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Jean-Michel BASQUIAT - Banana YP x JM Basquiat Design Neon LED Lamp2025
2025
435 €TVA incluse
À propos de cet article
Banana YP x JM Basquiat
Date de création : 2025
Support : Tuyaux en PVC ou en silicone avec des lumières LED montées sur un panneau en acrylique recyclé
Édition : Ouverte
Taille : 41 x 50 cm
Condit : Neuf.
La banane de Jean-Michel Basquiat est un motif récurrent dans son œuvre qui, comme beaucoup de ses symboles, mêle humour, ironie et critique sociale. À première vue, cela peut sembler trivial ou même comique, mais dans le langage visuel de Basquiat, cela prend de multiples couches de signification.
D'une part, la banane fonctionne comme une référence pop : un objet quotidien chargé de connotations culturelles, sexuelles, voire absurdes, qui fait écho à la tradition du pop art et à des artistes comme Andy Warhol (qui, en 1967, a fait de la banane une icône avec la pochette de l'album The Velvet Underground & Nico). Basquiat, qui admirait Warhol et collaborait avec lui, réintroduit le motif de manière ludique, mais avec une énergie plus chaotique et viscérale.
D'autre part, la banane peut être lue comme un symbole critique : elle renvoie aux thèmes du consumérisme, de l'exotisation et des stéréotypes raciaux. Le fruit tropical évoque l'imaginaire colonial et l'exploitation économique liée au commerce de produits "exotiques" en Occident. En l'intégrant à son œuvre, Basquiat la décontextualise et en fait un emblème plein de tensions, entre comédie et malaise, légèreté pop et mémoire historique.
De plus, la manière dont il la représente - avec des traits énergiques, presque enfantins, des mots épars et des marques graphiques - renforce le sentiment d'immédiateté et de fraîcheur, mais derrière cette apparente spontanéité se cache une réflexion pointue sur l'identité, le pouvoir et la culture visuelle contemporaine.
En fin de compte, la banane d'Artistics n'est pas seulement un fruit : c'est un artefact visuel qui fusionne l'humour, l'irrévérence et la critique sociale, incarnant parfaitement la capacité de l'artiste à transformer le quotidien en un commentaire mordant sur le monde moderne.
Le tube LED flexible est également sûr et respectueux de l'environnement ! Réglez la lumière en fonction de l'heure de la journée grâce à une luminosité réglable.
© Succession de Jean-Michel Basquiat. Sous licence Artestar, New York.
Chaque enseigne est constituée d'un matériau néon flexible, composé de tuyaux en PVC ou en silicone avec des lumières LED, qui est monté sur un panneau en acrylique recyclé. Ces matériaux permettent de créer des enseignes au néon réalistes, avec des lumières vives et des couleurs intenses, tout en étant plus durables, plus abordables et plus pérennes que les néons traditionnels.
La durabilité est prise au sérieux grâce à ses lampes LED qui consomment 6 fois moins d'énergie que les lampes traditionnelles et durent jusqu'à 100 000 heures. Ces néons sont fabriqués à partir de matériaux recyclés et d'emballages 100 % recyclés, notamment en supprimant tout plastique inutile.
À PROPOS DE L'ARTISTE
Jean-Michel Basquiat (1960-1988) est l'un des artistes les plus influents du XXe siècle, célèbre pour sa capacité à fusionner la culture urbaine, la critique sociale et l'histoire de l'art dans un style unique. Né à Brooklyn, New York, d'un père haïtien et d'une mère portoricaine, sa vie et son œuvre ont été façonnées par son héritage multiculturel, la scène artistique new-yorkaise et les tensions sociales de son époque. Bien que sa carrière ait été brève, son impact sur l'art contemporain a été durable et significatif.
Basquiat s'est intéressé à l'art dès son plus jeune âge. Sa mère, Matilde Andrades, l'emmène dans les musées et l'encourage à dessiner. À l'âge de sept ans, il a été hospitalisé pendant un certain temps à la suite d'un accident de voiture. C'est alors que sa mère lui a offert un exemplaire du livre d'anatomie Gray's Anatomy, qui a influencé sa fascination pour le corps humain et sa représentation visuelle.
Malgré son talent précoce, la vie familiale de Basquiat est mouvementée. Sa mère est hospitalisée pour des problèmes psychiatriques et sa relation avec son père, Gerard Basquiat, est troublée. Cette instabilité a contribué à ce que Basquiat abandonne l'école à l'âge de 17 ans pour poursuivre sa carrière artistique dans les rues de New York.
Adolescent, Basquiat rejoint la scène du graffiti new-yorkais sous le pseudonyme SAMO (acronyme de "Same Old Shit"), qu'il utilise pour signer ses messages cryptiques et poétiques dans les rues de Manhattan avec son ami Al Diaz. Les graffitis de SAMO sont un mélange de commentaires philosophiques et sociaux sur la culture populaire, le capitalisme et la religion, et attirent rapidement l'attention de la scène artistique underground.
En 1980, SAMO "meurt" lorsque Basquiat et Diaz décident de mettre fin à leur Collaboration, marquant le début de la transition de Basquiat du graffiti de rue aux galeries d'art.
Basquiat est apparu comme un talent à suivre en 1980, lorsqu'il a participé à l'exposition de groupe The Times Square Show, qui comprenait d'autres artistes émergents de la scène du Lower East Side de New York. La même année, il attire l'attention des critiques et des collectionneurs qui voient dans son travail un mélange électrisant d'art de la rue et de néo-expressionnisme, le mouvement prédominant de l'époque.
En 1981, le critique d'art René Ricard publie dans le magazine Artforum l'essai influent The Radiant Child, qui positionne Basquiat comme l'un des artistes les plus prometteurs de sa génération. Peu après, il rencontre l'artiste de renom Andy Warhol, avec qui il forme une étroite amitié et une importante collaboration artistique. Cette association a contribué à catapulter sa carrière dans le monde du grand art.
La Collaboration avec Warhol a été un point tournant dans la carrière de Basquiat. Les deux artistes, bien qu'issus de mondes très différents, partageaient une fascination pour la célébrité et la culture populaire. Ensemble, ils ont produit une série d'œuvres combinant les icônes du pop art de Warhol et le style brut et spontané de Basquiat.
Cependant, cette collaboration a également été source de controverses. De nombreux critiques ont accusé Warhol d'avoir "exploité" Basquiat, tandis que d'autres ont vu dans cette collaboration un dialogue créatif entre deux esprits de génie. Bien que les critiques aient été mitigées, il ne fait aucun doute que la relation entre les deux artistes a contribué à cimenter la réputation de Basquiat dans le monde de l'art.
Le style de Basquiat est un amalgame unique d'influences. Son travail se caractérise par l'utilisation de figures humaines démembrées, de squelettes et d'organes internes, évoquant la fragilité du corps et la mortalité. Basquiat a également utilisé des symboles faisant allusion à l'histoire afro-américaine et africaine, tels que des couronnes, des masques et des références à des personnages historiques tels que Toussaint Louverture.
L'utilisation du texte est un autre aspect crucial de son travail. Des mots, des phrases et des chiffres apparaissent dans ses peintures, souvent barrés ou superposés, créant un sentiment de chaos contrôlé. Ces mots fragmentés provoquent une lecture non linéaire de ses œuvres et véhiculent de multiples couches de sens.
Son art reflète également ses préoccupations sur les questions raciales, en particulier la place des personnes d'origine africaine dans l'histoire de l'art occidental et dans la société en général. Les couronnes que Basquiat dessine souvent sur ses personnages sont un symbole de pouvoir et de résistance, une façon de se proclamer "roi" dans un monde qui a historiquement exclu les artistes noirs des échelons supérieurs de l'art.
Dans des œuvres telles que The Death of Michael Stewart (1983), Basquiat aborde la question des brutalités policières à l'encontre des Noirs, un sujet qui reste douloureusement d'actualité. Il a également rendu hommage à des musiciens de jazz tels que Charlie Parker et Dizzy Gillespie, qu'il considère comme des figures héroïques ayant défié les barrières raciales et créé quelque chose de beau à partir de la souffrance.
Malgré son succès, Basquiat a lutté toute sa vie contre des problèmes de toxicomanie, un combat qui s'est intensifié après la mort de son ami Andy Warhol en 1987. La pression constante pour produire et rester pertinent dans un monde de l'art vorace a également contribué à son isolement croissant et à sa détérioration émotionnelle.
Le 12 août 1988, Jean-Michel Basquiat meurt à 27 ans d'une overdose d'héroïne dans son appartement de Manhattan, rejoignant malheureusement le "Club des 27", un groupe d'artistes et de musiciens décédés à cet âge, comme Jimi Hendrix et Janis Joplin.
Bien que sa carrière ait été brève, l'héritage de Basquiat est immense. Ses œuvres figurent dans les collections des plus grands musées du monde et continuent de battre des records lors de ventes aux enchères internationales. Basquiat n'était pas seulement un innovateur stylistique, mais aussi une voix critique qui utilisait l'art comme un outil pour explorer et remettre en question les hiérarchies raciales et sociales.
L'impact de Basquiat s'étend au-delà des arts visuels. Sa vie et son œuvre ont inspiré des films, de la musique et de la littérature, et continuent d'influencer les nouvelles générations d'artistes qui cherchent à explorer l'identité, la résistance et le pouvoir à travers l'art. Basquiat était un pionnier à son époque, et sa pertinence dans le paysage culturel contemporain témoigne de la profondeur et de la résonance de sa vision artistique.
- Année de création:2025
- Dimensions:Hauteur : 50 cm (19,69 po)Largeur : 41 cm (16,15 po)Profondeur : 4 cm (1,58 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Après:Jean-Michel Basquiat (1960 - 1988, Américain)
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Madrid, ES
- Numéro de référence:1stDibs : LU1033117016142
À propos du vendeur
5,0
Vendeur Or
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