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Huybrecht BeuckelaerPortrait d'un artiste (peut-être un autoportrait)c. 1566
c. 1566
À propos de cet article
Provenance :
Bradley Collectional.
Collectional, Upperville, Virginie.
La littérature :
Katlijne van der Stighelen et Hans Vlieghe, Rubens : Portraits of Unidentified and Newly Identified Sitters painted in Antwerp, Corpus Rubenianum Ludwig Burchard, vol. 19, pt. 3, Londres et Turnhout, 2021, sous le n° de cat. 189, p. 161, et fig. 75.
Ce tableau était auparavant considéré comme étant l'œuvre d'un peintre toscan anonyme du XVIe siècle dans l'orbite d'Agnolo Bronzino. Si le tableau présente en effet une similitude formelle et compositionnelle frappante avec les portraits de Bronzino - comparez la pose presque identique du Portrait d'un jeune homme de Bronzino au Metropolitan Museum of Art (Fig. 1) - son style est totalement étranger aux œuvres italiennes de l'époque. Le fait qu'elle soit peinte sur un panneau de chêne est une indication supplémentaire de son origine non italienne.
Ce portrait peut en effet être attribué avec certitude à l'artiste anversois Huybrecht Beuckelaer. Huybrecht, frère de Joachim Beuckelaer, n'a été identifié que récemment comme l'auteur d'une œuvre distincte, autrefois regroupée sous le nom de "Monogrammist HB". Les études récentes de Kreidl, Wolters et Bruyn ont permis de délimiter sa remarquable carrière : de ses débuts avec Joachim dans l'atelier de Pieter Aertsen ; à ses voyages évidents en Italie où, a-t-on suggéré, il est entré en contact avec les peintures de Bronzino ; à son retour à Anvers, où il semble avoir aidé Anthonis Mor à peindre des costumes dans des portraits ; à son travail indépendant à Anvers (où il est entré dans la Guilde de Saint-Luc en 1579) ; et, plus tard, à sa carrière en Angleterre où, connu sous le nom de "Maître Hubberd", il a été patronné par le comte de Leicester. Katlijne van der Stighelen et Hans Vlieghe dans un volume du Corpus Rubenianum, dans lequel ils écrivent que le tableau "a un air très italien et s'inscrit de manière convaincante dans l'œuvre [de Beuckelaer]". Stighelen et Vlieghe comparent ce tableau avec le Portrait d'un homme, peut-être un architecte ou un géographe, de Peter Paul Ruben, conservé au Metropolitan Museum of Art, dans lequel le personnage tient un compas et porte un doublet de style similaire (Fig. 2).
Huybrecht a survécu et a voyagé plus loin que son frère Joachim, qui a fait sa carrière principalement à Anvers. Alors que Joachim était le principal héritier artistique de leur oncle et professeur, Pieter Aertson, travaillant dans un style et un format similaires en tant que spécialiste des peintures de genre et des natures mortes à grande échelle, Huybrecht s'est clairement spécialisé dans la peinture de portraits et a été fortement influencé par les artistes et les œuvres étrangères qu'il a rencontrés au cours de ses voyages. Sa vie péripatéticienne et sa main très personnelle ont sans aucun doute contribué au fait que sa carrière et sa production artistique n'ont été redécouvertes et reconstituées que récemment. Ses séjours à l'étranger semblent avoir coïncidé avec la phase de maturité de la carrière de son frère Joachim, qui s'est inscrit à la Guild d'Anvers bien plus tôt que son frère et s'est établi en tant que peintre indépendant en 1560. L'activité de Joachim se limite à la décennie et demie qui suit, et sa dernière œuvre date de la dernière année de sa vie, en 1574. Notre portrait a probablement été réalisé à la fin des années 1560, une datation confirmée par l'étude dendrochronologique effectuée par le Dr. Peter Klein, qui a établi qu'il est peint sur un panneau de chêne dont la date d'abattage la plus ancienne est 1558 et la date de fabrication environ 1566.
Ce tableau présente le portrait d'un artiste, presque certainement l'autoportrait de Huybrecht. Le jeune modèle pose avec assurance dans un doublet blanc à motifs frappants, avec un large col et une abondance de boutons. Il se tient debout, le bras droit en avant, ses mains exagérées étant à la fois une marque de fabrique de l'art de Huybrecht et de son frère Joachim, et une référence possible à la "main de l'artiste". Le personnage sort du tableau, interagissant intimement et directement avec le spectateur, alors que nous le voyons posé dans un intérieur, les outils et les résultats de son travail visibles à proximité. Il tient une équerre ou une règle dans sa main gauche, tandis qu'un compas de dessin est posé sur le tissu vert, dépassant du bord de la table. Derrière la table de droite, une partie d'une toile peinte représentant un ange tenant une trompette est tapie dans l'ombre. Il est intéressant de noter que, par rapport au rendu formel et précis de la figure et des éléments de la nature morte, la vignette en haut à droite - un paysage vu à travers une fenêtre ouverte - est traitée de manière très large et picturale, sans doute dans le but de montrer l'habileté de l'artiste en tant que peintre de paysages. La vue, qui ressemble quelque peu aux paysages expérimentaux d'Hercules Self-Portrait et les préfigure, comprend une figure solitaire qui dessine le paysage - probablement un deuxième autoportrait dans le tableau.
Le cœur de l'œuvre de Huybrecht est constitué par ses tableaux signés ("HB") : l'Enfant prodigue festoyant avec les prostituées et La servante de cuisine avec ses aides (tous deux conservés aux Musées royaux des beaux-arts de Bruxelles), ainsi que La première fête de Pâque de 1563 (anciennement marché de l'art, New York). À ceux-ci, les historiens de l'art en ont ajouté d'autres sur la base du style, dont plusieurs portraits, auxquels le présent ouvrage se conforme étroitement. Un groupe de portraits vaguement considérés comme étant de l'un ou l'autre peintre du cercle de Bronzino, mais clairement d'origine nordique, semblerait également être de l'artiste (comme le Portrait d'une dame, parfois donné à Santi di Tito, au Statens Museum, Copenhague).
- Créateur:Huybrecht Beuckelaer (Flamand)
- Année de création:c. 1566
- Dimensions:Hauteur : 71,12 cm (28 po)Largeur : 55,88 cm (22 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:New York, NY
- Numéro de référence:1stDibs : LU10212222212
À propos du vendeur
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Avec L'Antiquaire, Inc, New York
June Hirsch Jones, New York et Floride ; sa succession jusqu'en 2022.
La littérature :
George H. Story, Catalogue of Paintings in the Metropolitan Museum of Art, New York, 1901, pp. 30-31, 223, cat. no. 85, comme Volterrano, Head of An Angel (republié dans des éditions ultérieures : 1902, pp. 30-31, 285 ; 1904, pp. 30-31, 294).
Catalogue of Paintings in the Metropolitan Museum of Art, New York, 1905, p. 53, cat. no. 25, comme Volterrano, Head of An Angel (réédité en 1908 et 1911).
Bryson Burroughs, The Metropolitan Museum of Art : Catalogue of Paintings, New York, 1914, p. 277, cat. no. V822, comme Volterrano, Tête d'ange (republié en 1916, p. 311, cat. no. V822-1 ; 1917, p. 318 ; 1919, p. 331-332 ; 1920, p. 316, cat. no. V882-1 ; 1922, p. 326 ; 1924, p. 352 ; 1926, p. 373).
Ulrich Thieme et Felix Becker, "Baldassare Franchescini", dans Allgemeines Lexikon Der Bildenden Künstler Von Der Antike Bis Zur Gegenwart, vol. 12, Leipzig, 1916, p. 296, "im Metropol. Mus. Zu New York ein al fresco gemalter großer Engelkopf (Kat. 1914 n. 882)."
Harry B. Wehle, The Metropolitan Museum of Art : Catalogue of Paintings, vol. 1, "A Catalogue Italian, Spanish, and Byzantine Paintings", New York, 1940, pp. 264-265, comme Volterrano, An Angel and a Child.
Josephine Allen et Elizabeth Gardner, A Concise Catalogue of the European Paintings in the Metropolitan Museum of Art, New York, 1954, p. 100, comme Volterrano, An Angel and a Child.
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Taille de l'image : 29¼ x 23⅞ pouces
Cadre en bois peint
Provenance :
176, Collectional de Francis Greville, 1er comte de Warwick.
Les administrateurs de l'établissement de Lord Brooks, (retiré du château de Warwick).
Sotheby's, Londres, 22 mars 1968, lot 81.
Peint sur un panneau de bois, ce portrait montre un homme aux cheveux noirs de profil portant une chemise blanche ouverte. Ce vêtement est surmonté d'une cape noire richement détaillée, décorée de fils d'or et doublée d'une somptueuse doublure cramoisie. Avec la soie rouge à l'intérieur, tout cela est très cher et tomberait sous le coup des lois somptuaires - il s'agit donc d'un noble de haut rang.
Son air mélancolique est conforme à la popularité contemporaine de cette condition très humaine, évidente dans la poésie et la musique à la mode de l'époque. Contrairement à nos préjugés modernes, la mélancolie était associée à la créativité à cette époque.
Ce portrait figure dans la plus ancienne liste de photos du château de Warwick datant de 1762. Compilé par le collectionneur et antiquaire Sir William Musgrave "d'après les informations de Lord & Lady Warwick" (Add. MSS, 5726 fol. 3) est décrite ;
'8. Comte d'Essex - un original de Zuccharo - vu de profil avec des cheveux noirs. Il tient de la main droite une robe noire sur sa poitrine.
Même s'il est tentant d'imaginer qu'il s'agit d'un portrait de Robert Devereux, le deuxième comte d'Essex, il faut prendre cette hypothèse avec des pincettes. L'identification à cet élisabéthain romantique et fatal pourrait bien avoir été une tentative d'ajouter du romantisme aux murs du château de Warwick. Il ne correspond pas vraiment aux portraits réalisés par Essex vers 1600 après son retour de Cadix. Ce tableau a probablement été accroché non loin des deux portraits de la reine Élisabeth I. Le premier, et sans doute le meilleur, est l'exquis portrait du couronnement qui a été vendu par Lord Brooke à la fin des années 1970 et qui se trouve aujourd'hui à la National Portrait Gallery. Le second, décrit comme étant "une copie de l'original à Hyde", n'a pas encore refait surface.
Le portrait a fini par être accroché dans la chambre d'apparat du château de Warwick.
Les documents d'archives présentent un autre candidat intéressant. Le premier inventaire des peintures de la famille Greville, réalisé en 1630 à leur domicile de Brooke House à Holborn, Londres, décrit cinq portraits de personnages identifiés. Toutes les cinq appartenaient au courtisan, politicien et poète Sir Fulke Greville (1554-1628), 1er Baron Brooke, et étaient accrochées dans la "Gallerie" de Brooke House derrière des rideaux jaunes. L'un d'entre eux est décrit comme appartenant à "Lord of Pembrooke", ce qui correspond vraisemblablement à William Herbert (1580-1630), 3e comte de Pembroke. William est le fils aîné de Mary Sidney, la sœur du meilleur ami de Greville, et il a été élevé dans le foyer particulièrement littéraire et orienté vers la poésie que sa mère avait entretenu. Notamment, le 3e comte est l'un des personnages à qui le premier folio de Shakespeare a été dédié en 1623.
L'air mélancolique du portrait correspond aux prétentions de William lui-même en tant que personnage érudit et poétique. La richesse de la robe dans le tableau, arborant des fils d'or et un tissu noir tacheté, témoigne d'une richesse supérieure à celle d'un simple poète ou acteur. La datation du portrait aux alentours de 1600 pourrait avoir coïncidé avec la mort du père de William et son accession au comté de Pembroke. Cette période de sa vie est également empreinte de tristesse personnelle, car une liaison illicite avec une certaine Mary Fitton a abouti à une grossesse et à un bannissement par Élisabeth I+I à Wilton, après un bref séjour à la prison de Fleet. Son fils illégitime est mort peu après sa naissance. Bien que proche du comte d'Essex, William Earle avait évité de soutenir Devereux lors du soulèvement fatal contre la reine et avait fini par regagner les faveurs de la cour du monarque suivant, Jacques Ier.
Sa chemise de lin est bordée d'une délicate bordure de dentelle et sa cape noire est doublée à l'intérieur d'un somptueux tissu écarlate et richement décorée à l'extérieur d'un galon d'or et d'un motif de taches noires brodées.
Malgré la richesse de ses vêtements, William Herbert est présenté dans un état de semi-habillement échevelé, sa chemise n'étant pas lacée jusqu'au bas de sa poitrine et ses cravates tombant mollement sur sa main, ce qui indique qu'il est dans un état de détachement distrait. Il a été suggéré que la mode de la mélancolie était enracinée dans une augmentation de la conscience de soi et de la réflexion introspective à la fin du XVIe siècle et au début du XVIIe siècle.
Dans la littérature contemporaine, on disait que la mélancolie était causée par une plénitude de l'humeur mélancolique, l'une des quatre humeurs vitales, censées réguler les fonctions du corps. L'abondance de l'humeur mélancolique était associée à une créativité et à des capacités intellectuelles accrues, et la mélancolie était donc liée à la notion de génie, comme le montrent les travaux de Robert Burton, érudit d'Oxford, qui, dans son ouvrage "The Anatomy of Melancholy", décrit le mécontent comme "de tous les autres [le]... plus spirituel, [qui] provoque souvent un ravissement divin, et une sorte d'enthousiasme... qui les incite à devenir d'excellents philosophes, poètes et prophètes...". (R. Burton, The Anatomy of Melancholy, Londres, 1621 dans R. Strong, 'Elizabethan Malady : Melancholy in Elizabethan and Jacobean Portraits', Apollo, LXXIX, 1964).
La mélancolie était considérée comme une maladie très à la mode sous Élisabeth I et son successeur Jacques I, et les jeunes hommes riches adoptaient une attitude déprimée, se présentant souvent comme des érudits ou des amoureux découragés, comme en témoignent les portraits et la littérature de cette période. Bien que le modèle de ce portrait ne soit pas encore identifié, il est probable qu'il s'agissait d'un noble aux ambitions littéraires ou artistiques, dans la lignée de personnages aussi célèbres que l'aristocrate poète et dramaturge Edward de Vere, 17e comte d'Oxford (1550-1604).
L'œuvre peut également être comparée au portrait du poète John Donne...
Catégorie
Début du XVIIe siècle, Maîtres anciens, Peintures - Portrait
Matériaux
Huile, Panneau en bois