Estampes et éditions - Réalisme

Pieter van der Aa (1659 - 1733), d'après David Loggan (1634 - 1692) King's College, Cambridge Gravure 12 x 16 cm Vue du XVIIIe siècle du King's College, Cambridge, gravée par Pieter...

Lithographie sur papier. Signé à la main, titré et numéroté par l'artiste. Edition de 350 exemplaires. L'œuvre d'art est en excellent état. Un certificat d'authenticité est inclu...

Il s'agit d'une lithographie originale du XIXe siècle, coloriée à la main, intitulée "Tombs of the Memlooks, Cairo" par David Roberts, tirée des volumes Egypt and Nubia de la grande ...

Nous avons répertorié la série complète des 52 tirages (y compris la page de titre) de Vita Passio et Resurrectio Iesu Christi. Pour trouver les autres, cliquez sur "Plus de ce vende...

Cette impression giclée en édition limitée d'un paysage marin côtier par Daniel Pollera capture un voilier au coucher du soleil. On peut voir une seule figure dans le bateau lui-même...

Cette œuvre intitulée "Munichau (Autriche)" 1926, est une gravure en couleur sur papier de l'artiste autrichien Luigi Kasimir, 1881-1962. Elle est signée à la main au crayon par la s...

Cette estampe en édition limitée de John Harris capture une vue rapprochée de rochers de rivière sous une eau légèrement agitée dans un format horizontal. Elle se caractérise par une...

Willibrord Haas (*1936 Schramberg), Entangled, 2008. Eau-forte, 28 cm (hauteur) x 17 cm (largeur). Signé "Willibrord Haas" au crayon par l'artiste, daté "2008", titré "Verschränkt" e...

CAP des indigènes d'Oonalashka (Alaska) est tiré de la première édition de l'Atlas de 1784 accompagnant le Capt. James Cook and King ; troisième et dernier voyage du capitaine James ...

Lithographie sur papier. Signé à la main, titré et numéroté par l'artiste. Edition de 350 exemplaires. L'œuvre d'art est en excellent état. Un certificat d'authenticité est inclu...

Gravure aquarellée à la main, 1819, Image Dim : cm 28 x 20, Dim : cm 29x41. Technique de la gravure et de l'aquarelle. En bon état. Signé et daté sur la plaque dans la marge infér...

Cette impression en édition limitée d'un paysage marin côtier capture une vue recadrée des vagues de l'océan. Très détaillé et réaliste, il équilibre les bleus et verts profonds de l...

James Basire & Robert Blemmell Schnebbelie Le chœur de l'église de Chatham, dans le Kent Gravure 48 x 33 cm Cette gravure a été publiée à l'origine par la Society of Antiquaries ...

Bernard BUFFET Selfportrait , 1982 Original lithograph in colors (Mourlot workshop) Printed signature in the plate On paper 66 x 52 cm (c. 26 x 21 inch) REFRENCES : Catalogue raiso...

Richard Dighton (1795-1880) Vue du Brazen Nose College (1808) Gravure colorée à la main 28 x 22 cm Richard Dighton (1795-1880) était un artiste et caricaturiste anglais de premier...

William Bunbury, gravé par James Bretherton Les espoirs de la famille Gravure colorée à la main 26 x 36 cm c.1790 Cette gravure, intitulée "The Hopes of the Family - An Admission ...

Young Girl Posing Beneath Chandelier est une lithographie originale sur pierre dessinée à la main, attribuée à l'artiste pop américain Mel Ramos, imprimée à la main à Bank Street Ate...

Jean-Baptiste VALADIE Femme avec un grand chapeau Lithographie originale Signé à la main au crayon Limité /199 exemplaires Sur vellum 76 x 56 cm (c. 28 x 22 in) Excellent état

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Cette affiche d'exposition vintage présente un collage photographique de David Hockney. Un jeune homme à la tignasse bouclée, chaussé de mocassins en cuir marron, est accroupi devant son appareil photo dont il recharge la pellicule. Il est assis sur un porche en bois gris usé par les intempéries, à côté d'une boîte de cigarettes. Sur un fond rose, une police blanche sans empattement indique : "David Hockney, New Work with a Camera, Andre Emmerich Gallery May 7 - June 3 at 41 E 57th Street." Cette affiche vintage a été conçue par l'artiste dans notre Studio et provient directement de nos archives Petersburg Press. Il ne s'agit pas d'un produit d'occasion. D'après Gregory chargeant son appareil photo, 1983, un collage photographique sur papier dans la collection du Museum of Contemporary Art, Chicago. L'œil vif de Hockney et sa capacité à saisir l'individualité de ses sujets sont évidents dans ce portrait de Gregory Evans. Ami de longue date, manager d'un temps et ancien amant de Hockney, Artistics a servi de modèle et d'inspiration à l'artiste pendant plus de 40 ans. Tout au long de sa carrière, Hockney a été un portraitiste passionné, dessinant et peignant des sujets allant de sa mère et de Celia Birtwell, sa muse pendant de nombreuses décennies, au marchand d'art Larry Gagosian et à l'artiste John Baldessari. Référence du catalogue : Brian Baggott, Off the Wall : Hockney Posters, Harmony Books, New York 1987...

Max Clarenbach (1880 Neuss - Cologne 1952), Soirée. Gravure, 18 x 41 cm (plaque), 33,5 x 57 cm (cadre), portant l'inscription "Abend" au crayon en bas à gauche, signée et datée "M. Clarenbach. 28.III.[19]09". Encadré et monté sous verre. - Légèrement bruni et légèrement roussi. À propos de l'œuvre d'art La gravure allongée horizontalement représente la vue panoramique d'une petite ville vue de l'autre côté de la rivière. Il y a des maisons à pignons sur la gauche et une puissante flèche d'église sur la droite. Les maisons bourgeoises et le grand édifice religieux indiquent le caractère urbain. Ces bâtiments sont rendus dans des tons sombres pour mettre en valeur la rangée de maisons plus claires au centre de l'image, plus proche de l'eau. Le contraste de clair-obscur crée deux plans parallèles qui ouvrent un espace à l'imagination de ce que pourrait être la ville. L'imagination est stimulée par les bâtiments presque entièrement sombres et à peine reconnaissables, tandis que le bras de la rivière qui mène à la ville stimule encore plus l'imagination. Cependant, comme la silhouette de la ville dans son ensemble se reflète dans l'eau, les plans parallèles sont perçus comme une bande de maisons qui s'étend sur toute l'horizontalité de la gravure et semble se poursuivre au-delà des limites de l'image. Le reflet a presque la même intensité que les maisons elles-mêmes, de sorte que la bande de bâtiments se confond avec leur reflet pour former l'unité formelle dominante de l'image. Seules les hachures horizontales parallèles donnent l'impression convaincante de voir de l'eau, démontrant la maîtrise de Max Parallele de l'aiguille à graver. L'eau est totalement immobile, le reflet n'est pas troublé par le moindre mouvement des vagues, ce qui crée une symétrie dans l'unité formelle du paysage urbain et de son reflet qui va au-delà du motif d'un simple paysage urbain. Un ordre pictural est établi qui intègre tout ce qui se trouve dans l'image et qui a un caractère métaphysique en tant que structure d'ordre qui transcende les choses individuelles. Cet ordre pictural n'est pas seulement pertinent dans le monde pictural, mais l'image elle-même révèle l'ordre de la réalité qu'elle dépeint. Révéler l'ordre métaphysique de la réalité dans les structures de sa visibilité est ce qui anime Clarenbach en tant qu'artiste et le motive à revenir au même cercle de motifs. La symétrie décrite est en même temps une asymétrie inhérente qui est une réflexion sur l'art : Alors que le paysage urbain réel est coupé en haut de l'image, que deux cheminées et surtout le clocher de l'église ne sont pas visibles, le reflet illustre la réalité dans son intégralité. Le reflet occupe une place beaucoup plus importante dans l'image que la réalité elle-même. Depuis l'Antiquité, l'art a été compris principalement comme un reflet de la réalité, mais ici Clarenbach montre clairement que l'art n'est pas une simple apparence, qui peut au mieux être un reflet de la réalité, mais que l'art a le potentiel de révéler la réalité elle-même. La structure d'ordre révélée n'est en rien purement formaliste, elle apparaît en même temps que l'ambiance du paysage. L'image est remplie d'un silence presque sacré. Rien dans l'image n'évoque un son, et l'immobilité est totale. Dans les paysages peints par Clarenbach, il n'y a pas de personnes qui apportent de l'action dans l'image. Nous ne nous voyons pas non plus attribuer une position de spectateur dans l'image, de sorte que nous ne devenons pas des sujets thématiques de l'action. Clarenbach s'abstient également de présenter des réalisations techniques. L'absence de l'homme et de la technologie crée une atmosphère intemporelle. Même si la date précise prouve que Clarenbach dépeint un événement qui s'est déroulé sous ses yeux, sans cette date, nous ne pourrions pas dire dans quelle décennie, ni même dans quel siècle, nous nous trouvons. L'immobilité n'a donc pas pour effet de figer le temps dans l'image, mais d'instaurer une éternité intemporelle qui n'en est pas moins, comme l'indique le titre "Abend" (soir) ajouté par Clarenbach lui-même, un phénomène de transition. Le paysage des étals est sur le point d'être complètement plongé dans l'obscurité, les bâtiments derrière lui n'étant que faiblement discernables. L'état légèrement assombri de la feuille est en accord avec cette qualité de transition, qui confère également à la scène une qualité sépia qui souligne son intemporalité. Et pourtant, la représentation est liée à une époque très précise. Clarenbach date l'image du soir du 28 mars 1909, ce qui ne renvoie pas à la réalisation de la gravure, mais à la capture de l'essence du paysage dans le paysage lui-même. Si le paysage réel est donc dans un état de transition, et donc quelque chose d'éphémère, l'art révèle sa véritable nature en ce que la réalité, soumise au flux des phénomènes, est transférée à un moment éternel, soumis à une structure d'ordre supra-temporelle - révélée par l'art. Malgré cette supratemporalité, le tableau montre également les signes avant-coureurs de la nuit comme l'obscurcissement à venir du monde, ce qui confère au tableau un caractère profondément mélancolique, renforcé par le brunissement de la feuille. C'est le contenu philosophique et l'effet lyrico-mélancolique du graphisme qui lui confèrent son pouvoir d'enchantement. Une fois que nous sommes immergés dans l'image, il faut littéralement une secousse pour s'en détacher. Cette gravure, si caractéristique de l'art de Max Clarenbach, est - notamment en raison de ses dimensions - une œuvre majeure de son œuvre graphique. A propos de l'artiste Né dans la pauvreté et orphelin dès son plus jeune âge, le jeune Max Clarenbach, doué pour les arts, a été découvert par Andreas Achenbach et admis à l'Académie des arts de Düsseldorf à l'âge de 13 ans. "Complètement désargenté, je travaillais pour un oncle dans une usine de carton le soir pour payer mes études". - Max Clarenbach À l'académie, il étudie notamment avec Arthur Kampf et, en 1897, il est admis dans la classe de peinture de paysage d'Eugen Dücker. Clarenbach a percé en 1902, lorsque son œuvre Der stille Tag a été présentée à l'exposition de Düsseldorf. Le tableau est acheté par la galerie de Düsseldorf et Clarenbach se fait soudain connaître en tant qu'artiste. L'année suivante, en 1903, il achève sa formation académique et, après s'être marié, s'installe à Bockum, où il travaillait depuis 1901 dans l'ancien Studio d'Arthur Kampf, qui avait déménagé à l'Académie de Berlin. À Bockum, Clarenbach se consacre à l'étude artistique du paysage du Bas-Rhin et développe son style caractéristique. Ce style a également été influencé par ses séjours aux Pays-Bas. Il y étudie les artistes de l'école de La Haye et possède un studio à Flessingue. Lors d'un voyage à Paris, il s'inspire également de l'école de Barbizon. Ainsi influencé, Clarenbach s'est intéressé au paysage lui-même, ce qui l'a amené à développer son propre style de peinture. "La Nature dit tout, il suffit de la laisser parler tranquillement. Chaque arbre a quelque chose à dire. C'est merveilleux, mais très difficile de capter et de reproduire ce qui se dit". - Max Clarenbach En 1908, les Clarenbach s'installent dans la maison Clarenbach à Wittlaer, conçue par Joseph Maria/One pour le peintre, en pleine nature. "Parce que Clarenbach voulait vivre en permanence dans et avec la nature du Rhin inférieur, il fit construire par son ami Olbrich la maison qui correspondait à ses idées de beauté et d'harmonie, au milieu des champs et des prairies traversés par le Schwarzbach". - Ellen Clarenbach Le séjour à Paris est aussi l'occasion de découvrir l'art français le plus récent, qui n'a pas encore été reconnu en Rhénanie. En 1909, Clarenbach et ses anciens amis de l'académie, Julius Bretz, August Deusser, Walter Ophey, Wilhelm Schmurr et les frères Alfred et Otto Sohn, fondent le Sonderbund Westdeutscher Kunstfreunde und Künstler, qui durera jusqu'en 1915. Cezanne, Monet, Renoir, Rodin, Seurat, Signac, Sisley, Vuillard, van Gogh et Picasso étaient représentés dans les expositions. En 1910 et 1911, Kandinsky, Jawlensky, Purrmann, Kirchner et Schmidt-Rottluff les rejoignent. Les expositions progressistes du Sonderbund ont eu l'effet d'une attaque contre les cercles artistiques établis qui n'est pas restée sans récompense. Sous la direction du peintre Carl Vinnen, une "protestation des artistes allemands" est lancée contre "la favorisation antipatriotique des peintres français". La réponse, à laquelle Clarenbach a également participé, a été publiée sous le titre "Im Kampf um die Kunst". Après cette période mouvementée de la vie de Clarenbach, sa carrière artistique a pris un cours plus calme, lui permettant de se concentrer sur son art à l'écart de l'agitation politique. En 1917 - Clarenbach avait déjà reçu de nombreux prix - il succède à Eugen Dücker comme professeur à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, poste qu'il occupe jusqu'en 1945. Pendant les années sombres du régime nazi, Calle a été représenté à la grande exposition d'art allemand à la Haus der Deutschen Kunst à Munich entre 1938 et 1943 et, bien que son intégrité artistique ait été considérée comme douteuse, il a été inclus dans la liste des artistes indispensables dite "Gottbegnadeten" en 1944. Il a formulé sa démarche artistique en ces termes : "Peu de couleurs, peu de pinceaux. Faites ressortir toutes les formes avec le pinceau plein, large et plat, ne dessinez pas les contours avec le pinceau, ce serait absolument faux. Chaque trait a quelque chose à exprimer, il ne faut jamais surpeindre. Cela demande de la concentration et une grande joie dans le processus". En fin de compte, c'est le même cercle de motifs paysagers qui a attiré Clarenbach tout au long de sa carrière artistique. "Faisant le pont entre tous les bouleversements artistiques et sociopolitiques de l'époque, l'œuvre picturale se révèle être l'expression continue d'une relation profondément ancrée avec la nature et d'un amour durable pour les paysages du Bas-Rhin." - Dietrich Clarenbach Clarenbach n'était pas imprévisible, mais, selon ses propres termes, "concentré" dans son art. Une œuvre comme un processus constant d'approfondissement. Grâce à sa concentration persistante, il a ouvert artistiquement le paysage encore et encore, créant des œuvres qui ne manquent jamais de captiver le spectateur. "Eh bien, à "l'écoute" correspond le "silence", et il nous semble que c'est le motif de base de toutes les peintures de Clarenbach". - Marie-Luise Baume Littérature utilisée Auss-Kat : Max Clarenbach, ein Repräsentant rheinischer Kunst, Schloß Kalkum, Landkreis Düsseldorf-Mettmann, 196. Clarenbach, Dietrich : "Wenn man Rheinländer und dazu noch 'Nüsser' ist, kann man, was man will...

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Denis-Paul NOYER Hôtel : Mercedes 370 et Hôtel Gonnet Lithographie originale, c. 1980 Signé à la main au crayon Numéroté / 115 exemplaires Sur vélin d'Arches 75 x 105 cm (c. 30 x 42...