Peinture impressionniste de paysage en plein air sur lin d'une ferme rurale à la fin de l'été avec des champs verdoyants et des montagnes bleues
ted's Farm", un paysage du nord de l'État de New York, peint en plein air par Harry Orlyk
huile sur lin
14.75 x 19 pouces sans cadre, 19.5 x 23.5 pouces avec un cadre doré
Excellent état, prêt à être accroché tel quel
Harry Orlyk est célèbre pour sa capacité à capturer des paysages ruraux à l'aide de coups de pinceau impressionnistes et de palettes de couleurs vives. Peignant quotidiennement, l'artiste parcourt le nord de l'État de New York, s'arrêtant pour observer et peindre en plein air chaque fois qu'un paysage le frappe. Cette peinture est un parfait exemple de l'esthétique impressionniste d'Orlyk. Ici, l'artiste capture un paysage de campagne paisible et quotidien dans une gamme de tons chauds et dorés. On y voit une ferme de campagne pittoresque et deux silos nichés dans un paysage de champs verdoyants parsemés d'arbres d'un brun chaud, tandis que l'on aperçoit au loin de vastes montagnes bleues. La scène est réalisée à l'aide de coups de pinceau gestuels qui aboutissent sur une surface texturée et empâtée. Le paysage est complété par un cadre doré personnalisé et un fil installé au dos pour une suspension facile.
À propos de l'artiste :
Harry Orlyk est né à Troy, New York, en 1947. En 1971, après avoir obtenu son diplôme universitaire, il a poursuivi ses études à l'Université du Nebraska à Lincoln. Au cours des neuf années suivantes, il a été influencé par plusieurs artistes du Nebraska. "Le peintre de natures mortes Robin Smith m'a appris à utiliser la peinture sans térébenthine - à peindre à partir du tube." Il admet également l'influence du photographe Lawrence McFarland qui lui a appris ce qu'était l'espace spirituel et comment le mettre en valeur. Enfin, il attribue au célèbre peintre de Lincoln Keith Jacobshagen le mérite de lui avoir fait comprendre l'importance de la routine. Il réside actuellement avec sa famille à Salem, dans l'État de New York, près de la frontière du Vermont.
À propos de l'œuvre :
Pour toute personne ayant grandi à la campagne, les peintures à l'huile impressionnistes de Harry Orlyk suscitent un sentiment de mémoire à la fois partagé et profondément personnel. Son travail évoque un retour aux jours passés en tant qu'enfant, lorsque vous jouiez derrière la "grange du vieux Hap", ou que vous jouiez à cache-cache dans le champ de maïs. Si vous avez grandi en ville, les peintures d'Orlyk illustrent ce que vous avez imaginé en vivant à la campagne. Avec chaque changement de jour et de saison, Orlyk nous rappelle la beauté simpliste inhérente à l'Amérique rurale et aux petites villes.
Déclaration de l'artiste :
"Le Cadre", c'est quoi exactement le cadre ? Est-ce une note décorative de séparation entre l'art et la vie, une boîte pour contenir une image ? Quoi qu'il en soit, il s'agit d'un outil de studio utile pour rendre le travail artistique plus accessible. Pourtant, sans vouloir manquer de respect à l'égard du pouvoir qu'a un cadre d'inciter une personne à acheter une peinture, ou même à aimer une peinture, je choisis souvent d'exposer sans cadre.
Il y a vingt-sept ans, j'ai entrepris de peindre dix mille tableaux de paysages sur place. Pour y parvenir, j'ai adopté une habitude quotidienne de préparations matinales et de sorties de peinture l'après-midi dans les terres environnantes. Après une douzaine d'années, je me suis rendu compte que ma peinture exprimait davantage la relation que l'homme entretient avec la terre et moins les produits que la terre peut produire.
Ma peinture, mes croquis et mes dessins se poursuivent mois après mois, saison après saison, sans s'arrêter pour esquiver les tempêtes et les intempéries. En cela, une spirale a commencé à me tirer à travers le temps comme elle a tiré les siècles de fermiers et de chasseurs qui sont passés par là. Je suis le chasseur, toujours à la recherche du bon endroit, le fermier, attentif au temps, à la vie végétale et animale. C'est le processus, la relation avec un monde cyclique qui m'intéresse plus que les produits, plus que les tableaux joliment encadrés. Au-delà, j'espère que mes peintures peuvent être vues comme des portraits de jours. Chaque jour est un modèle qui ne reviendra pas demain. Peindre le même endroit le deuxième jour, c'est peindre un modèle qui n'était pas celui qui était là hier. Le Nord-Est et les Grandes Plaines, où j'ai passé la majeure partie de ma vie, sont beaucoup plus touchés par le temps et le climat. Les ciels sont aussi différents d'un jour à l'autre que les visages des gens. Au fur et à mesure qu'ils passent, j'essaie de les connaître personnellement.
Au fil des années, j'ai vécu avec un nombre assez important d'œuvres récentes et j'ai développé une façon de les regrouper dans mon atelier. Les tableaux, souvent au nombre de cinquante à soixante, non encadrés mais tendus à la surface de planches d'homosote, occupent la majeure partie de l'espace mural du studio. Ils sont souvent alignés par rangées de cinq tableaux, issus de séquences serrées de jours, empilés les uns sur les autres. Le mur principal du studio contient généralement quinze images. J'y fais souvent référence comme à un "mur" de peintures. Souvent, la relation entre les œuvres est cinématographique, racontant instantanément une histoire de peinture de paysage progressant à travers des variations infinies.
Souvent, des groupes d'œuvres entourent une peinture ayant une signification particulière : anniversaires ou décès de personnes connues personnellement ou non. Aujourd'hui, un mur de peintures accroché à la galerie des aînés de l'université Nebraska Weslyan est intitulé "Days Surrounding September 11, 2001". Un autre groupe de quinze images de cette même exposition est intitulé "Requiem pour le fermier désenchanté". Les peintures des jours réalisés au cours de l'été récent entourant la mort d'un agriculteur, représentent la terre de l'agriculteur et les terres qui l'entourent.
Plus récemment, j'ai assemblé un mur de peintures entourant le début d'une guerre où le fermier, ses animaux et leur subsistance sont détruits avant que les combattants ne soient trouvés. Je pourrais appeler ce mur "doit paître en toute sécurité". Les avantages de cette mise en scène sont nombreux, tant pour le peintre que pour le public, et c'est l'encadreur qui, en fin de compte, encadre l'œuvre. Le peintre peut concentrer ses ressources sur l'alimentation des besoins matériels de la peinture. Avec une longue pratique, un artiste peut apprendre à commencer une peinture presque tous les jours et un journal visuel se déroule, contrairement aux victoires encadrées de manière conventionnelle dans la peinture de paysage qui nous époustouflent une à une. Le journal indique le changement, la continuité, le flux, le processus. C'est en cela, peut-être, que je suis un artiste plus conceptuel qu'un peintre paysagiste."