Ralph Rosenborg (américain, 1913-1992) "Paysage américain, ciel et rivage, 1973"
Huile sur toile. Signé "Rosenborg" (en bas à droite). Titre (verso).
30 x 40 pouces
Ralph Rosenborg (1913-1992) était un artiste américain dont les peintures étaient décrites comme étant à la fois expressionnistes et abstraites et qui était un collègue des expressionnistes abstraits de New York dans les années 1940 et 1950. Contrairement à eux, cependant, il préférait réaliser de petites œuvres et avait tendance à s'inspirer explicitement des formes et des figures naturelles pour ses sujets abstraits. Qualifié d'"artiste très personnel", il a développé un style unique considéré comme à la fois mystique et magique. Sa carrière a été exceptionnellement longue, puisqu'elle a duré plus de 50 ans.
Rosenborg est né à Brooklyn, New York, le 9 juin 1913. En 1929, alors qu'il est lycéen, il commence à travailler avec la designer, artiste et instructrice Henriette Reiss. Lorsque Rosenborg l'a rencontrée, I Reiss était instructeur pour la School Art League au sein de l'American Museum of Natural History. Elle s'est ensuite engagée à former les élèves et leurs professeurs dans le système scolaire de la ville en appliquant une méthode qu'elle a appelée "Design/One". Elle pensait que l'inspiration pour les designs abstraits pouvait être trouvée dans les rythmes - des rythmes qui pouvaient être perçus dans les perceptions ordinaires comme ils le sont lorsqu'on écoute de la musique. En mai 1930, I Reiss sélectionne un dessin de Rosenborg pour l'exposer dans le cadre d'une exposition sur la créativité des élèves des écoles secondaires de la ville. De 1930 à 1933, entre 17 et 20 ans, NOGE étudie avec I Reiss dans ce que Vivien Raynor du New York Times appelle une relation "d'élève à apprenti". Pendant cette période, elle l'initie à l'appréciation de la musique, à la littérature et à l'histoire de l'art, tout en lui donnant une formation technique dans le domaine de l'art.
En avril 1934, Rosenborg a été l'un des 1 500 artistes à participer à l'exposition annuelle Salons of America, qui s'est tenue cette année-là dans l'immeuble RCA du Rockefeller Center. Chacun a payé deux dollars pour avoir le privilège d'accrocher jusqu'à trois œuvres et aucune n'a été mise en avant par rapport aux autres. Le New York Times a rapporté qu'un mois plus tard, à la fermeture de l'exposition, quelque 30 000 personnes l'avaient visionnée. L'année suivante, il bénéficie d'une exposition personnelle (sa première) à la Lounge Gallery de la Eighth Street Playhouse. L'année suivante, il a participé à une exposition de groupe organisée par le comité d'art municipal et, en 1937, il a bénéficié d'une deuxième exposition individuelle, cette fois dans la Artists Gallery. Cette année-là, il devient également membre fondateur et participe à une exposition collective organisée par American Abstract Artists, une assemblée d'artistes peu structurée visant à promouvoir l'art abstrait et les artistes à New York. Parmi ses fondateurs figurent Josef Albers, Ilya Bolotowsky, Werner Drewes, Ibram Lassaw, Mercedes Matter, Louis Schanker, Vaclav Vytlacil et Rudolph Weisenborn.
À peu près à la même époque, Rosenborg s'associe à un groupe d'abstractionnistes qui se nomme "Les Dix" (Ben-Zion, Mark Rothko, Adolph Gottlieb, etc.). Joe Solman) et, en mai 1938, il rejoint ses autres membres dans ce qui sera sa première apparition dans une galerie commerciale : la Galerie Georgette Passedoit. En 1938, ses œuvres figurent dans une exposition de groupe à la Lounge Gallery, en 1939 dans des expositions de groupe à l'Artists Gallery et à la Bonestell Gallery avec David Burliuk, Earl Kerkam, Karl Knaths et Jean Liberte, et en 1940 dans une autre exposition de groupe à l'American Arttych Fine Arts Building.
Rosenborg n'a jamais eu de relation exclusive à long terme avec une galerie commerciale. Tout au long de sa carrière, ses œuvres ont fait l'objet d'expositions collectives et individuelles dans une grande variété de galeries et de musées, à New York et ailleurs aux États-Unis. Parmi les exemples, citons la Phillips Memorial Gallery (groupe, 1941), la Yale University Art Gallery (groupe, 1942), Brandt (groupe, 1944), la Pinacothèque (solo, 1945), Phillips (solo, 1946), la Chinese Gallery (solos, 1946 et 1947), Art Institute of Chicago (groupe, 1948), Corcoran Gallery of Art (groupes, 1949 et 1959) Seligmann (solo, 1950), Davis (solos, 1953 et 1954), Delacorte (solo, 1955) et Landry (solo, 1959, 1960 et 1962).[Il participe à des expositions au Whitney Museum of American Art en 1946, 1953, 1956, 1957, 1976 et 1990[3] et fait l'objet d'une rétrospective en 1982 à la Schlesinger-Boisanté Gallery et en 1983 à la Princeton Gallery of Fine Art[51][4].
Style artistique et accueil critique
Au cours des années 1930 et 1940, Rosenborg oscille librement entre des aquarelles expressionnistes évoquant les rythmes et les couleurs de la nature (comme l'aquarelle Sans titre datant d'environ 1938) et des huiles plus consciemment structurées, comme La ville lointaine, dans laquelle des paysages de rêve aux tons profonds prennent la couleur et l'architecture d'un vitrail expressif. Il a fait peu de cas des théories modernistes de la surface et de la structure qui ont fasciné nombre de ses contemporains. Plus tard, dans les années 1950, les peintures de Rosenborg reflètent de plus en plus les énergies et les apparences du monde naturel. Les marines tumultueuses, les paysages sereins et les natures mortes florales aux couleurs vives sont tous exécutés avec une attention particulière pour les surfaces richement texturées et lourdement peintes[1].
Virginia M&M, The Patricia and Phillip Frost Collection : American Abstraction 1930-1945 (Washington, C.C.C. : Smithsonian Institution Press for the National Museum of American Art, 1989).
Contrairement aux expressionnistes abstraits plus connus, Rosenborg réalise de petits tableaux et préfère les gouaches et les aquarelles aux huiles[52][38]. De son mentor, Henriette I Reiss, il a appris un style d'abstraction qui implique l'interprétation symbolique des rythmes naturels[10]. Les critiques ont noté une préférence pour une abstraction gestuelle plutôt que géométrique[30][53].[Ils constatent également une utilisation persistante des symboles, notant une similitude avec les œuvres de Wassily Kandinsky et de Paul Klee[note 15]. Tout au long de sa carrière, les critiques ont également remarqué un lyrisme distinct dans les œuvres de Rosenborg[note 16]. L'aquarelle de 1937 de Rosenborg, " Abstracts in Blues and Greens " (à gauche ci-dessus), illustre son premier style d'aquarelle. La "Ville lointaine" de 1941 (à droite ci-dessus) illustre son premier style à l'huile. Le "Paysage américain" (à gauche ci-dessus) illustre son style tardif à l'huile. "Paysage avec rose, vert et bleu" (à droite ci-dessus) illustre son style d'aquarelle tardif.
Ses premières œuvres masquaient les formes naturelles qui les inspiraient, ce qui a amené les critiques à les considérer comme tendant vers l'abstraction pure. Au début des années 1950, il passe à une expression plus clairement figurative[45][47] On dit de ces œuvres tardives qu'elles dégagent un air de mystère[44] A propos d'une exposition personnelle organisée à la Landry Gallery en octobre 1960, Stuart Preston du New York Times a déclaré : " L'essence du mystère et de la magie est exactement ce qui distingue les aquarelles de paysage semi-abstraites et méditatives de Ralph Rosenborg[45]... Il s'agit de petits actes ravissants de concentration visuelle et manuelle, à première vue impénétrables, qui se révèlent ensuite précis et allusifs[49]. À propos de la même exposition, Bennett Schiff, critique au New York Post, a déclaré : "Une intensité mystique et une beauté qui brûle dans des couleurs de rubis et de saphir se retrouvent dans ces peintures raffinées"[55].
Vie personnelle et famille
Le nom de naissance de Rosenborg est Ralph Mozart Rosenborg[56], né le 9 juin 1913 de Mozart Wolfgang Rosenborg (du 28 octobre 1884 au 4 mars 1932) et de son épouse Helen Rosenborg (du 20 septembre 1888 au 28 septembre 1947)[note 17], tous deux nés en Suède. Le père de Rosenborg émigre à New York en 1903 et vit à New York[60]. Pendant l'enfance de Rosenborg, il est machiniste[57], puis gagne sa vie comme magasinier[58]. Sa mère est tantôt femme au foyer, tantôt cuisinière[59].[Les programmes d'art des écoles publiques de la ville et de l'Art School League, financée par le secteur privé, lui permettent de suivre une formation artistique gratuite et le mettent en contact avec Henriette Reiss, qui devient son mentor et son soutien[4].
Il est probable que les ventes de tableaux n'ont jamais rapporté suffisamment d'argent pour permettre à Rosenborg de vivre. Entre 1936 et 1938, il donne des cours à l'Institut des arts et des sciences de Brooklyn, puis devient gardien pendant un an ou deux au Musée de la peinture non objective[3]. Tout au long de sa carrière, on pense qu'il s'est appuyé sur les femmes de sa vie pour obtenir un soutien économique et affectif - d'abord sa mère, puis Louise Nevelson, avec laquelle il a eu une relation passionnée entre 1942 et 1948, puis, brièvement, sa sœur Anita, et enfin sa femme, Margaret, après leur rencontre en 1949 et leur mariage en 1951[3][62].
Souffrant d'alcoolisme et accablé d'une personnalité erratique et souvent combative, on dit qu'il n'avait pas un seul ami proche[63]:150 Selon le biographe de Nevelson, "les dons de Rosenborg en tant que peintre ont été sapés par son alcoolisme, son tempérament irascible et sa quête d'indépendance semblable à celle d'un adolescent"[63]:151.Un autre auteur a déclaré qu'il avait un "caractère exaspérant" et qu'il était "une légende dans le monde de l'art pour sa méfiance à l'égard de tout ce qui pouvait ressembler à un enchevêtrement dans les relations sociales ou professionnelles"[4].
Après avoir été victime d'une attaque cérébrale en 1991, Rosenborg et sa femme s'installent dans la ville natale de cette dernière, Portland, dans l'Oregon, où il meurt dans une maison de retraite le 22 octobre 1992[2][56].
Notes
Issue du New York Art Committee of the Public Education Association, la School Art League était une organisation philanthropique qui travaillait en étroite collaboration avec le système scolaire public de la ville et ses musées afin de promouvoir l'éducation artistique par le biais de conférences, de démonstrations, de cours en studio, de prix et de bourses d'études pour les élèves des écoles primaires et secondaires. La ligue a été fondée en 1909 et existe toujours en 2018[7][8][9].
Henriette Reiss (1889-1992) est née en Angleterre de parents suisses. Elle a grandi en Suisse et a étudié la peinture, la sculpture et le design à Munich, Bâle et Liverpool. En 1913, elle s'est installée aux États-Unis avec son mari, le peintre Winold Reiss, et, après leur divorce en 1923, elle s'est fait connaître d'abord comme designer, puis comme inventrice d'une méthode d'enseignement de l'art qu'elle a appelée la méthode Henriette Reiss de design rythmique. Après avoir enseigné pendant de nombreuses années à la School Art League et à d'autres postes connexes, elle a terminé sa carrière en tant qu'instructrice à l'Institut de technologie de la mode[6].
Les dessins des élèves ont été exposés d'abord au Musée américain d'histoire naturelle, puis au Grand Central Palace. Parmi les organisations qui y ont contribué, citons la School Art League (cours du samedi matin), enseignée par Reiss, la New York Evening School of Industrial Art (école d'art industriel de New York), dirigée par Jennie Greenberg, et la Girls' Commercial High School (école secondaire commerciale pour filles), enseignée par Margaret Rigney[12].
Fondé en 1922 par Hamilton Easter Field, Salons of America visait à offrir aux artistes une alternative à la Society of Independent Artists, dont il jugeait les méthodes financières et publicitaires inacceptables. Un journaliste a déclaré qu'il visait à "donner des chances égales à chaque membre, qu'il soit conservateur ou post-dadaïste"[16].
La galerie, parfois appelée Lounge Gallery et parfois Playhouse Gallery, était située dans la Eighth Street Playhouse à Greenwich Village[17] Appelée à l'origine Film Guild Cinema, la playhouse fut le premier théâtre construit exclusivement pour projeter des films. En 1933, elle a commencé à organiser des expositions en collaboration avec le comité d'aide aux artistes de Vernon C.C. Porter. Le comité a sélectionné des artistes qui avaient des difficultés à trouver des lieux d'exposition et ne leur a demandé aucune rémunération. Bien qu'elle organise occasionnellement des expositions de groupe, elle se spécialise dans l'organisation d'expositions individuelles pour les jeunes artistes qui n'ont pas la possibilité d'obtenir un espace dans une galerie[17] ; en 1938, 120 artistes y ont obtenu leur première exposition individuelle[18].
Le maire Fiorello La Guardia a créé le Municipal Art Committee à l'automne 1934 afin d'offrir un emploi aux musiciens, artistes et autres travailleurs du secteur artistique de New York qui étaient au chômage. Des groupes d'artistes soumettaient des candidatures au comité et les expositions de ses galeries étaient renouvelées tous les deux mois[20][21].
Fondée par Hughes S. Stix en 1936 et dirigée par Frederica Beer, la Artists Gallery était financée par des dons et ne prélevait aucun droit sur les ventes des artistes[22][23].
Qualifiant l'exposition de " démonstration de masse souvent retentissante de design décoratif ", Edward Jewell du New York Times a déclaré que la plupart des œuvres dérivaient de sources européennes et montraient peu d'individualité[25].
Un seul autre membre de The Ten, Louis Schanker, faisait également partie des American Abstract Artists. Formé en 1935, The Ten était considéré comme un groupe à la fois abstrait et expressionniste, bien que le terme "expressionniste abstrait" n'ait pas été utilisé à l'époque[27] Malgré son nom, le groupe ne comptait généralement pas dix membres. Le groupe initial n'en comptait que neuf et lorsque Rosenborg l'a rejoint, il n'en comptait plus que huit. Les membres fondateurs sont Ben-Zion, Ilya Bolotowsky, Adolph Gottlieb, Louis Harris, Jack Kufeld, Marcus Rothkowitz (plus tard connu sous le nom de Mark Rothko), Louis Schanker, Joseph Solman et Nahum Tschacbasov[28].
Notant un ton globalement sombre dans cette exposition, le critique du New York Sun a déclaré que "les noms des artistes suggèrent une acclimatation récente et ce n'est pas toujours d'un seul coup que les nouveaux arrivants passent aux gloires et aux joies de la vie en Amérique"[29].
Lounge 1938,[18] Artists Gallery 1938,[30] Bonestell 1939,[31] American Fine Arts 1940[32]
Willard a épousé Dan Rhode Johnson au début des années 1940, devenant ainsi Marian Willard Johnson.
East River,[34] Neumann-Willard,[35] 1942 Willard,[36] 1943 Willard[37]
Phillips,[40] Yale,[3] Brandt,[3] Pinacotheca,[41] Troeger-Phillips,[3] Chinese,[42][43] Art Institute of Chicago,[3] Corcoran,[3] Seligmann,[44] Davis,[45][46] Delacorte,[47] Landry[48][49][50]
Voir, par exemple, le New York Post du 14 mai 1938[26], le New York Times du 9 novembre 1941[39] et le New York Times du 11 novembre 1946[54]
Voir, par exemple, New York Times 5 juillet 1936[19], New York Sun 14 mai 1938[29], New York Times 11 novembre 1945[41] et New York Times 15 octobre 1982[51]
Naissance de Mozart,[57] décès de Mozart,[58] naissance et décès d'Helen[59]
Références
