Charles Houghton Howard

Peinture surréaliste de Charles Houghton Howard Nature morte avec mains et œufs

1931

Charles Houghton Howard est né à Montclair, dans le New Jersey. Il est le troisième des cinq enfants d'une famille cultivée et éduquée dont les racines remontent à la colonie de la baie du Massachusetts. Son père, John Galen Howard, était un architecte formé à l'AT&T et à l'École des Beaux-Arts de Paris, et avait fait son apprentissage à Boston auprès de H. H. Richardson. À New York, l'aîné des Howard a travaillé pour McKim, Mead and White avant d'établir un cabinet privé prospère. Mary Robertson Bradbury, la mère de Charles, avait étudié l'art avant son mariage. John Galen Howard a déménagé sa famille en Californie en 1902 pour occuper le poste d'architecte superviseur du nouveau campus de l'université de Californie à Berkeley et pour servir en tant que professeur d'architecture et premier Deans de l'école d'architecture (créée en 1903). Les quatre fils Howard ont grandi en tant qu'artistes et se sont tous mariés avec des artistes, laissant un héritage familial de création artistique dans la région de la baie de San Francisco qui perdure jusqu'à aujourd'hui, notamment dans le design, les peintures murales et les reliefs de la Coit Tower et des bâtiments du campus de Berkeley.

Charles Howard a obtenu son diplôme de journalisme à l'université de Californie à Berkeley en 1921. Il a poursuivi des études supérieures en anglais aux universités de Harvard et de Columbia avant d'entreprendre un voyage de deux ans en Europe. Howard s'est rendu en Europe en tant qu'écrivain en herbe. Mais une expérience quasi religieuse, l'observation d'un tableau de Giorgione dans une ville isolée à l'extérieur de Townes, s'est révélée être une épiphanie qui a changé sa vie. Selon ses propres termes, "j'ai interrompu la tournée sur-le-champ et je me suis empressé de rentrer à Paris, pour commencer à peindre. Depuis, je peins dès que je peux" (Charles Howard, "What Concerns Me", Magazine of Art 39, no 2 [février 1946], p. 63). L'exploit de Giorgione, qui a su utiliser un langage visuel structuré et rationnel pour transmettre une grande émotion sur la toile, a immédiatement convaincu Howard que la peinture, et non la littérature, était le meilleur moyen d'exprimer ce qu'il voulait dire. Howard retourne aux États-Unis en 1925, confirmé dans son intention de devenir artiste.

Howard s'installe à New York et subvient à ses besoins en tant que peintre dans l'atelier de décoration de Louis Bouché et Rudolph Guertler, où il se spécialise dans la peinture murale. Consacrant son temps libre à son propre travail, il a vécu à Greenwich Village et s'est immergé dans le milieu culturel d'avant-garde du centre-ville. La fin des années 1920 et le début des années 1930 sont les années de l'apprentissage artistique d'Howard. Il n'a jamais suivi d'enseignement artistique formel, mais son œil vif, la profondeur de ses sentiments et son engagement intense dans le processus de création artistique lui ont permis d'assimiler intuitivement des éléments de peinture à partir de la grande variété d'œuvres d'art qui l'intéressaient. Il a trouvé son inspiration dans les mouvements modernistes de l'époque, à la fois pour leur adhésion à des qualités formelles abstraites et pour la nature cosmopolite et internationale des mouvements eux-mêmes. Profondément influencé par le surréalisme , Howard a fait partie d'un groupe de surréalistes américains et européens regroupés autour de Julien Levy. Levi's a ouvert sa galerie éponyme en 1931 et s'est fait connaître en janvier 1932, lorsqu'il a organisé et accueilli Surrealisme, la toute première exposition du surréalisme en Amérique, qui comprenait une œuvre d'Howard. Levi's est resté le principal défenseur du surréalisme en Amérique jusqu'à ce qu'il ferme sa galerie en 1949. L'association d'Howard avec Levi's au début des années 1930 confirme la place de l'artiste au sein de la communauté avant-gardiste new-yorkaise de l'époque.

En 1933, Howard quitte New York pour Londres. Il est probable que le désir d'Howard de faire partie d'une communauté artistique internationale, ainsi que son mariage avec l'artiste anglaise Madge Knight (1895-1974), aient été parmi les facteurs qui ont conduit à ce déménagement. À Londres, il s'associe à Unit One, un groupe de peintres, de sculpteurs et d'architectes modernistes qui se définit par l'engagement de ses membres en faveur de l'art abstrait et surréaliste. Howard s'épanouit dans cet environnement, développant un style surréaliste personnel de formes abstraites et biomorphiques combinées à une imagerie vaguement représentative, similaire à bien des égards aux œuvres de Wassily Kandinsky, Jean Arp, Joan Aó et Alexander Calder. Le commentaire d'Howard lui-même sur les affinités stylistiques est Apt (et beaucoup plus honnête que ce qui est habituel chez les artistes) : " J'ai accueilli l'influence d'autres peintres. Je ne crois pas à l'originalité pure, et dans l'élaboration de mon travail, je me suis appuyé sur ma propre obsession. Si ce n'était pas assez fort pour intégrer sa propre expression, il me semble que cela ne servirait à rien de peindre de toute façon" (cité dans Dorothy Miller, éd., Americans 1942, exhib. cat. [New York : The Museum of Modern Art, 1942], p. 75). Howard a participé à l'exposition internationale surréaliste qui a fait date, à la New Burlington Galleries, à Londres, en 1936, la première exposition surréaliste à se tenir en Angleterre, preuve une fois de plus de la grande considération que son art suscitait dans les cercles artistiques londoniens. En 1939, Peggy Guggenheim a organisé une exposition solo d'Howard dans sa galerie londonienne, Guggenheim-Jeune.

Howard concevait ses œuvres comme des étapes d'un processus de découverte psychologique de soi : "Ce sont en fait tous les portraits d'un même sujet général, d'une même idée, portée aussi loin que je suis capable à ce moment-là." En même temps, elles n'ont pas été conçues comme spécifiques à l'artiste, mais plutôt comme des déclarations accessibles d'une humanité partagée.

Je n'appartiens pas à une élite. Je ne découvre pas de secrets. Je traite d'un matériel qui appartient à tout le monde, en le présentant avec l'anonymat fondamental d'un être humain à la surface de la terre. Je fais des images avec des formes communes à l'homme de n'importe où, de n'importe quelle race, de n'importe quelle génération, indépendamment du temps. (Howard, "What Concerns Me", p. 64).

L'historien de l'art Douglas Dreishpoon note :

Le surréalisme a séduit [Howard] pour plusieurs raisons : il était européen et moderne ; il avait le potentiel, surtout lorsqu'il était combiné à l'abstraction, de fonctionner symboliquement comme un analogue des états psychologiques et des conditions internes ; il reconnaissait l'esprit comme un champ de bataille de forces conflictuelles, un dépôt d'images archétypales ; et il incarnait une vision du monde qui courtisait l'anarchie et le chaos, le changement et la transformation (Condit, "Some Thoughts on the Enigmatic Charles Howard", in Charles Howard 1899-1978 : Drama of the Mind, cat. d'expo. [New York : Hirschl & Adler Galleries, 1993], pp. 6-7).

L'art d'Howard est empreint d'une discipline et d'un contrôle stricts, qui se reflètent dans sa méthode de travail. Il travaillait sans relâche sur des tableaux individuels, réalisant de nombreuses études avant de commencer à peindre, puis créant lentement et soigneusement jusqu'à ce qu'il obtienne le résultat souhaité. Bien qu'Howard ait eu recours à certaines techniques automatisées au cours des premières étapes de l'élaboration de ses compositions, il n'a rien laissé au hasard lorsqu'il s'est agi de poser la peinture sur la toile. L'acte de peindre à l'huile n'est jamais devenu "facile" pour Howard. Il a déclaré : "[La peinture] n'est pas une activité frénétique. C'est une corvée. Il s'agit d'une bataille fastidieuse et détournée avec un média intraitable. C'est décevant à chaque fois, même si l'on se donne du mal et que l'on utilise toute l'expérience et l'habileté possibles" (Howard, "What Concerns Me", pp. 63-64).

Howard a vécu sept ans à Londres avant de revenir à San Francisco en 1940, au début de la Seconde Guerre mondiale. Il a travaillé à domicile comme monteur de navires dans un chantier naval en temps de guerre, a été rédacteur au Bureau d'information sur la guerre à San Francisco et, plus tard, a enseigné la peinture à l'école californienne des beaux-arts. Il continue à peindre de manière méthodique, exposant régulièrement dans des lieux contemporains importants tels que le Carnegie Institute, Pittsburgh, la Pennsylvania Academy of Fine Art, Philadelphie, le Whitney Museum, New York, et la Corcoran Gallery, Washington, D.C., se forgeant ainsi une réputation critique dans son pays d'origine. Howard a fait partie de l'exposition historique "Americans 1942" au Museum of Modern Art de New York et, la même année, il a participé à l'exposition inaugurale de la galerie new-yorkaise de Peggy Guggenheim, "Art of This Century". En 1946, l'œuvre d'Howard fait l'objet d'une grande exposition rétrospective de trente-trois huiles et de plusieurs gouaches et dessins au California Palace of the Legion of Honor à San Francisco, qui consacre l'artiste comme une figure majeure du modernisme américain.

Charles et Madge Howard sont retournés en Angleterre en 1946 et se sont finalement installés à Helions Bumpstead, un petit village du nord-ouest de l'Essex, près de la frontière avec le Suffolk et le Cambridgeshire. Howard s'est rapidement réengagé dans la communauté artistique londonienne qui avait nourri sa carrière dans les années 1930. De 1959 à 1963, il enseigne la peinture à la Camberwell School of Arts and Crafts de Londres. De nature timide et érudite, Howard a suivi de près le mode pictural qu'il avait établi dans les années 1930 et 1940, restant fidèle à sa vision d'un art surréaliste capable d'exprimer des états psychologiques intérieurs complexes. Bien que sa position le place en dehors des courants artistiques contemporains, position renforcée par son éloignement de son pays d'origine, Howard se sent à l'aise pour suivre une voie indépendante. Son œuvre constitue donc un ensemble cohérent et unifié qui représente un style personnel distinctif perfectionné au fil du temps. Howard est resté en Angleterre jusqu'en 1970, date à laquelle Madge et lui se sont retirés à Bagna di Lucca, en Italie.

Excavation, datée de 1932, est une importante huile de jeunesse d'Howard, peinte à New York avant son départ pour Londres et marquant la fin de ses années d'apprentissage. Le tableau évoque un site d'excavation de rue en forme de paysage de rêve, combinant le modelage ferme et assuré d'Howard et ses formes aux contours nets dans une composition soignée utilisant les distorsions qui distinguent le style surréaliste. Le tableau offre une première expression de l'abstraction pure et dure qui a rendu les travaux ultérieurs d'Howard si distinctifs. Excavation a fait partie de la première exposition personnelle d'Howard à la Julien Levy Gallery, à New York, en 1932-1933. Le spectacle a laissé perplexe les critiques qui n'étaient pas préparés au style avant-gardiste d'Howard. Ce n'est que dans les années 1940 que les critiques américains ont commencé à comprendre l'attachement indéfectible d'Howard à l'abstraction pure et dure. Lors de sa rétrospective au California Palace of the Legion of Honor, à San Francisco, en 1946, et d'une exposition individuelle de ses œuvres la même année à la Nierendorf Gallery, à New York, les critiques avaient enfin "compris" ce qu'Howard faisait. Une revue de l'exposition de Nierendorf a donné une évaluation typiquement élogieuse :

Un événement intéressant pour les amateurs d'abstrait est l'exposition actuelle de toiles du pinceau de Charles Howard, aux Nierendorf Galleries. L'exposition est rétrospective et comprend des œuvres exécutées entre 1925 et 1946. . . .

Ces toiles réfléchies, réalisées par un peintre largement reconnu comme étant à l'avant-garde du courant abstrait américain (bien qu'il soit actuellement expatrié, résidant en Angleterre), récompenseront largement un examen attentif de la part de ceux qui s'intéressent sérieusement aux problèmes de la composition, de l'espace et de la couleur. Le sens de la composition de l'artiste dans le placement des formes est étrange et il ne rate jamais sa cible (Ben Wolf, "Charles Howard, Veteran Abstractionist", Art Digest 21 [1er octobre 1946], p. 18).

Cela a pris près de 15 ans mais, comme le montre ce qui précède, le style intransigeant d'Howard a fini par être récompensé.

Peu d'œuvres d'Howard datant du début des années 1930 ont été mises au jour. L'excavation elle-même a fait partie d'une collection privée pendant de nombreuses années et n'a pas été vue par le public depuis 1946. Au fur et à mesure que d'autres œuvres majeures de la première période d'Howard apparaîtront, nous pourrons, nous l'espérons, mieux comprendre les débuts de la carrière de l'un des premiers artistes abstraits américains les plus importants. Cela dit, Howard reste aujourd'hui un artiste sous-estimé et insuffisamment reconnu, et donc d'un intérêt particulier pour les collectionneurs avertis. Son profil bas est en partie dû à la taille limitée de son œuvre, un reflet de l'extrême délibération et du temps qu'il prenait pour chaque travail. Plus important encore, Howard a suivi sa propre muse, échappant à toute étiquette facile, à la fois surréaliste et peintre abstrait. Il s'est fermement démarqué de l'expressionnisme qui a dominé le monde de l'art dans la seconde moitié du XXe siècle. Bien que membre d'une importante famille artistique de la région de la baie, il n'y a peint que pendant les années de guerre et n'a laissé que peu de traces de sa présence. Jeune artiste à New York, il en est parti en 1933 et n'a donc jamais été affilié à une quelconque "école new-yorkaise". L'essentiel de sa vie créative s'est déroulé en tant qu'expatrié en Angleterre, un Américain certes, mais là encore, un homme difficile à catégoriser. Marié, mais sans enfant, il n'a pas laissé d'héritiers pour promouvoir sa réputation posthume. Malgré tout, Howard a bénéficié pendant des décennies de l'admiration enthousiaste de ses collègues artistes et des critiques d'art. Ses œuvres figurent dans des collections aussi importantes que celles de l'Art Institute of Chicago, du Metropolitan Museum of Art de New York et du San Francisco Museum of Modern Art.

(Biographie fournie par Hirschl & Adler)