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Derek CarruthersHuile sur toile surréaliste à grande échelle, « At the Watering Hole ».
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Grande huile sur toile de la fin du XXe siècle représentant des animaux à l'abreuvoir par l'artiste britannique Derek Carruthers. Signé en bas à droite.
Une peinture magique, très colorée et énergique d'animaux à l'abreuvoir. Une composition magnifique dans laquelle Carruthers nous attire au centre du tableau en plaçant les animaux magnifiquement rendus dans un cercle. Nous sommes invités à entrer dans la scène, mais la technique de composition subtile d'une diagonale quadrillée donne un effet tridimensionnel ou "matelassé" qui nous sépare également du sujet, donnant l'impression de la présence ténue d'une clôture qui traverse l'image.
Comme toujours, Carruthers aime nous faire réfléchir et présente des images en juxtaposition.
Ici, les animaux sont magnifiquement colorés et robustes, mais l'abreuvoir est trop petit pour le nombre d'animaux. Le ciel sombre au loin est de mauvais augure et, bien qu'il puisse être perçu comme apportant la pluie tant attendue, les arbres morts racontent une autre histoire.
Les couleurs abondent et les formes fortes confèrent à la peinture une énergie magique, tandis que les coups de pinceau sont doux et offrent une qualité onirique qui nous rappelle qu'il s'agit d'un monde fantastique. Une peinture magique qui capte l'attention à plusieurs reprises.
Derek Carruthers était un artiste qui s'obstinait à poser des questions. Toute sa carrière a été inspirée par la détermination d'enquêter sur la nature de l'art, d'examiner sa finalité et de tenter d'explorer ce lieu où la vie individuelle de l'esprit rencontre l'apparence extérieure du monde, où la sensation personnelle se frotte aux présupposés culturels. Il n'est pas surprenant que Carruthers ait exploré, au fil des ans, un langage de formes pures, d'espace abstrait, de 2 et 3 dimensions, de narration et de concept, de figuration personnelle et universelle. Avec le recul, sur des décennies de travail, chacune de ces voix poursuit un ensemble cohérent de questions, réfléchissant à l'essence même de l'expérience humaine. Les pièces individuelles de Carrthuers peuvent intriguer et charmer, elles peuvent être chaleureuses et poétiques et elles peuvent aussi offrir une résistance grinçante au regard facile. Ils peuvent nous inciter à réfléchir sur nous-mêmes, sur notre environnement, sur nos attentes, sur notre place dans le monde.
A&Up a grandi dans le nord-ouest de l'Angleterre, étant né à Penrith, et l'un de ses premiers souvenirs de ce que pourrait être l'art a été formé par sa rencontre avec les créations extraordinaires de Kurt Schwitters. Ce dernier avait fui l'Allemagne en 1937, après que son art eut été qualifié de "dégénéré". Il a d'abord séjourné en Norvège, puis est arrivé en Grande-Bretagne en 1940. Carruthers avait déjà rencontré l'œuvre de Schwitters lorsqu'il était enfant, et s'était lancé dans l'examen de la nature de l'art qu'il mènera tout au long de sa vie.
Carruthers a également été inspiré par Victor Pasmore et Hamilton (constructivistes britanniques) qui travaillaient en étroite collaboration au King's College de Londres et ont fini par proposer un cours stimulant à tous les étudiants de première année. Ainsi, Carruthers, qui a étudié à King's de 1953 à 1957, a été encouragé à adopter une approche rigoureuse pour sonder l'abstraction, les relations spatiales et les liens entre l'art et l'architecture.
Ayant eu la chance d'être étudiant en art à une telle époque et dans un tel lieu, il n'est pas surprenant que Carruthers se soit embarqué dans un voyage de découverte artistique. Il a présenté ses œuvres lors de la grande exposition itinérante organisée par l'Arts Council en 1963, "Construction England", avec Pasmore et Mary et Kenneth Martin. Son travail a également été inclus dans des expositions d'art nouveau aux Drian Galleries, Porchester Place, de 1963 à 1965. Reflétant le réexamen plus récent du constructivisme britannique d'après-guerre, l'œuvre de Carruthers a également été incluse dans l'exposition "British Abstract Art of the 50s and 60s", qui s'est tenue en 1992 à la Belgrave Gallery. Ces premiers travaux, dans lesquels les formes solides ou en relief changent de Nature à mesure qu'elles - ou les spectateurs - se déplacent dans l'espace et le temps, remettent délibérément en question la tendance humaine à trouver du réconfort dans le fait de considérer le monde comme fixe et connaissable.
Au cours de ces années, Carruthers a également enseigné aux collèges d'art de Sunderland et de Leicester, avant de diriger le cours de Fine Art, en tant que professeur, à l'école polytechnique de Trent (aujourd'hui Université de Nottingham Trent). Il a été un éducateur dévoué, qu'il n'a quitté qu'au milieu des années 1980 pour se consacrer à son propre art, à plein temps.
Inspiré, peut-être, par cette liberté, Carruthers a exploré de nouvelles idées dans les années 1980. Il s'est détourné du travail en trois dimensions, ou du collage et du relief, et a redécouvert la puissance des matériaux traditionnels, l'huile et l'aquarelle, sur toile et sur papier. Il s'est éloigné de la non-objectivité pour s'orienter vers une pratique qui explore à la fois l'imagerie abstraite et l'imagerie figurative. Tout au long de son parcours, il est resté préoccupé par l'exploration de la condition humaine : par cette remarque banale, nous entendons qu'il a continué à s'interroger sur la manière dont chaque individu fait l'expérience du monde ; il a exploré la manière dont les êtres humains créent des totems pour marquer leur empreinte, comme pour revendiquer l'immortalité ; il tente de "symboliser la relation triangulaire entre l'humanité et la religion et l'art / l'architecture qu'elle inspire". C'est pourquoi - outre des aperçus chaleureux des vacances et de la vie familiale - son œuvre donne à voir la pyramide égyptienne, la figure héroïque gréco-romaine, le monument chrétien et, en fin de compte, "l'anonymat sans sexe, sans âge et sans race" de la figure laïque de l'artiste.
I+I a reçu une ancienne figurine laïque d'artiste et a acquis plusieurs petites figurines laïques en bois sans visage. Je connaissais la série de photographies "M. et Mme Woodman" de Man Ray et j'en appréciais l'ironie et l'humour". C'est ainsi qu'a commencé la série de compositions de figures qui semblent se maintenir comme symbole et métaphore de certains aspects de la condition humaine.
Ces figures habitent les peintures de Carruthers depuis le début des années 1990. Ils peuvent être placés dans un espace tridimensionnel pleinement réalisé, leur solidité étant affirmée par un éclairage dramatique, ou ils peuvent être plats, insubstantiels. Ils peuvent être rassemblés au sein d'une communauté active ou être isolés. Ils sont toujours dépourvus de caractéristiques. Elles peuvent être interprétées comme un commentaire délibérément ironique sur la vie ; elles témoignent également de la préoccupation constante de l'artiste pour l'abstraction. Il réduit et manipule les personnages de manière à ce qu'ils soient tantôt dans la tradition romantique, un modèle d'humanité profonde, tantôt - ce qui est plus stimulant et glaçant - des gages orwelliens d'inhumanité.
Surtout - nous revenons à notre remarque liminaire - Derek Carruthers a continué à poser des questions, à la fois sur sa vie à une époque et dans un lieu particuliers, et sur le sort de l'être humain à l'échelle universelle. En tant qu'artiste et érudit, il se voyait à l'intersection de ces états difficiles. Et il fait réfléchir........
- Créateur:Derek Carruthers (1935 - 2021, Britannique)
- Dimensions:Hauteur : 91 cm (35,83 po)Largeur : 122 cm (48,04 po)Profondeur : 1,8 cm (0,71 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Cotignac, FR
- Numéro de référence:Vendeur : GB/Ark/Carruthers1stDibs : LU1430213670772
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