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Stefanie SchneiderCalliope (50x50cm) - Contemporain, Polaroid, 21ème siècle, Couleur, Mystique2013
2013
À propos de cet article
Calliope (Haley and the Birds) - 2013
50x50cm,
Edition de 10, plus 2 épreuves d'artiste.
C-print archivistique basé sur un Polaroid.
Label de signature et certificat.
Non monté.
Stefanie Schneider interviewée par le film Instantdreams.
Quand avez-vous décidé de travailler avec des polaroïds ? Pourquoi les polaroïds semblent-ils être si bien adaptés à nos sens (artistiques), à notre perception et à notre esprit ?
J'ai commencé à utiliser des films Polaroid périmés en 1996. Il a la plus belle qualité et résume parfaitement ma vision. Les couleurs d'une part, mais aussi le moment magique de voir l'image apparaître. Le temps semble s'arrêter, et le fait de regarder l'image se développer peut être partagé avec les personnes qui vous entourent. Il capture un moment, qui devient le passé si instantanément que la décadence du temps est encore plus apparente ; - il donne à l'image une certaine sentimentalité. L'instant Polaroid est toujours original.
Pourquoi utiliser un support du passé ?
Pour moi, l'analogique a toujours été présent dans le présent. Pour la nouvelle génération, l'analogique est intéressant car c'est nouveau pour eux. Je comprends que les personnes qui grandissent à l'ère du numérique s'interrogent sur son utilité, mais c'est à elles de le récupérer si elles le souhaitent. Quand j'ai commencé à travailler avec Polaroid, ce n'était pas le passé. C'était un média partiellement oublié, mais il existait néanmoins. C'est le mien par choix. Rien ne remplace la beauté tangible.
Est-il imparfait ?
La perfection imparfaite dans une sorte de "wabi-sabi".
Le wabi-sabi (侘寂) représente une vision globale du monde ou une esthétique japonaise centrée sur l'acceptation du caractère éphémère et de l'imperfection. L'esthétique est parfois décrite comme celle d'une beauté imparfaite, impermanente et incomplète.
Si un objet ou une expression peut susciter en nous un sentiment de mélancolie sereine et une aspiration spirituelle, on peut dire que cet objet est wabi-sabi. Le wabi-sabi nourrit tout ce qui est authentique en reconnaissant trois réalités simples : rien ne dure, rien n'est fini et rien n'est parfait.
La photographie Polaroid est-elle reconnaissable ou même parfois cliché ?
Absolument ! Il y a quelque chose de cliché dans ma façon de montrer le rêve américain. Je le vis moi-même, en essayant de trouver la perfection dans un monde imparfait. Atteindre l'horizon. Le rêve est brisé, le cliché s'effondre. Il existe différentes façons d'impliquer un public. On pourrait faire des films comme "Gummo" de Harmony Korine, un chef-d'œuvre à mes yeux, qui éloignerait une grande partie du public. Une certaine éducation cinématographique est un prérequis. Vous pouvez aussi commencer par des clichés, le public se sent alors en sécurité, ce qui l'attire dans la profondeur de votre monde sans qu'il le sache ou qu'il comprenne exactement où il est conduit. Faire appel aux émotions et au subconscient. Normal, changement, nouveau normal.
Vous revisitez continuellement le paysage de l'Ouest américain dans votre travail. Qu'est-ce qui vous attire à nouveau dans cette scène ?
La Californie du Sud représente un rêve pour moi. Le contraste entre le nord de l'Allemagne, où j'ai grandi, et le soleil infini de Los Angeles est ce qui m'a d'abord attiré. L'Ouest américain est mon rêve de prédilection. Les grands espaces donnent des perspectives qui expriment des émotions et des désirs. L'isolement nourrit des sentiments de liberté ou parfois de réflexion sur votre passé. Le Haut Désert de 29 Palms bénéficie d'une lumière très claire et vive, ce qui est vital. Les films Polaroid périmés produisent des "imperfections" qui, selon moi, reflètent le déclin du rêve américain. Ces soi-disant "imperfections" illustrent la réalité de ce rêve qui se transforme en cauchemar. La désintégration de la société occidentale.
Jouez-vous avec la temporalité du matériau et la valeur du moment lui-même ?
La valeur du moment présent est primordiale, car c'est ce moment que vous essayez de transformer. Tout ce qui est matériel est temporaire, c'est relatif, et le temps est éternel.
Pourquoi le film analogique est-il plus pur et plus intuitif ?
Il est tangible et lumineux et représente un seul moment.
L'instant numérique peut rester dans la boîte (le disque dur / l'appareil photo / l'ordinateur, etc.) pour toujours, sans jamais être touché, mis dans un album photo, envoyé dans une lettre ou accroché à un mur. L'impression en fait un accomplissement.
Le monde analogique est plus sélectif, créant des images de notre mémoire collective.
Le clic numérique mondial détruit ce moment. La génération sans mémoire en raison de la surcharge d'informations et des défaillances des disques durs. Les albums photos font partie du passé.
Pourquoi est-ce que je ressens ça ?
C'est comme ça que l'instinct humain fonctionne.
Quand j'étais enfant, chaque photo prise était un moment spécial. Les films photographiques analogiques ainsi que le matériel Super-8 étaient des trésors coûteux. Les souvenirs de ma famille ont été créés en choisissant certains moments dans le temps. Il y avait un effort derrière cette photo. Le rouleau de pellicule pouvait attendre des mois dans l'appareil avant d'être entièrement utilisé. Ensuite, le film devait être développé, ce qui prenait plus de temps, et enfin, lorsque les photos étaient récupérées au magasin, les souvenirs étaient revus en famille. Qui aurait pu savoir, à l'époque, combien ces moments étaient éphémères. Le partage des souvenirs était un rituel.
Quelle est votre philosophie derrière l'art des photos Polaroid ?
L'"obsolète" est tout sauf obsolète. Les choses ne sont pas toujours ce qu'elles semblent être, et il y a des messages cachés. Nos souvenirs et nos rêves sont sous-évalués. C'est là que commencent le véritable apprentissage et la compréhension en s'ouvrant à des perspectives différentes.
Qu'est-ce qui vous a incité à utiliser la cinématographie en stop motion ?
Mon travail a toujours ressemblé à des photos de films. Je me souviens de la première fois où j'ai apporté une boîte de polaroïds et les ai glissés sur le bureau de Susanne Vielmetter (ma première galerie). Instantanément, il est devenu évident qu'il y avait une histoire à raconter. Les histoires se sont multipliées. Il était indéniable pour moi que l'histoire émergente était l'endroit où j'étais destiné à aller. J'ai réalisé quatre courts métrages avant mon dernier long métrage, "The Girl behind the White Picket Fence". Ce film dure 60 minutes et contient plus de 4000 polaroïds montés. Il est important de se rappeler que notre subconscient remplit les blancs, les parties manquantes de l'histoire permettent une expérience plus profonde et plus personnelle pour le spectateur. Si vous vous abandonnez et me faites confiance en tant que directeur pour vous emmener dans des endroits où vous ne seriez jamais allés auparavant.
Pourquoi pensez-vous qu'il est important de posséder des œuvres d'art ?
Nous avons l'art pour ne pas mourir de la vérité.
Nietzsche
Les nouvelles œuvres photographiques de Stefanie Schneider racontent des histoires fantastiques sur sa maison californienne d'adoption. Elle recherche les mythes américains délavés et distille une réalité chargée d'énergie d'une manière très personnelle et surprenante. Elle utilise des pellicules Polaroid périmées et les taches causées par la dégénérescence de la pellicule sont intégrées à la composition de manière picturale. Les erreurs d'exposition et les effets de films à petit budget sont combinés pour obtenir un effet aliénant. Tout scintille et vacille devant nos yeux. L'artiste joue avec l'authentique poésie de l'amateur, mêlant des mises en scène étrangement oniriques à des événements photochimiques aléatoires. Dans l'œuvre en 16 parties Frozen, qui se caractérise par une ambiance lumineuse étrangement transcendante, des grappes picturales semblables à des arrêts sur image s'assemblent pour former une histoire mystérieuse, dont l'artiste elle-même est le protagoniste solitaire. l'esthétique rappelle les premiers films de Lynch. Les éléments constitutifs de cette chorégraphie elliptique sont des scènes d'un paysage hivernal enchanté et étincelant, ainsi que des "instantanés mis en scène" d'une jeune femme pâle en jupon, qui irradie la réalité troublée d'un mirage par sa présence somnambulique. L'histoire est présentée à la manière de flashbacks cinématographiques ou de séquences de rêve. Du sang de scène et un couteau sont utilisés pour évoquer un crime passionnel dont l'attrait surréaliste provient de l'ouverture scénique de ce qui est montré. L'utilisation délibérée de vieilles photos instantanées met en évidence, de manière riche en facettes, la qualité éphémère de la vulnérabilité et du caractère éphémère d'une réalité qui est fragile dès le départ. Le Stars and Stripes américain, récemment réactualisé comme l'épitomé absolue d'un signifiant patriotique, est le sujet de l'œuvre en 9 parties Primary Colors (2001). Le point de vue européen rassurant de Schneider, exempt d'émotions excessives, présente le motif de la bannière étoilée sous une forme étrangement aliénée : elle montre des photos avec des phases de battements violents au vent, parfois même déchirées, et la mauvaise qualité de la pellicule accentue encore la fragilité de l'icône.
(traduit de l'allemand par Michael Robinson)
- Créateur:Stefanie Schneider (1968, Allemand)
- Année de création:2013
- Dimensions:Hauteur : 50 cm (19,69 po)Largeur : 50 cm (19,69 po)Profondeur : 1 mm (0,04 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Morongo Valley, CA
- Numéro de référence:Vendeur : STSCH #0261stDibs : LU652310459562
Stefanie Schneider
Stefanie Schneider a obtenu un MFA en design de communication à la Folkwang Schule Essen, en Allemagne. Son travail a été exposé au musée de la photographie de Braunschweig, au musée de la communication de Berlin, à l'Institut für Neue Medien de Francfort, au Nassauischer Kunstverein de Wiesbaden, au Kunstverein de Bielefeld, au Museum für Moderne Kunst de Passau, aux Rencontres d'Arles, à la Foto -Triennale d'Esslingen, à la Biennale de Bombay Beach en 2018 et en 2019.
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