan D. Pepper dans son rapport - à redécouvrir la main juvénile d'Agnolo di Cosimo, dit "il Bronzino" (Monticelli di Florence, 1503 - Florence, 1572), maître incontesté pour la précision dans l'élaboration de la matière picturale et le traitement "voilant", avec lequel il rendait sa peinture glacée...
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