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Helen Clark Oldfield« Two Bottles », réalisme de la scène américaine du milieu du 20e siècle, artiste féminine de la WPA, années 19401943
1943
À propos de cet article
"Deux bouteilles" Scène américaine Réalisme Milieu du 20e siècle Femme Artiste WPA Années 1940
Helen Clark Oldfield "Two Bottles", 1943. Signé "Helen Oldfield" en bas à droite. Huile sur panneau de toile, 18 x 14 pouces. Provenance : Succession de l'artiste.
Helen Clark Oldfield est née à Santa Rosa. Son père, James E. Clark, a investi dans des exploitations locales de houblon. Il a été l'un des directeurs de la première banque de Santa Rosa.
Oldfield vivait au 547 Mendocino Avenue, dans l'une des plus belles maisons construites sur mesure de la ville. Elle était l'aînée de la famille. Ils passaient les étés dans leur cabine de plage à Jenner-by-the-Sea.
Elle était une bonne élève et a obtenu son diplôme du lycée DeWitt Montgomery de Santa Rosa avec des notes de niveau universitaire. Malheureusement, cette situation idyllique s'est brusquement effondrée. En raison d'un scandale de fraude à la Banque, son père a confisqué la plupart de ses biens afin d'éponger les pertes de ses clients.
À l'époque où ses camarades de lycée partaient à l'université dans l'est du pays, Mme Oldfield a suivi sa famille dans une nouvelle vie d'agricultrice. Elle trouvait cette vie frustrante, car elle avait peu de temps à consacrer à ses intérêts après avoir accompli ses tâches quotidiennes. Elle y a développé son don naturel pour les travaux d'aiguille sophistiqués. À l'époque, elle a également suivi un cours par correspondance en design industriel et est devenue une experte en couture.
Sa famille n'était pas satisfaite de l'arrangement agricole. Ils ont décidé de déménager à Oakland. En 1921, ils ont acheté une maison au 318 Hemphill Place. De là, chacun pouvait chercher un emploi rémunéré et Helen a enfin eu l'occasion de s'inscrire dans une excellente école d'art. Elle s'inscrit au California College of Arts and Crafts sur Alliston Way, à Berkeley. Elle a suivi tous les cours de design disponibles ainsi qu'un cours de dessin et de peinture. Sur Broadway, à Oakland, elle a trouvé un emploi à la Novelty Electric Sign Company. Après y avoir acquis une première expérience, Helen Oldfield a rapidement trouvé un emploi bien plus intéressant en tant qu'assistante de Geo. L. Collins, un concepteur réputé du Hearst Building de San Francisco.
Au cours de sa deuxième année au C.C.A.C., on a parlé à Helen d'un célèbre artiste californien tout juste rentré de France qui était en train de changer la scène artistique de San Francisco. Elle décide d'assister à l'une de ses conférences "modernistes". L'orateur qu'elle a rencontré était Otis Oldfield. En avril 1925, Helen s'inscrit au cours de " peinture de natures mortes " de Oldfield à la California School of Fine Arts de San Francisco.
Helen et Otis se sont mariés à la fin de l'année 1926 dans la cour de pierre de Ralph Stackpole et étaient les chouchous de la communauté artistique de San Francisco. Leur mariage a fait la une de tous les journaux locaux.
Le couple quitte rapidement le studio d'Oldfield dans le "Monkey Block" pour s'installer dans un petit appartement de Telegraph Hill. Ce minuscule espace contient bientôt les ateliers de reliure et d'art d'Otis, l'atelier de design d'Helen et une nouvelle crèche pour les deux petites filles nées en 1926 et 1928.
Bien que la Dépression soit à son comble, Otis continue de subvenir aux besoins de sa famille en enseignant à la California School of Fine Arts. Il expose dans tout le pays et acquiert une très large réputation. Helen Oldfield poursuit ses activités de création et de couture et peint avec Otis chaque fois que l'occasion se présente. Les gens ont commencé à lier leurs styles de peinture, reléguant Helen au rôle d'élève et de suiveuse.
Cette situation a tellement bouleversé Helen qu'elle a abandonné l'idée de montrer son travail de manière indépendante. Elle a plutôt décidé de se concentrer sur les travaux de couture professionnels et de continuer à travailler sur des commandes commerciales de conception de tissus. Grâce à ces contacts, elle a accepté un certain nombre de commandes de peinture et a commencé à expérimenter avec ses signatures, en utilisant parfois uniquement sa première initiale ou simplement "Gina", qui était une partie de son deuxième prénom.
Grâce à la recommandation opportune d'un associé, Helen Oldfield se voit offrir un poste d'enseignante à l'école Sarah Dix Hamlin. Elle a commencé par des cours d'art pour les filles des écoles primaires. Elle était si innovante et si populaire à l'école qu'en 1946, elle s'est vu confier d'autres cours, notamment de peinture et d'histoire de l'art, pour l'académie de l'école supérieure. Lorsqu'elle a pris sa retraite en 1971, Helen avait été directrice du département artistique de l'école Hamlin pendant 15 ans.
Après sa retraite et la mort de son mari, Helen Oldfield s'est lancée dans une vie artistique libre et indépendante. Elle a inventé un nouveau style dans sa peinture à l'huile avec des couleurs doucement mélangées dans une application plus lisse sur la toile. Son expression principale s'est tournée vers des fantaisies visionnaires et des allégories proverbiales complexes. Une grande partie de ce travail a été réalisée sous la forme de grands dessins graphiques figuratifs.
Sa première exposition en galerie a lieu en 1972. Elle a vendu six dessins dans son nouveau style déco-graphique à la Valley Art Gallery de Walnut Creek. Elle a également envoyé des dessins à l'Arts and Crafts Co-op, Inc. de Berkeley et s'est inscrite au San Francisco Art Festival. La même année, elle réalise une commande privée pour un grand nu masculin dans son style réaliste. Helen était souvent sollicitée pour réaliser des portraits sur commande, en raison de sa capacité à créer une image fidèle et succulente.
En 1973, Helen a exposé et vendu quatre autres dessins à la galerie Godfrey de l'hôtel Mark Hopkins de San Francisco. Elle était désormais membre du Sonoma Valley Art Center, où ses œuvres étaient régulièrement exposées. Elle a exposé et a été un membre actif de l'Artist's Equity Association pendant toutes ces années. En 1974-75, Helen a vendu quatre de ses nouvelles peintures acryliques sur toile grâce à son lien avec le Valley Art Center. Son succès n'a cessé de croître au cours des années 1976-1978.
Helen Oldfield souffrait d'arthrite depuis de nombreuses années. En 1974, elle s'est cassé la hanche et est devenue quelque peu immobile. Sa santé et son énergie se sont détériorées à la fin des années 1970. Néanmoins, elle a continué à se concentrer sur le développement de ses dessins figuratifs complexes et de ses aquarelles sur différents supports. En 1980, Helen est devenue résidente de la maison de convalescence Laurel Heights sur California Street. Les propriétaires ont accroché une grande exposition rétrospective de 30 peintures de toutes les périodes et de tous les styles du travail créatif d'Helen. Elle y est décédée en 1981.
Heureusement, cette année-là, elle venait de terminer une interview : "Otis Oldfield and the San Francisco Art Community", pour le Regional Oral History Office de la Bancroft Library de l'Université de Californie. Berkeley. Une transcription distincte de l'histoire orale de 1975 est également disponible auprès de la Marin County Free Library, San Rafael.
En 2003, le San Jose Museum a choisi le Brown Bowl d'Helen pour son exposition de peintures californiennes intitulée "The Not-So-Still-Life". Cette exposition a été présentée au Pasadena Museum of California Art de mars à juin 2004. La peinture d'Helen a été sélectionnée pour l'une des photographies de l'invitation à la "fête d'ouverture" ainsi que pour une reproduction pleine page dans le catalogue de l'exposition.
- Créateur:Helen Clark Oldfield (1902 - 1981, Américain)
- Année de création:1943
- Dimensions:Hauteur : 60,96 cm (24 po)Largeur : 50,8 cm (20 po)Profondeur : 5,08 cm (2 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
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- Adresse de la galerie:New York, NY
- Numéro de référence:1stDibs : LU115629894162
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Tout afficherNature morte Scène américaine Réalisme social 20e siècle Woodstock Modernity Dudensing
Par Konrad Cramer
Nature morte Scène américaine Réalisme social 20e siècle Woodstock Modernity Dudensing
Konrad Cramer (1888 - 1963)
"Bol et serviette en verre noir
16 ½ x 14 pouces
Huile sur panneau
Chantée en bas à droite
Titré et daté 1928 au verso
Provenance : Étiquette de la Zabriskie Gallery (a) Gallery verso
(a) Gallery Gallery (a) Gallery (a) Gallery (a) Gallery (a) Gallery (a) Gallery (a) Gallery (a) Gallery (a) Gallery (a) Gallery (a) Gallery (a)
Encadré 21 1.4 x 18 ½ inches
BIO
Konrad Cramer est né et a grandi à Wurtzburg, en Allemagne, dans une famille d'artistes. Sa mère était chanteuse d'opéra et son oncle était un peintre réputé de natures mortes. Cramer a suivi une formation artistique à l'Académie de Karlsruhe auprès de Ludwig Schmidt-Reutte et d'Ernest Schurth. Il s'est intéressé à l'avant-garde allemande dès le début de sa scolarité en découvrant les œuvres expérimentales de Wassily Kandinsky et de Franz Marc, qui l'ont encouragé dans cette voie. Les paysages cubistes de Paul Cézanne ont eu une influence supplémentaire sur le développement artistique de Paul.
En 1911, Cramer a rencontré et épousé l'artiste américaine Florence Ballin qui voyageait en Allemagne cette année-là. Le couple a d'abord voyagé en Allemagne, visitant les expositions et les studios des artistes d'avant-garde du pays. Cramer s'installe ensuite avec sa femme à Woodstock, dans l'État de New York, où Ballin peignait avec l'Art Students League chaque été depuis 1906. Cramer s'est fait une réputation comme l'un des peintres les plus modernes de Woodstock avec une impressionnante série de peintures abstraites exposées au MacDowell Club en 1913.
Dans les années 1920, Cramer a développé un style représentatif personnel qui mêlait des influences modernes et régionales. En 1920, Cramer a reçu une bourse Rockefeller pour étudier les méthodes d'éducation des artisans en Allemagne et en France. En 1922, il a accepté un poste d'enseignant à l'école de peinture de Woodstock et a participé à la création de l'association des artistes de Woodstock, dont il a été l'un des directeurs. Tout en enseignant et en peignant, Cramer a également appliqué son talent artistique à l'illustration et à la conception de textiles.
Konrad Cramer a exposé pour la première fois au Whitney Studio Club en 1924 et a participé aux première et deuxième biennales du Whitney Museum of American Art en 1933 et 1935. Il a également été inclus dans l'exposition de 1935 Abstract Painting in America au Whitney. Cramer a ensuite été inclus dans l'exposition du Whitney Museum "Pioneers of Modern Art in America" (Pionniers de l'art moderne en Amérique) en 1946. Dans les années 1930, Cramer a participé à de nombreuses autres invitations de musées, notamment : le Carnegie International (1929, 1933, 1937, 1938) ; la Pennsylvania Academy of the Fine Arts (1934, 1936) et la Corcoran Gallery of Art (1935, 1937).
En 1934, Konrad Cramer et sa femme se rendent au Mexique où ils réalisent de nombreuses peintures et dessins. De retour à Woodstock en 1935, Cramer rejoint brièvement le Federal Art Project, administrant le programme régional à Woodstock. Au milieu des années 1930, Cramer s'est mis à la photographie pour clarifier des questions esthétiques dans sa peinture. Cramer avait fait la connaissance d'Alfred Stieglitz à son arrivée en Amérique en 1911 et avait écrit un essai sur la 291 Gallery pour le magazine Camera Work de Stieglitz en 1914. Grâce à Stieglitz puis, dans les années 1930, à des compagnons de Woodstock comme Russell Lee, Cramer s'est intéressé aux possibilités de la photographie et a commencé à l'utiliser comme moyen d'expression artistique.
Tout en continuant à peindre à la fin des années 1930 et dans les années 1940, Cramer partage sa passion pour la photographie en fondant la Woodstock School of Miniature Photography en 1936 ("Miniature" fait référence au format alors nouveau du film 35 mm). Il a également enseigné la photographie au Bard College de 1940 à 1946. Dans les années 1950, Cramer a collaboré avec Manuel Komroff...
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