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Lazar ObicanGrande peinture à l'huile artisanale européenne naïve Lazar Obican French Scarecrow Clown1968
1968
À propos de cet article
Lazar Obican 1944-2004
Genre : Autre
Sujet : Personnes
Médium : Huile
Surface : Toile
Dimensions : 35" x 16.5
Dimensions avec cadre : 35.5" x 17.25
Une composition en empâtement qui représente un clown épouvantail coloré avec un oiseau perché sur son épaule et une bouteille de vin français
Signature de l'artiste L OBICAN en bas et datée de 1968. Titre au verso.
Taille de l'œuvre : 36 x 25 in. Encadré 37.5 x 26 x 1 in
Le style iconique de l'artiste Lazar Obican est à la fois enfantin et magistralement adulte ; un style qui raconte une histoire aux accents sociologiques. Ses drôles de petits personnages sont toujours colorés, pleins d'esprit, vivant avec la musique et les oiseaux pour leur apporter du bonheur.
Lazar Obican, artiste, peintre, sculpteur et céramiste mosaïque, est né à Cannes, en France, dans sa famille yougoslave. Il termine sa formation, imprégné de l'esprit de son pays natal, de son peuple, de ses légendes, de sa philosophie. On a dit de son œuvre qu'elle avait une "qualité intemporelle" et un style naïf, folklorique, brut, enfantin et primitif. Obican est identifié à son style dans le monde entier, un style simple mais sophistiqué, enfantin mais magistralement adulte, un style qui raconte une histoire aux accents psychologiques, philosophiques ou sociologiques. Ses drôles de petits personnages sont toujours colorés, pleins d'esprit, vivant avec la musique et les oiseaux pour leur apporter du bonheur. Il est surtout connu pour ses représentations du folklore et des costumes traditionnels dans un style ludique et enfantin, ainsi que pour ses joyeuses scènes de mariage juives. Il utilise souvent des couleurs vives et des contours noirs dans ses représentations de personnages et d'animaux, ce qui confère à son travail une qualité proche de l'illustration. Sur le plan thématique, l'œuvre de l'artiste se rapproche de Marc Chagall et de Jean Dubuffet par ses images oniriques et son style de peinture dit naïf. Au cours de sa carrière, l'artiste a entretenu un studio à Boca Raton, en Floride, et à Dubrovnik, en Croatie - une partie de l'ancienne Yougoslavie - où il a développé un intérêt pour la culture juive d'Europe de l'Est. Nombre de ses œuvres de maturité représentent des traditions et des cérémonies juives, notamment des mariages juifs traditionnels, la danse de la Hora et la musique traditionnelle. Une exposition de ses œuvres est présentée dans son ancien studio de Dubrovnik.
Son style est un conglomérat unique de tradition, d'histoire, de légendes, de héros, de vieilles coutumes et de folklore. C'est un style autonome, reconnaissable, joyeux, fantaisiste et une création heureuse. L'art naïf est une forme d'art visuel créée par une personne qui n'a pas reçu l'éducation et la formation formelles que reçoit un artiste professionnel (en anatomie, histoire de l'art, technique, perspective, façon de voir). Contrairement à l'art populaire, l'art naïf ne témoigne pas nécessairement d'un contexte culturel distinct ou d'une tradition. L'art naïf est reconnu, et souvent imité, pour sa simplicité et sa franchise enfantines. Les peintures de ce type ont généralement un style de rendu plat avec une expression rudimentaire de la perspective.
Un peintre particulièrement influent de l'"art naïf" est Henri Rousseau (1844-1910), un post-impressionniste français qui a été découvert par Pablo Picasso. L'art naïf est souvent considéré comme un art outsider, réalisé par une personne sans formation ou diplôme formel (ou peu). Si cela était vrai avant le vingtième siècle, il existe aujourd'hui des académies d'art naïf. L'art naïf est désormais un genre artistique pleinement reconnu, représenté dans les galeries d'art du monde entier.
Des musées consacrés à l'art naïf existent désormais à Kecskemét, en Hongrie, à Riga, en Lettonie, à Jaen, en Espagne, à Rio de Janeiro, au Brésil, à Vicq, en France, et à Paris. l'"art primitif" est un autre terme souvent appliqué à l'art par ceux qui n'ont pas de formation formelle, mais historiquement, il est plus souvent appliqué aux œuvres de certaines cultures qui ont été jugées socialement ou technologiquement "primitives" par le monde académique occidental, comme l'art amérindien, l'art de l'Afrique subsaharienne ou des îles du Pacifique (voir art tribal). On le distingue du primitivisme, mouvement d'inspiration "primitive" et consciente. Un autre terme lié à l'art naïf (mais pas complètement synonyme) est l'art populaire. Il existe également les termes "naïvisme" et "primitivisme" qui sont généralement appliqués aux peintres professionnels travaillant dans le style de l'art naïf (comme Paul Gauguin, Mikhail Larionov, Paul Klee).
En tout état de cause, on peut considérer que l'art naïf occupe une position "officielle" dans les annales de l'art du XXe siècle depuis - au plus tard - la publication de l'almanach Der Blaue Reiter, en 1912. Wassily Kandinsky et Franz Marc, qui ont publié l'almanach, ont présenté 6 reproductions de tableaux du "Douanier" Rousseau (Henri Rousseau), en les comparant à d'autres exemples picturaux. Cependant, la plupart des experts s'accordent à dire que l'année de la "découverte" de l'art naïf est 1885, lorsque le peintre Paul Signac prend conscience des talents d'Henri Rousseau et entreprend d'organiser des expositions de ses œuvres dans un certain nombre de galeries prestigieuses. Le groupe Terre (Grupa Zemlja) était composé d'artistes, d'architectes et d'intellectuels croates actifs à Zagreb de 1929 à 1935. Le groupe comprenait les peintres Krsto Hegedušić, Edo Kovačević, Omer Mujadžić, Kamilo Ružička, Ivan Tabaković et Oton Postružnik, les sculpteurs Antun Augustinčić, Frano Kršinić et l'architecte Drago Ibler. Terme appliqué aux peintres naïfs yougoslaves (croates) travaillant dans ou autour du village de Hlebine, près de la frontière hongroise, à partir de 1930 environ. Parmi les artistes naïfs les plus connus figurent Dragan Gaži, Ivan Generalić, Josip Generalić, Krsto Hegedušić, Mijo Kovačić, Ivan Lacković-Croata, Franjo Mraz, Ivan Večenaj et Mirko Virius. Camille Bombois (1883-1970) Ferdinand Cheval, dit " le facteur Cheval " (1836-1924) Henry Darger (1892-1973) L. S. Lowry (1887-1976) Grand-mère Moses, Anna Mary Robertson (1860-1961) Nikifor (1895-1968) Pologne, Horace Pippin (1888-1946) Jon Serl (1894-1993) Etats-Unis Alfred Wallis (1855-1942) Scottie Wilson (1890-1972) Gesner Abelard (né en 1922) Jan Balet (1913-2009) Michel Delacroix (né en 1933) France Howard Finster (1916-2001) Ivan Rabuzin (1921-2008)
Musée d'art spontané à Bruxelles
Musée Art en Marge à Bruxelles
MADmusée à Liège
Musée international d'art naïf du Brésil à Cosme Velho, Rio de Janeiro
Galerie Jacques Ardies à São Paulo
Musée international d'art naïf de Magog à Magog
Musée croate d'art naïf à Zagreb
Galerie de l'art naïf croate à Zagreb
Musée d'art naïf croate à Hlebine
Musée international d'Art naïf Anatole Jakovsky à Nice
Musée d'Art Naïf - Max Fourny à Paris
Musée international d'art naïf à Vicq (près de Versailles)
Musée d'art naïf de Beraut (près de Toulouse)
Musée Charlotte Zander à Bönnigheim
Gesellschaft für Naive Kunst à Hanovre
Musée des artistes naïfs hongrois à Kecskemét
Galerie d'art naïf international (GINA) à Tel Aviv
Musée d'art naïf à Moscou
Collection d'art naïf et outsider du Dr. X. Bogucharskaia et A.Turchin
Collection d'art autodidacte et d'art brut d'Anthony Petullo
Musée d'art visionnaire américain à Baltimore, MD
Sa légion de fans et de collectionneurs comprend des présidents, des sénateurs, des ambassadeurs, des stars de cinéma et des membres de la noblesse européenne. Ses one man shows dans les galeries de New York étaient très populaires parmi le "Who's Who" de l'époque. Alfred Hitchcock a acheté sept de ses œuvres et Frank Sinatra, Stewart Granger et Mickey Rooney comptaient parmi ses nombreux mécènes de premier plan.
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MADELINE CHRISTINE CLAVIER (1913-2015)
Signature : Signé en bas à droite et titré au verso
Médium : Huile sur toile
Provenance : La collection de la famille de l'artiste
Marie Christine Clavier est née à Saigon, au Vietnam, en 1913 de parents français et y a vécu ses années de formation. Elle rentre en France à l'adolescence et commence à étudier la peinture. Son travail s'est rapidement transformé en peintures fantaisistes de poésie et de chansons - harmonisées dans une technique de peinture unique et distincte. Son travail est empreint d'empâtement et d'une sensibilité d'art populaire, d'artiste outsider. Le style est similaire à celui de Maik et d'autres réalistes fantastiques qui utilisent des animaux, des fleurs et du feuillage dans leurs œuvres. Marie Clavier peignait pour elle-même plutôt que pour le profit, car elle était assez indépendante et riche. Dans les années 1970, elle a beaucoup exposé aux États-Unis, notamment dans le Connecticut et à New York, dans diverses galeries et centres culturels. Elle a eu de nombreuses expositions individuelles dans les années 1970, notamment à la Maison française de New York et à l'Université de New York. Elle a exposé à la Galerie Bernheim Jeune à Paris. Elle a remporté de nombreux prix pour son travail, notamment des médailles d'or et des palmes d'or. En 1988, le prestigieux éditeur d'art Leopard D'Or a publié un livre-catalogue sur sa vie et son œuvre - à ce moment-là, elle avait pratiquement abandonné la peinture. Elle est décédée en 2015 à l'âge de 102 ans.
La galerie Bernheim-Jeune est l'une des plus anciennes galeries d'art de Paris. Ouvert rue Laffitte en 1863 par Alexandre Bernheim (1839-1915), ami de Delacroix, Corot et Courbet, il a changé plusieurs fois de lieu avant de s'installer avenue Matignon. La galerie a promu les réalistes, les peintures de l'école de Barbizon et, en 1874, les premiers peintres impressionnistes et plus tard post-impressionnistes. Elle a fermé en 2019. En 1901, Alexandre Bernheim, avec ses fils, Josse (1870-1941) et Gaston (1870-1953), organise la première exposition importante de tableaux de Vincent van Gogh à Paris, avec l'aide du critique d'art Julien Leclercq. En 1906, Bernheim-Jeune frères commence à présenter des œuvres de Pierre Bonnard, Edouard Vuillard, Paul Cézanne, Henri-Edmond Cross, Kees van Dongen, Henri Matisse, Le Douanier Rousseau, Raoul Dufy, Maurice de Vlaminck, Amedeo Modigliani, Maurice Utrillo et Georges Dufrenoy. De 1906 à 1925, le critique d'art Félix Fénéon a été le directeur de la galerie et a contribué à l'introduction de l'art de Georges Seurat et d'Umberto Boccioni.
En 1922, une exposition réunit des œuvres d'Alice Halicka, Auguste Herbin, Pierre Hodé...
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