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Clarence Holbrook CarterArbres en fleurs1939
1939
À propos de cet article
Trees at Bloom, 1939, huile sur toile, 32 x 24 pouces, signée en bas à droite
À propos de la peinture
Trees at Bloom a été peint à l'époque où Clarence Holbrook Carter vivait à Pittsburgh et était instructeur au département de peinture et de design du Carnegie Institute of Technology (aujourd'hui Carnegie-Mellon University), poste qu'il a occupé de 1938 à 1944. Elle représente une épaisse forêt au pied de collines éloignées, juste à l'extérieur de la ville. Pendant son séjour à Pittsburgh, Carter a été profondément influencé non seulement par la puissance industrielle des aciéries et des forges de la ville, mais aussi par la beauté des paysages environnants. Comme le note Frank Anderson Trapp dans son livre sur l'artiste, pour Hille "le terrain lui-même avait sa propre vitalité, avec ses collines escarpées et boisées, parsemées de ravins et de cours d'eau ... ... les signes du fléau industriel qui n'ont pas été atténués dans certaines parties du pays ont été soulagés par la variété géologique du paysage d'origine et par la présence irrépressible de sa croissance naturelle, qui a adouci l'ensemble". Trapp poursuit, "dans ses scènes de situations rurales, Carter avait un don particulier pour rendre ces éléments de manière convaincante". Avec la profusion d'arbres en fleurs qui diffusent la lumière et les cardinaux rouges qui s'élancent d'une branche à l'autre, Trees at Bloom dépeint la "présence irrépressible de la nature" décrite par Trapp.
À propos de l'artiste
Avec Charles Burchfield, Clarence Holbrook Carter a été le premier peintre de scènes américaines de l'Ohio et, plus tard, un réaliste magique innovant. Fils d'un administrateur d'école publique au caractère bien trempé, Carter est né en 1904 près de Portsmouth, dans l'Ohio, une petite ville située au cœur de la vallée de l'Ohio, à la lisière des Appalaches. Bien que ses parents ne le soutiennent pas dans son art, il démontre très tôt ses aptitudes en remportant des prix à la foire de son comté et à la foire de l'État de l'Ohio. Carter a reçu sa formation artistique officielle à la Cleveland School of Art. Pendant ses études et avec le soutien de William Milliken, conservateur au Cleveland Museum of Art, et de Henry G. Keller, son principal instructeur, Carter commence à exposer ses œuvres au May Show annuel du musée, où il obtient une reconnaissance immédiate et un succès commercial, ce qui lui permet de poursuivre ses études en Italie auprès de Hans Hoffman. Ses œuvres ont fait partie d'expositions dans tous les grands musées américains au cours des années 1930 et 1940, y compris le Metropolitan Museum of Art (New York), qui a acheté plusieurs de ses peintures. Les œuvres de Carter font partie des collections permanentes de dizaines de musées, dont le Museum of Modern Art (New York), le Chicago Art Institute et le Carnegie Museum. Ses dernières œuvres surréalistes ont récemment fait l'objet d'une exposition personnelle à la Variously Small Fires Gallery de Los Angeles. Carter figure dans toutes les références habituelles, y compris le Who was Who in American Art.
- Créateur:Clarence Holbrook Carter (1904-2000, Américain)
- Année de création:1939
- Dimensions:Hauteur : 60,96 cm (24 po)Largeur : 81,28 cm (32 po)Profondeur : 7,62 cm (3 po)
- Autres éditions et dimensions:24 x 32 Prix : 7 500 $US
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Los Angeles, CA
- Numéro de référence:1stDibs : LU1859211388842
Clarence Holbrook Carter
Clarence &New Carter a atteint un niveau de succès artistique national presque sans précédent parmi les artistes de l'école de Cleveland de son époque, avec une représentation par les principaux marchands de New York, des dizaines de prix et d'expositions individuelles, et des flots d'éloges de la part des plus grands critiques d'art. Au cours de sa carrière de plus de 60 ans, Carter est passé d'un peintre de scènes américaines d'une qualité exceptionnelle, capable d'évoquer de profonds réservoirs d'humeur, à un abstractionniste au penchant fortement surréaliste. Si ses deux œuvres semblent à première vue éloignées l'une de l'autre, en raison de leurs vocabulaires formels différents, elles explorent en fait pratiquement le même sujet : le lien entre la vie et la mort et le passage de la terre à l'esprit. Les premiers travaux trouvent leur force expressive à travers des personnes, des événements et des paysages spécifiques - dont la plupart sont tirés de son expérience dans la ville fluviale de Portsmouth, en Ohio - tandis que les travaux plus tardifs, réalisés à partir des années 1960, évoquent des états d'âme puissants à travers des formes plates, des couleurs et des formes pures qui se lisent comme des universaux. Il adopte comme forme première l'ovoïde ou l'œuf, qu'il dote de différents degrés de transparence. Seul ou à plusieurs, l'œuf se déplace dans les paysages et les cadres architecturaux de Carter comme un esprit sensible à la recherche d'une solution. Né et élevé dans le sud de l'Ohio, le long des rives du fleuve Ohio et de ses crues dangereuses, Carter a développé dès l'enfance une passion pour le dessin, encouragé par ses deux parents. Il était autonome, trouvait l'inspiration tout autour de lui et était fortement encouragé par le fait que ses travaux d'adolescent remportaient régulièrement des prix artistiques dans les foires du comté et de l'État. Carter a étudié à la Cleveland School of Art de 1923 à 27, où il a été formé par les peintres Henry Keller, Frank Wilcox et Paul Travis. De retour à Cleveland en 1929, Carter présente sa première exposition personnelle et, par l'intermédiaire de Milliken, donne des cours en studio au Cleveland Museum of Art de 1930 à 1937. En 1938, il s'installe à Pittsburgh pour enseigner à l'Institut de technologie de Carnegie jusqu'en 1944. Les peintures de scènes américaines des années 30 et 40, qui ont lancé son étoile artistique, sont les œuvres pour lesquelles l'artiste reste le plus connu. Pendant et immédiatement après la Seconde Guerre mondiale, Clarence Carter s'est rendu compte que son attirance pour les motifs audacieux, les perspectives dramatiques et le design dur et accrocheur ne cadrait pas avec le style dominant de l'expressionnisme abstrait. Heureusement, ces mêmes caractéristiques de son style sont appréciées dans le domaine de l'art commercial. Vers 1964, Carter reconnaît la nécessité de sortir des limites de la peinture figurative. Une fois que Carter a trouvé un symbole puissant dans l'œuf, il l'a utilisé pour créer un ensemble stupéfiant d'images pour le reste de sa vie. Parmi les plus ambitieuses de ses dernières peintures, on trouve ses Transections, un terme théologique signifiant traverser, plus précisément entre la vie et la mort.
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