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Ed WarnerABSTRACT Homme noir Peinture ancienne Artiste contemporain Ed Warner Réinterprétation2023
2023
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Œuvre d'art dans une peinture ancienne. Table en bois
Le progrès et le développement de l'Occident, dont nous sommes si fiers, nous ont amenés à ce point. Une société où règnent l'hyper-individualisme, la perte de solidarité et un égocentrisme exacerbé.
L'art circule partout aujourd'hui, et le monde est totalement esthétisé. Mais il s'agit d'une esthétisation qui ne concerne que la virtualité des écrans. Cela génère une hypervisibilité, un excès d'images. Le monde virtuel nous donne l'illusion parfaite, mais c'est une illusion vide, pas une illusion artistique. Il prétend être un double de la réalité, une simple reproduction qui n'a rien à voir avec la créativité de l'art. Dans ce scénario, nous nous demandons si l'illusion esthétique et le pouvoir énigmatique de l'art peuvent encore exister.
Ed Warner s'attaque à cette façon contemporaine de vivre l'art. Et comment s'y prend-il ? L'humour et la réflexion sont les seuls outils encore puissants pour construire une quelconque profondeur. La force de la pensée réside dans le fait qu'elle ne peut être échangée contre quoi que ce soit. L'humour permet à l'artiste d'être critique sans tomber dans la vacuité du discours théorique. L'artiste préfère s'éloigner des moyens traditionnels de l'art, déjà bien pourris, et aborder l'art par les mots. De cette façon, l'artiste parodie le type de texte que l'on trouve dans le monde virtuel ou publicitaire. C'est un texte brutal, qui cherche le choc et le paradoxe en quelques mots.
En ce sens, l'œuvre de Warner entend également récupérer la relation historique entre l'art et la religion. Il ne s'agit pas de la religion en tant que dogme mais en tant que pur caractère sacré. Une sacralité qui a toujours caractérisé le travail artistique, mais qui se perd aujourd'hui. À notre époque contemporaine, la religion est devenue une pratique vide de sens, un simulacre du sentiment originel. Comme le dit le sociologue Baudrillard, on dit que l'art est devenu iconoclaste, alors qu'en réalité, il est devenu agnostique. Elle ne croit plus en son caractère sacré ni en sa finalité.
Ed Warner construit à partir des ruines de la tradition occidentale, en gardant toujours un œil sur l'avenir. L'artiste ne cherche pas à être la figure centrale ici. Son ego disparaît et ramène le sens artistique originel.
- Créateur:Ed Warner (1982)
- Année de création:2023
- Dimensions:Hauteur : 30 cm (11,82 po)Largeur : 37 cm (14,57 po)Profondeur : 5 cm (1,97 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Barcelona, ES
- Numéro de référence:1stDibs : LU1915213121872
Ed Warner (1982), basé à Berlin. Le progrès et le développement de l'Occident, dont nous sommes si fiers, nous ont amenés à ce point. Une société où règnent l'hyper-individualisme, la perte de solidarité et un égocentrisme exacerbé. L'art circule partout aujourd'hui, et le monde est totalement esthétisé. Mais il s'agit d'une esthétisation qui ne concerne que la virtualité des écrans. Cela génère une hypervisibilité, un excès d'images. Le monde virtuel nous donne l'illusion parfaite, mais c'est une illusion vide, pas une illusion artistique. Il prétend être un double de la réalité, une simple reproduction qui n'a rien à voir avec la créativité de l'art. Dans ce scénario, nous nous demandons si l'illusion esthétique et le pouvoir énigmatique de l'art peuvent encore exister. Ed Warner s'attaque à cette façon contemporaine de vivre l'art. Et comment s'y prend-il ? L'humour et la réflexion sont les seuls outils encore puissants pour construire une quelconque profondeur. La force de la pensée réside dans le fait qu'elle ne peut être échangée contre quoi que ce soit. L'humour permet à l'artiste d'être critique sans tomber dans la vacuité du discours théorique. L'artiste préfère s'éloigner des moyens traditionnels de l'art, déjà bien pourris, et aborder l'art par les mots. De cette façon, l'artiste parodie le type de texte que l'on trouve dans le monde virtuel ou publicitaire. C'est un texte brutal, qui cherche le choc et le paradoxe en quelques mots. En ce sens, l'œuvre de Warner entend également récupérer la relation historique entre l'art et la religion. Il ne s'agit pas de la religion en tant que dogme mais en tant que pur caractère sacré. Une sacralité qui a toujours caractérisé le travail artistique, mais qui se perd aujourd'hui. À notre époque contemporaine, la religion est devenue une pratique vide de sens, un simulacre du sentiment originel. Comme le dit le sociologue Baudrillard, on dit que l'art est devenu iconoclaste, alors qu'en réalité, il est devenu agnostique. Elle ne croit plus en son caractère sacré ni en sa finalité. Ed Warner construit à partir des ruines de la tradition occidentale, en gardant toujours un œil sur l'avenir. L'artiste ne cherche pas à être la figure centrale ici. Son ego disparaît et ramène le sens artistique originel.
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Richard Snyder est particulièrement connu pour ses grandes peintures expressionnistes abstraites aux couleurs vibrantes, souvent appliquées de manière irrégulière avec de grands coups de pinceau gestuels. Il était également un sculpteur accompli et faisait partie de la scène du mobilier d'art du Downtown New York, créée dans les années 1980 par la galerie de Soho "Art et Industrie" fondée par Rick Kaufmann. Downtown New York, vers 1977-1980, était un foyer d'impulsions créatives qui s'affranchissaient des restrictions et se lançaient à corps perdu dans l'expression émeutière. Punk, hip-hop, graffiti ou néo-expressionnisme,
Kaufmann a cherché de nouveaux talents susceptibles de créer un nouveau type de mobilier d'art. Il estimait que le design de l'époque était tellement standardisé, et il voulait donner la parole à de jeunes artistes et mettre de nouvelles idées sur le marché.
Après avoir obtenu une licence en beaux-arts à l'école du Musée des beaux-arts de Boston, Snyder a fait carrière dans les domaines de l'art et du design, pratiquant la sculpture, la peinture, la conception et la fabrication de meubles, la décoration d'intérieur, l'ébénisterie, la construction et le design industriel. Outre une vaste expérience dans une grande variété de matériaux et de processus, Snyder possède également un large éventail de vocabulaire visuel et expérientiel acquis lors de ses nombreux voyages à travers les Amériques, l'Afrique, le Moyen-Orient, l'Asie centrale et l'Asie du Sud-Est. Snyder considère que ses objets ne se limitent pas à la forme, à la fonction, à la couleur, au matériau et au processus, mais qu'ils sont plutôt des fantaisies dotées d'un esprit, d'une magie et d'une histoire. Au cours des dix-sept années passées à la galerie Art et Industrie, Snyder a participé à cinq expositions personnelles et à plus de vingt expositions collectives, qui l'ont consacré comme un acteur majeur du mouvement du mobilier d'art américain. Ses œuvres ont été publiées dans de nombreux médias et publications à travers le monde. Elles font partie de nombreuses collections privées dans le monde entier ainsi que de la collection permanente de l'Art Institute of Chicago. Snyder est invité à donner des conférences à la Rhode Island School of Design à Providence, à la New School à New York et à SUNY Purchase.
Il a fait partie de la rétrospective de référence de la Magen H Gallery (a) Gallery, Art et Industrie - un mouvement new-yorkais. Art et Industrie a été le premier à exposer le Studio Alchemia, Shiro Takahama et Ron Arad.
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