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Lazzaro DonatiPeinture originale de Lazzaro Donati représentant une femme abstraite20ème siècle
20ème siècle
652,44 €
À propos de cet article
Lazzaro Donati (Italien, 1926-1977)
Sans titre (femme abstraite), milieu du 20e siècle
Huile sur carton
20 x 16 in.
Encadré : 25 3/4 x 21 7/8 in.
Signé en bas à droite
Lazzaro Donati (1926-1977) est né à Florence en 1926 et a fréquenté l'Académie des beaux-arts. Il a commencé à peindre en 1953 et, en 1955, il a organisé sa première exposition à la galerie Indiano de Florence. En l'espace de trois ans, onze expositions ont suivi en Italie et, à mesure que sa réputation grandissait, il a été invité à présenter des expositions importantes à Londres, Paris, New York, Chicago, Rio de Janeiro et Montevideo. Il est considéré comme l'un des plus grands peintres italiens contemporains et ses tableaux sont exposés dans des musées et des collections privées à travers les Amériques, l'Europe et l'Asie.
M. Donati a vécu et travaillé au 24 Piazza Donatello à Florence, la place où des générations d'artistes ont créé des œuvres dignes de la grande tradition florentine. En pénétrant dans l'étroit couloir qui mène à son Studio, un ange vénitien doré grandeur nature fait signe vers sa porte. Une fois à l'intérieur, le présent s'efface et l'on se retrouve dans un atelier où les premiers maîtres auraient pu travailler à la Renaissance. À l'intérieur, de luxueux tapis persans mettent en valeur les innombrables objets d'art et meubles anciens. La lumière pénètre par la paroi vitrée inclinée du côté nord. Un escalier spectaculaire menait à un balcon en surplomb qui servait de galerie privée où l'artiste a accroché certaines de ses premières œuvres préférées. À gauche de l'entrée se trouvait un studio plus petit où Donati sculptait, avec une fenêtre donnant sur le célèbre vieux cimetière anglais où les touristes déposaient des fleurs sur la tombe d'Elizabeth Barrett Browning.
Dans l'atelier principal, où Donati recevait ses clients dans une atmosphère aussi soignée que celle d'un bureau de cadre supérieur, on ne se rendait pas compte que c'était là que l'artiste peignait. Son chevalet était recouvert de velours bleu persan, le tableau posé sur le chevalet était déjà encadré, sa chaise était tapissée de velours rouge et sur sa palette, les couleurs étaient disposées avec la précision d'une mosaïque byzantine. Dans un coin du stand se trouvaient ses dernières œuvres, encadrées et prêtes à être envoyées à sa prochaine exposition en Europe ou en Amérique.
Donati était un hôte né à l'accueil chaleureux, un homme élégant qui possédait un charme énorme, une bonne nature et un sens aigu de l'humour. Apparemment timide, il préférait parler de sujets étrangers à son art, vous détournant volontairement de ses tableaux, puis vous y ramenant, avec tact et sans prétention. Il parlait couramment le français et l'anglais, ainsi qu'un peu d'espagnol et d'allemand. "Après tout", disait-il, "il faut savoir vendre un tableau à tout le monde".
Il n'avait aucune sympathie pour les studios de ses contemporains qui fonctionnaient au goutte-à-goutte, préférant garder son studio bien rangé et impeccable. "La peinture est une question de précision", disait-il, "si un peintre ne peut pas mettre sa peinture là où il veut qu'elle aille, je ne vois pas comment il peut se dire peintre". Pour moi, il est absolument nécessaire de contrôler la peinture".
Lorsqu'on lui demande de révéler la technique qu'il utilise pour obtenir la finition émaillée typique de ses peintures, il répond : "C'est un secret entre moi et mon majordome. En fait, la plupart de mes peintures ont été réalisées par lui !"
Mais en fait, derrière la façade, Donati était un artisan sérieux qui se consacrait à sa peinture comme mode de vie et moyen d'expression. Dès le début de sa carrière, ses peintures témoignent d'un souci de perfection et d'une recherche continue des problèmes de style et de technique. Ses premières œuvres témoignent d'un intérêt momentané pour le surréalisme et l'art abstrait ; elles sont essentiellement bidimensionnelles, reposant sur des lignes et des couleurs vives. Mais en 1958, avec son tableau La dame à l'éventail, une œuvre qu'il avait accrochée à une place d'honneur sur son balcon, s'opère un véritable changement de style. On note un intérêt nouveau pour les volumes et un goût particulier pour les formes courbes. À cette époque, Donati est déjà bien avancé dans l'élaboration d'une forme d'expression très personnelle, qui ne doit pas grand-chose aux grandes écoles de peinture contemporaine. La procédure qu'il a suivie pour constituer le tableau était inhabituelle. Donati n'a utilisé la toile que pour ses premières œuvres. Il peint presque exclusivement sur des panneaux de bois spécialement traités. Le panneau posé à plat sur la table, il commence par appliquer sur le fond les glacis riches et translucides qui donnent la finition caractéristique de son œuvre. Cet "arrière-plan" pourrait peut-être être mieux décrit comme l'atmosphère dans laquelle ses sujets ont existé, ou dont ils ont finalement émergé.
Il a ensuite esquissé les formes de la composition à l'aide d'un crayon spécial. Un minimum de lignes a permis d'évoquer une sensation de volume, les figures et l'arrière-plan s'interpénétrant. Il retourne ensuite à ses peintures, intégrant des techniques variées pour obtenir ses brillants effets chromatiques et texturaux. Les volumes sont définis et les plans de la composition établis. Enfin, il complète son œuvre par ce qu'il appelle des "lumi", mot italien archaïque signifiant "lumières", des touches de couleur pure en forme de plumes qui servent à accentuer la sensation de volume. Donati résume ainsi ses intentions artistiques : "J'essaie d'utiliser l'expérience de l'art abstrait, en superposant un dessin en ronde-bosse, puis en y ajoutant des points de lumière pour donner du volume. Ce que j'essaie de faire, c'est d'utiliser le système de la Renaissance avec des touches modernes." C'est là le point intéressant : Donati a imposé ses sujets dans et hors de l'abstractionnisme.
La capacité la plus remarquable de Donati est peut-être sa maîtrise de la couleur. Dans son Studio, il disposait de quatre palettes. Deux étaient utilisées sur sa table de travail, l'une pour les couleurs terre et l'autre pour les tons élevés. Derrière le chevalet, il y en avait deux autres, chacun avec un kaléidoscope de couleurs. Lorsqu'on lui en demande la raison, I+I répond : "Je garde ces palettes au-dessus du chevalet pour enregistrer les couleurs, sinon je les oublie. La couleur est trop importante pour dépendre d'essais et d'erreurs. Je vois une couleur sur l'une de ces palettes, je la place sur l'image que j'ai en tête, et cela m'évite de faire des erreurs." C'est donc avec un soin méticuleux que Donati a atteint la pureté et la vivacité des couleurs, l'apparente spontanéité qui caractérisent ses peintures.
La peinture de Donati ne peut être classée dans une école de peinture particulière. À propos de son inspiration artistique, il a déclaré : "Je ne suis pas conscient d'avoir imité ou d'avoir été influencé par un peintre en particulier, mais chaque tableau contient les expériences de nombreux peintres antérieurs. Aucun artiste ne peut peindre sans être influencé par des maîtres comme Raphael, Michelangelo, le Titien, et en dehors de l'Italie par des artistes comme Rembrandt et Renoir." En fait, dans certains de ses grands tableaux, avec leurs figures ressemblant à des madones et leurs vastes arrière-plans, on peut voir l'influence de la peinture de la Renaissance italienne, à la fois dans des motifs particuliers et dans la monumentalité de la conception. Mais dans chaque cas, l'inspiration originale n'a servi que de point de départ à une œuvre d'art entièrement nouvelle et créative.
Les sujets que Donati préfère peindre reflètent ce style personnel. Au fil des ans, il a travaillé sur les mêmes thèmes, les transformant avec sa propre vision poétique. Ses sujets les plus fréquents, le nu, la nature morte et le paysage urbain, reflètent en partie sa préférence stylistique pour les formes arrondies. "Je peins la forme féminine" disait-il, "non seulement parce qu'elle est belle, mais aussi parce qu'elle est fondamentalement ronde". Un autre sujet de prédilection est le paysage urbain, et là encore son goût pour les formes courbes apparaît dans son choix de deux églises à coupole, la Salute à Venise et Santo Spirito à Florence, qu'il a toutes deux peintes dans d'innombrables versions aux couleurs brillantes et vibrantes.
La nature morte est son troisième grand thème. À maintes reprises, il s'est inspiré d'une coupe de fruits, qu'il a recréée au fur et à mesure que son style évoluait. Chez Donati, ces quelques thèmes, qui reviennent dans les œuvres des grands maîtres de l'histoire de la peinture, deviennent à chaque fois une nouvelle source de plaisir, une nouvelle façon de voir et un aperçu de la vision créative de l'artiste.
Donati a vécu dans la tradition des grands peintres Florentine du passé qui considéraient la peinture comme un métier comme un autre dont le succès dépendait de l'appréciation de leur travail par les autres. Ainsi, Lazzaro Donati lui-même a travaillé dans son Studio en créant, expérimentant, changeant, détruisant les erreurs et espérant vendre les réussites. En dehors de son Studio, il menait une vie sociale active. Chaleureux et charmeur, il était aussi à l'aise à la table de l'ambassadeur qu'à celle de la trattoria de la place.
Ses talents ne se limitent pas à la peinture. Il était également sculpteur et excellent photographe. Il a publié deux livres de ses photographies dans la série "Famous Cities of the World" sur Venise et Florence. Il est également titulaire d'un doctorat en économie de l'université de Florence.
Bien que sa peinture se soit nourrie de la culture européenne et des grandes traditions du pays dans lequel il vit, Lazzaro Donati a atteint une personnalité artistique distincte et cohérente. Ses peintures sont essentiellement agréables. Certains sont poignants, d'autres nostalgiques, la plupart sont joyeux et tous brillent de lumière et de couleurs comme une sorte de bijou translucide.
- Créateur:Lazzaro Donati (1926 - 1977, Italien)
- Année de création:20ème siècle
- Dimensions:Hauteur : 65,41 cm (25,75 po)Largeur : 55,57 cm (21,875 po)Profondeur : 2,54 cm (1 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:Œuvre d'art en bon état, le cadre peut nécessiter des réparations.
- Adresse de la galerie:New York, NY
- Numéro de référence:Vendeur : RL11stDibs : LU2211211970112
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