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Bendor MarkLe Demagogue ou le Tale in a Tub1952
1952
À propos de cet article
The Demagogue or Tale in a Tub, 1952, huile sur toile, 24 x 20 pouces, signée, titrée et datée au verso, présentée dans un cadre plus récent.
Le démagogue est un tableau emblématique de Bendor Mark datant de la période la plus faste de l'après-guerre. Dès le début de sa carrière, Mark a été fasciné par les représentations de la figure humaine et leur capacité à raconter des histoires sur le monde qui l'entoure. Mark était un observateur attentif de son époque et, dans The Demagogue, il dépeint un politicien sans foi ni loi qui brandit le "V" de la victoire en faisant appel aux désirs et aux préjugés insensés des masses. Sous le démagogue se trouve un tourbillon d'humanité représentant l'homme ordinaire qui est poussé vers le bas par les puissants, tandis que la figure vêtue de la liberté, avec sa balance de la justice tenue haute, est écartée. Derrière le démagogue, Marc place deux autres puissantes institutions de soutien qui ont souvent été cooptées par les dictateurs du monde, l'église et l'armée.
Mark était un internationaliste, il est donc difficile de savoir exactement quel démagogue l'a inspiré pour créer cette œuvre, mais en 1952, il y avait beaucoup de choix. Qu'il dépeigne l'Argentin Peron (le démagogue et les femmes à droite ressemblent à Juan et Eva Peron), l'Espagnol Franco ou les marchands de peur des États-Unis comme Joseph McCarthy, Joseph raconte une histoire universelle qui s'est déroulée de manière dramatique pendant la période d'après-guerre, alors que les nations et leurs peuples étaient aux prises avec l'autoritarisme et les pulsions antidémocratiques. D'un point de vue stylistique, The Demagogue s'appuie sur les éléments qui rendent les œuvres de Mark de cette période immédiatement reconnaissables, une palette saturée, une composition serrée et frénétique, une figuration exagérée et des traits de visage stylisés. Mais surtout, nous voyons la capacité de Marc à raconter les histoires des riches et des puissants et leur capacité d'oppression. À l'instar des œuvres de S qui figurent dans la collection du Whitney Museum of American Art (The Hourglass - 1950-51) et au Los Angeles County Museum of Art (Execution - 1940), The Demagogue ne mâche pas ses mots, l'artiste mettant à nu les menaces qui pèsent sur la liberté et les droits fondamentaux de l'homme.
Bendor Mark était un peintre américain moderniste et réaliste social. Né sous le nom de Bernard Marcus le 5 juin 1912 à Brooklyn, New York, Mark s'est formé à la Cooper Union dans les années 1920, où il a étudié avec William Brantley van Ingen et est devenu un artiste primé qui s'est concentré sur la peinture de la figure humaine. Après son séjour à Cooper, Mark a continué à vivre à New York et a travaillé comme artiste commercial et designer textile, tout en poursuivant sa carrière de peintre. Comme beaucoup d'artistes de l'ère de la Dépression, Mark s'engage auprès des progressistes sociaux et en 1934, il rejoint l'Artist's Union qui a pour objectif de faire progresser la position des artistes en tant que "travailleurs". La peinture de Mark, Restaurant, qui fait aujourd'hui partie de la collection permanente du Smithsonian American Art Museum, est apparue dans l'édition de février 1936 de la publication de l'Union, Art Front, dans le cadre d'une critique d'une exposition à l'ACA Gallery à New York.
Mark a travaillé dans le cadre du Federal Art Project et, entre le milieu et la fin des années 1930, il a commencé à peindre une série de tableaux explorant les conditions de travail et les dangers de l'industrie minière. Mark pensait que les mineurs étaient "à l'avant-garde de la lutte pour l'émancipation" et que la simple "lutte pour l'existence revient à déplacer des montagnes". Il se passionne pour la guerre civile espagnole et peint des images sympathiques en faveur de la République espagnole. Mark a été un antifasciste précoce et, tout au long de sa carrière, il a peint des œuvres critiquant les dictateurs et autres oppresseurs. À la fin des années 1930, Mark participe à des concours de peintures murales avec des dessins influencés par les muralistes mexicains, enseigne l'art aux adultes dans le Queens, à New York, et est instructeur au Queensboro Art Center du WPA. Il était tellement engagé dans l'art socialement progressiste qu'en 1934, il avait changé son nom en Bendor Mark, en partie pour distinguer ses peintures réalistes sociales de son travail antérieur.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, Mark a travaillé comme artiste pour des entrepreneurs militaires. Après la guerre, il a travaillé comme graphiste et dans l'imprimerie avant de s'installer en Californie du Sud en 1948, où il a repris sa pratique artistique l'année suivante avec des images politiquement et socialement chargées qui reflétaient son point de vue sur les lacunes de l'après-guerre, la menace persistante du fascisme et les tensions internationales de la guerre froide. L'humeur du pays s'est déplacée vers la droite pendant l'ère McCarthy et l'attention du monde de l'art s'est portée sur l'abstraction au détriment de la figuration, ce qui a nui à la carrière de Mark en tant que peintre.
Des années 1950 aux années 1980, Mark a continué à dépeindre les événements qui ont façonné le monde qui l'entoure, en utilisant souvent une approche très stylisée caractérisée par des compositions dynamiques à plusieurs figures, une palette subtile et sourde, et des traits expressifs exagérés. Un examen de l'œuvre de Mark suggère que peu de personnes ont échappé à son attention. Il a peint des présidents, des premiers ministres, des membres de la famille royale, des évangélistes, des musiciens et des dictateurs (et leurs hommes de main), ainsi que des mineurs, des ouvriers agricoles, des citadins pauvres, des manifestants, des chômeurs et des dépossédés. Il a mis à nu l'arrogance, la cruauté et l'hypocrisie des élites mondiales. Mark a fait remarquer qu'"une œuvre d'art ne peut être pleinement appréciée ou comprise sans tenir compte de l'ambiance sociopolitique et culturelle qui lui a donné naissance". Et de poursuivre : "J'ai la capacité de prévoir la Directional des événements sociaux et politiques alors qu'ils sont en train de se dérouler." Il n'était cependant pas lui-même un activiste politique direct. Bien que Mark ait déclaré : "C'est une idée fausse de séparer l'art de l'aspect social de la vie", il considérait les artistes comme neutres. Selon Mark, "une attitude apolitique reflète le fait que l'artiste est passif. ... . Un artiste n'agit jamais sur la société, il ne fait que la refléter."
Outre les muralistes mexicains, Mark a été influencé par les anciens maîtres Rembrandt, Michelangelo et Masaccio, ainsi que par le maître plus moderne Van Gogh. Les écrits de Mark reconnaissent directement ces influences et les documents d'archives provenant de sa succession comprennent des articles de magazines, des brochures et des transparents relatifs à ces artistes. Mark a également collecté des documents relatifs à plusieurs de ses contemporains du réalisme social, notamment Reginald Marsh, Ben Shahn, Leonard Baskin et Raphael Soyer, qui était un bon ami de Mark. Pendant des années, Soyer a envoyé à Mark des cartes de vœux et Soyer a inscrit un message d'amitié sur un autoportrait qu'il a offert à Mark dans les années 1970, toutes ces cartes étant encore conservées dans la collection de la famille de Mark.
De la fin des années 1920 au milieu des années 1950, le travail de Mark a été bien accueilli. Ses peintures ont remporté des prix et ont été acceptées dans d'importantes expositions avec jury, notamment au Brooklyn Museum, à l'Exposition universelle de New York et au Metropolitan Museum of Art. Il est reconnu au niveau national pour ses peintures représentant les opprimés et les travailleurs ordinaires. Malgré le déclin de la popularité de l'art figuratif dans les années 1950 et 1960, Mark est resté fidèle à son intérêt pour la représentation de la figure humaine et, au cours des deux dernières décennies de sa vie, son travail a fait l'objet d'une réévaluation, les conservateurs ayant inclus les peintures de Mark dans des expositions mettant en valeur le rôle du travail dans l'art au cours de l'ère de la dépression. Cette reconnaissance s'est poursuivie ces dernières années lorsque Mark a été honoré par l'inclusion de son travail dans l'exposition révolutionnaire du Whitney Museum of American Art, Vida Americana, qui a exploré le rôle de pionnier que les muralistes mexicains ont joué dans le développement de l'art moderne américain pendant l'entre-deux-guerres. L'influence de Rivera, Siqueiros et Orozco sur Mark est indéniable et ses peintures des années 1950 (et au-delà) s'inscrivent confortablement dans un dialogue avec d'autres artistes de Los Angeles qui ont continué à peindre dans la tradition du réalisme social longtemps après que le monde de l'art dominant se soit orienté vers l'abstraction. L'intérêt de Mark pour les communautés brunes et noires mal desservies était partagé par des artistes tels que Charles Whiting et son allié, Edward Biberman. En outre, la stylisation de la forme humaine, les compositions très serrées et les expressions faciales exagérées des sujets méritent d'être comparées aux œuvres de White de cette période.
Le travail de Mark, qui combine des éléments du réalisme social, du modernisme, du réalisme magique et de la caricature politique, a une dimension extra-terrestre. La synthèse de ces genres par Mark et les peintures qui en résultent sont des témoignages uniques de sa vision artistique distincte et de l'époque à laquelle il a vécu. Nombre de ses peintures ont une qualité narrative manifeste, avec des références claires à ses sujets et aux messages sous-jacents de son art. Une fois qu'un spectateur s'est familiarisé avec l'œuvre, les peintures de Mark sont immédiatement reconnaissables, car aucun autre artiste n'a poursuivi un style similaire. Qu'il s'agisse de portraits de personnes célèbres, infâmes ou ordinaires, l'œuvre de Mark ne laisse guère de doute quant à sa préoccupation pour l'individu et les droits fondamentaux de l'humanité. Bien que de nombreux sujets qu'il dépeint soient visuellement durs et troublants, son objectif est de donner un sentiment "d'espoir, de dignité et de détermination à améliorer les choses". C'était un artiste intellectuel. Mark a déclaré : "Pour moi, la peinture, c'est plus que l'œil, c'est ce qu'il y a dans le cerveau". Pour Mark, ses observations du monde qui l'entoure sont tout aussi valables que n'importe quel essai, conférence ou livre savant, et il a prophétisé que si le monde ne se détruisait pas dans un holocauste nucléaire, ses peintures feraient à jamais partie de l'histoire américaine.
Mark est cité dans Who was Who in American Art et dans d'autres ouvrages de référence, et ses peintures font partie des collections permanentes de grandes institutions, dont le Smithsonian American Art Museum, le Whitney Museum of American Art, le Los Angeles County Museum of Art et le Butler Institute of American Art. Les peintures de Mark ont rarement été offertes et aucune peinture importante n'a été présentée aux enchères.
- Créateur:Bendor Mark (1912, Américain)
- Année de création:1952
- Dimensions:Hauteur : 60,96 cm (24 po)Largeur : 50,8 cm (20 po)Profondeur : 5,08 cm (2 po)
- Autres éditions et dimensions:24 x 20 inchesPrix : 15 000 $US
- Support:
- Mouvement et style:
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- Adresse de la galerie:Los Angeles, CA
- Numéro de référence:1stDibs : LU1859215629342
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