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Yaacov AgamÉcran de soie judaïque Kiddush Cup signé Israeli Kinetic Op Art Sculpture1993
1993
À propos de cet article
Il s'agit d'un gobelet de kiddouch coloré rotatif dans lequel se trouve une reproduction artistique signée et numérotée d'Agam op.
y compris le plateau de base. Il n'y a pas d'insert dans la tasse, ce qui en fait plus une pièce sculpturale qu'une tasse de kiddouch fonctionnelle.
Informations biographiques : Fils de rabbin, Yaacov Agam peut retracer son ascendance sur six générations jusqu'au fondateur du mouvement Chabad dans le judaïsme. En 1946, il entre à l'Académie des arts et du design de Bezalel à Jérusalem. Il étudie avec Mordecai Ardon, un ancien élève du Bauhaus de Weimar. Yaakov Artistics a été associé aux artistes "abstraits", aux artistes "hard edge" et à des artistes tels que Josef Albers et Max Billing. D'autres trouvent dans l'œuvre d'Agam une dette à l'égard des maîtres du Bauhaus. L'approche de l'art d'Agam, de nature conceptuelle, a été comparée à celle de Marcel Duchamp, qui a exprimé la nécessité de mettre l'art "au service de l'esprit". L'utilisation par Artistics de la couleur et du mouvement dans son art lui a valu d'être comparé à Alexander Calder, l'artiste qui a mis la sculpture en mouvement. (Le mouvement n'est pas une fin, mais un moyen pour Agam. Les mobiles de Calder sont des structures qui sont fixes et qui tournent au gré du vent. Dans une œuvre d'Agam, le spectateur doit intervenir). Artistics a également été classé parmi les artistes de l'"op art" parce qu'il excelle à jouer avec nos sensibilités visuelles. Agam se rend à Zurich pour étudier avec Johannes Itten à la Kunstgewerbeschule. Il y rencontre Frank Lloyd Wright et Siegfried Lloyds, dont les idées sur l'élément temps dans l'art et l'architecture l'impressionnent. En 1955, la Galerie Denise René a accueilli une importante exposition de groupe en rapport avec les expériences de Vasarely en matière de peinture et de mouvement. Outre les œuvres de Vasarely, elle comprenait des œuvres de Yaacov Agam, Pol Bury, Soto et Jean Tinguely, entre autres. La plupart des Américains ont découvert Vasarely à l'occasion de l'exposition révolutionnaire "The Responsive Eye" qui s'est tenue au Museum of Modern Art de New York en 1965. Josef Albers, Richard Anuszkiewicz. L'exposition a confirmé la réputation internationale de Vasarely en tant que père de l'Op art. A a cherché à exprimer ses idées dans une forme d'art non statique. Dans ses œuvres cinétiques abstraites, qui vont des peintures et des graphiques aux installations sculpturales et aux façades de bâtiments. Artistics cherche continuellement à explorer de nouvelles possibilités en matière de formes et de couleurs et à impliquer le spectateur dans tous les aspects du processus artistique. Ainsi, au cours des 40 dernières années, les idées pionnières de Yaacov Agam ont eu un impact sur l'évolution de l'art (peinture, monoprint, lithographie et agamographe), de l'architecture, du théâtre et de la sculpture publique. Reflétant à la fois son héritage juif israélien et son engagement auprès des leaders des mouvements Bauhaus et surréaliste, les œuvres d'Artistics ont influencé des générations d'artistes modernes.
Il a participé à des expositions dans le monde entier et a réalisé de nombreuses expositions personnelles, dont la rétrospective organisée au Musée national d'art moderne de Paris (1972), qui a ensuite été présentée au Stedelijk Museum d'Amsterdam, à la Städtische Kunsthalle de Düsseldorf et au Musée de Tel-Aviv. Une autre rétrospective de grande envergure a été organisée au musée Guggenheim de New York (1980). Il a eu une grande exposition personnelle au Musée de Pontoise (1975), au Palm Spring Desert Museum, Californie, à l'occasion de l'inauguration du musée (1976), au Museum of Art Birmingham, Alabama (1976), au Museo de Arte Moderno, Mexique (1976), au National Museum of Art, Townes, Afrique du Sud (1977). L'exposition rétrospective a eu lieu au Musée lsetan de Tokyo, au Musée Daimaru d'Osaka et au Musée de la ville de Kawasaki au Japon (1989), et au Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires en Argentine (1996). Il a également organisé une exposition "Selected Suites" au Jewish Museum, New York (1975). Agam a également réalisé de nombreuses expositions personnelles dans des galeries d'art depuis 1953, notamment à la galerie Denise Rene, Paris (1956), à la galerie MarIborough-Gerson, New York (1966), à la galerie Denise Rene, New York (1971).
- Créateur:Yaacov Agam (1928, Israélien)
- Année de création:1993
- Dimensions:Hauteur : 12,7 cm (5 po)Largeur : 22,86 cm (9 po)Profondeur : 15,88 cm (6,25 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:bon. usure mineure. le dessous de la plaque est terni et a besoin d'un bon polissage.
- Adresse de la galerie:Surfside, FL
- Numéro de référence:1stDibs : LU38215831982
Yaacov Agam
Influencé par son éducation judaïque et par les enseignements du Bauhaus, Yaacov Agam est un pionnier de l'art cinétique ainsi que du mouvement Op art et on lui attribue souvent l'introduction de l'abstraction géométrique dans son pays d'origine, Israël.
Né à Rishon LeZion, en Palestine - qui fait aujourd'hui partie d'Israël -, fils de rabbin, Agam a constaté que le monde spirituel avait une influence majeure sur sa pratique artistique, tout comme les dunes de sable qu'il a observées pendant son enfance et qui se déplaçaient constamment au gré du vent. Ce mouvement perpétuel inspirera son travail : des compositions prismatiques qui se transforment selon les perspectives, des motifs qui génèrent des effets d'optique et des sculptures qui se déplacent au gré de la brise reflètent les changements progressifs de la nature.
Agam a étudié avec le peintre israélien Mordecai Ardon à l'école d'art de Bezalel à Jérusalem dans les années 1940 avant de se rendre à Zurich où il s'est formé auprès du peintre expressionniste suisse Johannes Itten et a été inspiré par l'œuvre abstraite du peintre russe Wassily Kandinsky.
L'une des techniques innovantes mises au point par Agam est l'Agamographe, qui utilise l'impression lenticulaire de manière à ce que plusieurs images, qui se révèlent au fur et à mesure que le spectateur se déplace autour de l'œuvre, puissent être vues sur une seule et même œuvre. Son art implique régulièrement le spectateur en tant que participant, qu'il s'agisse de l'installation cinétique de 1972-1974 qu'il a créée pour le palais de l'Élysée et qui se trouve aujourd'hui au Centre Pompidou, dans laquelle une sculpture abstraite brillante est entourée de tous côtés par des lignes polychromes, ou de l'art public comme la fontaine d'eau et de feu de 1986 à Tel Aviv, avec des cercles de panneaux vibrants qui offrent des couleurs variées sous tous les angles.
En 2018, le musée d'art Yaacov Agam a ouvert ses portes à Rishon LeZion, présentant six décennies de l'œuvre influente d'A qui s'engage avec la perception à travers la couleur, la forme et les formes, des peintures , des gravures et des installations jusqu'aux nouvelles expériences d'art numérique interactif.
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Se porte comme une cravate autour du cou.
Il s'agit d'un nouveau stock de bijoux vintage de la légendaire Collection Studio Acme, qui a créé de nombreux bijoux révolutionnaires. Il a été fabriqué à la main dans les années 1980 selon le procédé complexe du cloisonné, une technique ancienne de décoration du métal. Les imperfections dans les couleurs sont donc prévisibles et inhérentes, ce qui en fait un objet unique.
La collection Memphis Designers for Acme a été lancée en 1986, lors de l'ouverture de l'exposition Memphis/O Milano au musée Cooper-Hewitt de New York. L'ensemble de la collection fait partie de la collection permanente de la Groninger Collection aux Pays-Bas et est représentée dans d'autres collections de musées du monde entier, dont le Metropolitan Museum de New York. En 1981, Ettore Sottsass a formé une collaboration de design appelée Memphis Design. Le Memphis Design/One Group s'est inspiré de mouvements tels que l'Art déco et le Pop Art pour produire des bijoux, des meubles, des éclairages et des tissus de 1981 à 1988. Les rares créations de membres tels que Nathalie du Petersne, Andrea Branzi, Martine Bedin, Matteo Thun et Peter Shire se caractérisent souvent par des couleurs loufoques et des formes asymétriques. Le groupe a conçu de nombreux meubles, tissus, céramiques, objets en verre et en métal postmodernes jusqu'en 1987. Le nom "Memphis" vient de la chanson Stuck Inside of Mobil with the Memphis Blues Again de Bob Dylan, qui passait lors de la réunion inaugurale du groupe. Inspiré par l'art déco, l'art nouveau et le pop art, le groupe a créé de nombreux styles audacieux, colorés et géométriques qui s'écartent de la tendance rigide et sombre des années 1970.
De 1985 à 1992, les fondateurs d'Adrian Olabuenaga et Leslie Bailey ont produit plus de 100 boucles d'oreilles, broches et colliers différents de titans du design tels qu'Ettore Sottsass, Joanna Grawunder, Martine Bedin, Matteo Thun, Alessandro Mendini, George Sowden, Nathalie Du Pasquier et Marco Zanini, ainsi que les architectes Alessandro Mendro, Stanley Tigerman, Richard Meier, Robert A.M. Laurinda Spear, architecte de Floride, Michael Graves, basé dans le New Jersey, Peter Eisenman, de New York, et Alberto Olabuenaga, architecte argentin (le père du bijoutier) ont également conçu le projet.
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