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Alexander Stolin« La pluie » - Peinture à l'huile d'Alexander Stolin2024
2024
À propos de cet article
ALEXANDER STOLIN, né et élevé à Kiev, en Ukraine (sous l'ancienne République socialiste soviétique), où il a reçu une formation intensive et un diplôme de maîtrise des beaux-arts dans les académies d'art traditionnelles de son pays. Il a immigré à San Francisco en 1992, a rencontré sa future femme à Hattiesburg, dans le Mississippi, puis s'est marié et installé à la Nouvelle-Orléans. Il possède une maison et un studio à Madisonville, en Louisiane, et est une figure importante mais discrète de la communauté artistique de la Nouvelle-Orléans. Comme l'a suggéré le critique d'art D.Eric Bookhardt en 2002, "Stolin est plus accompli qu'il n'est célèbre". Son art, souvent exposé dans des séries thématiques qui intègrent une variété de médias, va des portraits intimes aux peintures murales à grande échelle (l'une d'entre elles mesurant douze pieds sur soixante-douze pieds). Il a travaillé à une échelle de plus en plus grande, plus récemment en concevant et en peignant des projets pour l'industrie cinématographique de Louisiane. L'art de Stolin, techniquement compétent et complexe, reflète une fusion unique entre la formation académique qu'il a reçue à Kiev et sa réponse évolutive à la culture, au mode de vie et aux sujets très différents qu'il a découverts à la Nouvelle-Orléans, à Madisonville et dans le sud du Golfe.
La série de portraits Face to Face de Stolin, réalisée entre 2000 et 2002, mettait en scène des artistes de la Nouvelle-Orléans tels que Douglas Bourgeois, Jeffrey Cook, Margaret Witherspoon et l'architecte Jimmy Lamantia, ainsi que ses voisins de Madisonville, dont Bud Goldate, Hascal AGE et Willie Lee Marshall. Il s'agit d'œuvres importantes, exposées à l'Ogden Museum of Southern Art lors de son ouverture en 2003. "Il y a des portraits et il y a des portraits", a déclaré M. Bookhardt en parlant de la série. "Les meilleurs nous disent quelque chose d'essentiel sur le sujet. Les autres ne sont que des images". Observant que l'œuvre de Stolin "offre un aperçu des processus de perception", Bookhardt a conclu que "ses images distillent quelque chose de l'essence de la vie du sujet filtrée par l'œil et la main d'un peintre exceptionnellement habile, sensible et de plus en plus accompli". Une gamme diversifiée d'œuvres a suivi, y compris une exploration de ses souvenirs d'enfance à Kiev, enrichie par des photographies de famille et une série de lettres de Kiev à des parents en Amérique. Stolin a juxtaposé l'architecture historique et vernaculaire de Kiev aux bâtiments de la Nouvelle-Orléans de la même époque, comme en témoigne un tableau tel que Waiting II. Une autre série explore les marais et les paysages de la rive nord du lac Pontchartrain. Stolin a également peint des scènes de genre de la vie de la petite ville de Townes, devenant, à sa manière, un peintre régional du sud. Les œuvres de cette série comprennent Bayou Lacombe, Breakfast at Badeaux's, et JR. High at Madisonville, qui présentait une image peinte de l'ancien bus de l'école et du métal provenant du véritable bus, fusionnant l'art, l'histoire, la mémoire et la réalité.
Les œuvres que Stolin a commencé à créer à la Nouvelle-Orléans témoignent de ses compétences techniques, de sa connaissance de l'histoire de l'art et de l'évolution de ses sujets, qui se reflètent d'une série et d'une exposition à l'autre, mais les critiques ont eu du mal à classer son travail. Cela est évident dans les séries que Stolin a exposées au cours de sa première décennie dans la ville, à commencer par Byzantium on the Bayou (1993-1994), qui combine des références historiques à l'art byzantin avec des sujets liés à la Nouvelle-Orléans et au Mardi Gras, tels que Mardi Gras Madonna et Adoration of St Gator. Dans sa série Midnight Dessert (1995-1997), il a créé des œuvres telles que Tea in Manhattan et Rembrandt and Nathan, un grand tableau que REMBRANDT décrit comme "une vision de Rembrandt et de divers maîtres hollandais se promenant sur le trottoir devant le Nathan's Deli à New York". Ensuite, il a achevé la série sur l'eau (1998-1999), qui présente des surfaces réfléchissantes et très travaillées dans des tableaux tels que Reflections #2 et Study of Fish and Swimmers.
Stolin a exposé pendant des années à la Marguerite Oestricher Gallery à la Nouvelle-Orléans. Après sa fermeture, il s'est associé à la Taylor-Bercier Gallery à la Nouvelle-Orléans et continue d'exposer ses œuvres dans toute la Louisiane. Ses œuvres font partie de la collection du Ogden Museum of Southern Art à la Nouvelle-Orléans, ainsi que de nombreuses collections privées et d'entreprises.
- Créateur:Alexander Stolin (1963, Ukrainien)
- Année de création:2024
- Dimensions:Hauteur : 81,28 cm (32 po)Largeur : 406,4 cm (160 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- Encadrement:Options d'encadrement disponibles
- État:
- Adresse de la galerie:New Orleans, LA
- Numéro de référence:1stDibs : LU105214116742
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5,0
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« Les bons artistes empruntent. Les grands artistes volent ». Une citation souvent attribuée à diverses sources qui n'a jamais été prononcée par aucune d'entre elles. Bien que Mark Twain ait développé ce sentiment : « Quatre-vingt-dix-neuf parties de toutes les choses qui procèdent de l'intellect sont des plagiats ». dans ma série Frames, j'utilise ma contribution de 1 % pour combiner les problèmes de consommation avec mon autobiographie.
Je peins des copies de copies de peintures dans des peintures pour faire référence à l'appropriation, à la marchandisation et à l'altération du continuum de l'art. Mes peintures de tableaux sont basées sur des photographies d'originaux afin de perpétuer la distillation continue de la forme, étant donné la facilité avec laquelle les images sont actuellement échangées et modifiées. De plus, en réduisant des peintures historiquement significatives à des objets encadrés accrochés aux murs, je fais passer l'art en tant que marchandise et réconcilie le conflit entre la valeur monétaire artificiellement attribuée aux œuvres d'art et la réalité qu'elles sont simplement des tourbillons de peinture. De cette façon, je reconnais également la littéralité de mon propre travail.
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