Le Violoniste - Huile expressionniste, portrait d'un violoniste par Jean Albert Pougny

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Jean Pougny
Le Violoniste - Huile expressionniste, portrait d'un violoniste par Jean Albert Pougny
1942

Name: Le Violoniste - Huile expressionniste, portrait d'un violoniste par Jean Albert Pougny
Brand: Jean Pougny
Rating: 5 (151 reviews)

Prix :3 614,09 $US

À propos de cet article

Portrait expressionniste signé à l'huile sur toile vers 1942 par le peintre français Jean Albert Pougny. L'œuvre représente un violoniste dans un intérieur. Signature Signé en bas à droite Dimensions : Encadré : 13,5 "x9,5l Sans cadre : 7,5 "x3,5". Provenance : Collection privée française Pour plus d'informations : L'œuvre est numérotée 512B au verso Jean Albert Pougny, de son vrai nom Ivan Puni, était d'origine italienne : son grand-père était le compositeur César Puni et son père était violoniste. Attiré par l'art dès son plus jeune âge, il fait ses études dans le corps des cadets de Saint-Pétersbourg de 1900 à 1908, bien que l'armée ne l'intéresse pas. En 1908-1909, il reçoit une éducation académique et en 1910, il passe sa première période à Paris, où il est élève de l'Académie Julian et d'autres académies privées, et est très impressionné par le fauvisme et le cubisme. En 1912, il voyage en Italie, puis retourne à Saint-Pétersbourg et épouse Xenia Bogouslavskaya. (Elle lui survécut de nombreuses années, venant presque chaque jour déposer des fleurs sur sa tombe russe orthodoxe au cimetière du Montparnasse). En 1913-1914, il se rendit à nouveau à Paris. Il retourna à Saint-Pétersbourg après la déclaration de guerre de 1914 et y devint ami avec Maïakovski et Khlebnikov. En 1915, il organise deux expositions historiques à Saint-Pétersbourg : Première exposition de peintures futuristes du Tramway V et Dernière exposition futuriste de peintures 0.10, dans lesquelles des œuvres cubo-futuristes sont présentées pour la première fois. Ces deux expositions ont fait écho à Saint-Pétersbourg aux manifestations artistiques du groupe Jack of Diamonds à Moscou. C'est de ces diverses manifestations artistiques collectives que se détachera le mouvement plus spécifiquement russe de l'avant-garde internationale. Ce mouvement, appelé constructivisme, se concrétise dans le suprématisme de Malevitch et Tatlin, dont Pougny signe le manifeste en 1916. Il est mobilisé en 1917, et en 1918, après la révolution d'octobre, il est nommé professeur à l'académie des beaux-arts de Petrograd (Saint-Pétersbourg). En 1918, il participe à la décoration des rues de Petrograd pour la célébration de l'anniversaire de la révolution : "Les rues seront nos pinceaux", déclare Maïakovski. Étendant ses idées révolutionnaires à l'art, il rejoint le mouvement du réalisme constructif, qui deviendra le formalisme. En 1919, il s'installe à Vitebsk pour enseigner à l'académie créée et dirigée par Chagall, mais lorsque Zhdanov stigmatise les mouvements d'avant-garde, il quitte l'URSS pour la Finlande. De 1920 à 1922, il vit à Berlin, où il fait partie de la colonie d'artistes russes et rencontre Hans Richter, Eggeling et Van Doesburg. En juillet 1923, il crée les décors et les costumes d'une pièce polonaise à l'Opéra de Prague. En 1923-1924, il s'installe définitivement à Paris, où il se lie d'amitié avec Fernand Léger, Amédée Ozenfant, Marcoussis et Séverini. En 1940, il s'installe à Antibes avec Robert Delaunay, avant de revenir à Paris en 1942. Après sa naturalisation française en 1946, il a été nommé Chevalier de la Légion d'Honneur en 1947. Dès ses premiers jours à Saint-Pétersbourg, Pougny a été encouragé par Repine, qui a peint un Portrait de Tolstoï. Lors de son séjour à Paris en 1913-14, il évolue dans une direction cubiste. Dans le Tramway V, en 1915, Pougny expose une douzaine de tableaux d'inspiration cubiste et un relief, Les joueurs de cartes. La même année, il expose à 0.10 le tableau "alogique" (selon le terme inventé par Malevitch) Le coiffeur, dans lequel il représente une collection d'objets insolites avec un texte de Maïakovski : "À travers la vitre de la fenêtre brille le bouton que l'on ne voit pas...". Il montre également une planche peinte en vert, prémonition de futurs monochromes, et une nature morte composée d'un marteau suspendu à un clou sur trois feuilles de papier de couleurs différentes. Dans ce tableau, selon ses propres termes, "l'objet est libre de sens", et il préfigure le dadaïsme, bien que le souci esthétique de la présentation soit déjà présent. Il a également exécuté des compositions totalement abstraites à l'encre de Chine. Après les innovations limitées des deux expositions historiques, dans sa première série de tableaux, Pougny, dans un style cubiste tendant vers l'Abstraction totale, intègre des groupes de lettres, voire des textes complets (comme dans le tableau BHK de 1916) dans des plans géométriques colorés. En 1916 encore, préfigurant les approches dadaïstes, il pose une assiette en porcelaine sur une planche. Après la Révolution, radicalisant ses premières innovations, il prend de plus en plus de libertés avec la planéité de la toile, réalisant des reliefs, des "sculptures picturales", en carton polychrome et en bois, incorporant des lettres, des chiffres et des objets quotidiens ainsi que des objets grossis. Dans ces œuvres, la couleur joue un rôle prédominant, alors qu'en général, la couleur est absente des œuvres des autres artistes issus de la Révolution (à l'exception de Malevitch), qui estiment que la couleur est issue du superflu bourgeois. Après 1918, en même temps que son exigence esthétique pour l'utilisation de la couleur, son évolution naturelle l'éloigne des rigueurs de l'art révolutionnaire et du suprématisme. Il revient au cubo-futurisme dans le "formalisme réaliste", intégrant à nouveau des éléments de la réalité dans des compositions à tendance géométrique et légèrement suprématiste. Cette phase s'achève avec Le musicien synthétique de 1921, proche du cubisme synthétique, hormis la modulation franchement volumétrique du visage, et avec des dessins de sujets urbains, où le sujet narratif et dynamique coexiste avec une organisation géométrique statique : " au fond, le suprématisme reste une construction expérimentale à l'intérieur du tableau ". En 1924, après s'être définitivement installé à Paris, il commence à utiliser des pigments purs pour obtenir de subtils raffinements dans l'expression de la couleur. À cette époque, il s'éloigne de son travail abstrait antérieur pour se tourner vers des compositions hybrides de post-cubisme avec des emprunts surréalistes. Dans sa dernière période, à partir de 1935 environ, il commence à peindre des intérieurs, des scènes de rue, des arlequins, des paysages et des natures mortes. Bien que ces œuvres soient d'une originalité incontestable, il a probablement été influencé par Vuillard. Sous la main de celui qui se signe désormais Jean Pougny, tous les thèmes féeriques et intimes pour lesquels Vuillard utilisait des formats assez grands sont réduits à l'échelle la plus modeste. Il y a un grand charme dans ces compositions. Il crée des atmosphères avec des combinaisons subtiles de couleurs atténuées, utilise des couches de pigments et prépare ses toiles en les piétinant pour produire des craquelures, qu'il présente comme une nostalgie des ravages du temps. Pougny, qui est devenu moins novateur après ses périodes suprématiste et constructiviste, était un peintre aimé des peintres. Dans son apparent renoncement à la poursuite de la modernité, il a su préserver et célébrer ce qui était pour lui l'essentiel : le plaisir de peindre. Pougny a participé à des expositions collectives, notamment : 1912, Saint-Pétersbourg, Union de la jeunesse ; 1914, Paris, Salon des Indépendants ; 1915, Saint-Pétersbourg, Tramway V, avec Malevitch, Tatlin, Exter et Oudaltsova ; 1915-16, 0.10, avec Malevitch et Tatlin ; 1923, Berlin, Grande Exposition d'art de Berlin, Novembergruppe ; 1924, Paris, premier Salon des Tuileries, dont il devient l'un des plus fidèles participants ; 1925, Paris, Salon d'Automne ; 1931 Paris, Galerie Katia Granoff et Galerie Paul Rosenberg ; 1935, Paris, Galerie Jeanne Castel ; 1946, Vienne et Le Caire ; puis France, Moscou et Bruxelles ; 1949, exposition itinérante dans plusieurs musées américains ; 1950, Pittsburgh, exposition de la Carnegie Foundation ; 1951, Biennale de Menton ; et après sa mort : 1977, Paris, Aspects historiques du constructivisme et de l'art concret, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris ; 1979, Paris-Moscou, Centre Georges Pompidou ; 2003, Russian Paris 1910-1960, exposition sur l'art et les artistes russes à Paris, organisée par le Musée russe de Saint-Pétersbourg, présentée au Von der Heydt-Museum de Wuppertal, puis au Musée des Beaux-Arts de Bordeaux. Il a souvent exposé à titre individuel : 1915, exposition de dessins, Galerie Dobitchine, Petrograd ; 1921, Galerie Der Sturm, Berlin ; 1925, exposition préfacée par Henri Salmon, Galerie Barbazanges, Paris ; 1926, Paris ; 1933, exposition organisée et préfacée par Paul Guillaume, et qui confirme son nouveau style, Galerie Jeanne Castel, Paris ; 1943, Galerie Louis Carré, Paris ; 1947, après avoir obtenu la nationalité française, une importante exposition préfacée par Charles Estienne, Galerie de France, Paris ; 1949, première exposition, Knoedler Gallery, New York ; 1950, Adams Brothers Gallery à Londres et Galerie de France à Paris ; 1952, Knoedler Gallery, New York ; 1950, Adams Brothers Gallery à Londres et Galerie de France à Paris ; 1952, Knoedler Gallery, New York ; 1953, 1956, Galerie Coard, Paris. Après sa mort, de nombreuses rétrospectives ont été consacrées à son œuvre : 1958, Musée National d'Art Moderne, Paris ; puis Albi, St-Étienne et Clermond-Ferrand ; 1959, Galerie Coard, Paris ; 1960, Musée des Beaux-Arts, Zurich ; 1961, Galerie Charpentier, Paris ; 1960, Stedelijk Museum, Amsterdam ; 1962, Galleria d'Arte Moderna, Turin ; 1964, Bibliothèque Nationale, Paris ; 1964, Kunsthalle, Baden-Baden ; 1966, exposition de la Donation Pougny, Musée de l'Orangerie des Tuileries, Paris ; 1980, Galerie Bellint, Paris ; 1989, Musée Bourdelle, Paris ; 1997, Galerie Coard, Paris ; 2003, Galerie Zlotowski, Paris ; 2003, Ivan Puni, Œuvres de la Collection Berninger, Musée Jean Tinguely, Bâle. Fonds de musées et de galeries : Albi (Mus. Toulouse-Lautrec) : Femme au chevalet bleu (1938-1939) ; Paysage Alger (Mus. National des Beaux-Arts) : Jardin (1949) Amsterdam (Stedelijk Mus.) Berlin (Berlinische Gal.) : Musicien synthétique (1921) Cologne : l'homme au chapeau haut de forme Grenoble (Mus. de Grenoble) : Intérieur ; Paysage Limoges : Paysage Moscou : Bouquet de lilas New York (MoMA) Paris (BNF, Cabinet des estampes) : don d'œuvres en linogravure Paris (MAMVP) : Chaise, violon et globe Paris (MNAM-CCI, Legs Pougny) : Self-Portrait (1912) ; Chaise et étui à violon (1914-1915, encre) ; Révolution (1914-1920, linographie couleur) ; Pont aérien (1914-1920, linographie couleur) ; Violoncelliste (1914-1920, linographie couleur) ; Vitebsk (1914-1920, linographie couleur) ; Intérieur (1914-1920, linographie couleur) ; Porte (1914-1920, linographie couleur) ; Escalier (1914-1920, linographie couleur) ; Passerelle (1914-1920, linographie couleur) ; Entrée de la maison (1914-1920, linographie couleur) ; Coiffeur (1915) ; Bal blanc (1915) ; Intérieur avec mannequin (1915-1916, encre) ; Violon (1919) ; Nature morte avec ballon (1921) ; Bouteille et gant (1921-1922, crayon rouge et gouache) ; Bouteille et réveil (1928-1929) ; Femme assise (1939-1940, aquarelle et gouache) ; Chaise et assiette de fruits (1939-1942) ; Modèle assis (1942-1943, crayon, fusain, encre et huile) ; Femme au chapeau rouge (1942-1943, gouache) ; Chaise et piano (1944) ; Studio (1944-1945) ; Mère et enfant (1945, fusain) ; Figure dans un fauteuil (1946-1948, crayon) ; Etude d'un intérieur (c. 1948, crayon) ; Tête d'Arlequin (1950) ; Homme lisant dans un intérieur (1950) ; Femme assise près d'un tableau (1950, crayon) ; Homme assis (1952, crayon) ; Seine (1953) ; Jardin public (1954) ; Intérieur avec piano (1955) ; Aux courses (1956). Prague (Národní Muz.) : Natures mortes Saint-Pétersbourg (Gosudarstvennyj Russkij Muz.) : Nature morte avec lettres (1919) Strasbourg : Nature morte

Créateur:
Jean Pougny (1894 - 1956, Russie)
Année de création:
1942
Dimensions:
Hauteur : 19,05 cm (7,5 po)Largeur : 8,89 cm (3,5 po)
Support:
Toile,Huile
Mouvement et style:
Expressionniste
Période:
1940-1949
État:
Très bon état d'origine.
Adresse de la galerie:
Marlow, GB
Numéro de référence:
Vendeur : LFA05201stDibs : LU41535853332

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