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Guillaume CouffignalBronze Architecture Abstract Theater Model French Contemporary Sculpture2014
2014
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À propos de cet article
Guillaume Couffignal (français né en 1964)
Théâtre, 2014. Bronze.
19 7/8 x 13 1/2 x 7 1/4 pouces.
Signé sur la base : Couffignal. Belle texture et patine.
Guillaume Couffignal est un artiste français d'après-guerre et contemporain, autodidacte et outsider, né en 1964. Il travaille le bronze en coulant des modèles complexes, fantastiques, d'architecture, de théâtre abstrait et des modèles de bateaux qui ressemblent à des reliques du passé. Il a appris l'art de la fonte à la cire perdue dans une fonderie africaine traditionnelle à Koudougou, au Burkina Faso, en Afrique, à l'âge de 23 ans, heureux d'avoir trouvé sa voie si jeune. Il a ressenti la profonde alchimie du processus combinant les éléments de la Nature pour produire un concept qui n'existait pas auparavant dans notre monde. Il a vu le potentiel de cette magie terrestre. Elle force le hasard et repousse les limites du bronze car chaque sculpture ne peut jamais être reproduite à l'identique.
Comme l'utilisation de l'argile, cet art a un lien profond avec les éléments primitifs de la Nature. Il y a le vent, le ciel, la terre et le feu. Il y a des cendres et de la poussière. Il existe ici une Collaboration avec l'esprit de l'Illusionniste, un artiste dans toute son imprévisibilité.
Mais il ne s'agit pas d'un art du hasard. L'artiste/illusionniste maîtrise les éléments de l'accident et de la surprise. C'est un magicien qui maîtrise les secrets de son processus. Dans le cas de Couffignal, il s'agit d'un collage tridimensionnel de fragments et de formes soigneusement choisis et de textures terreuses, soigneusement mises au point au cours de nombreuses années d'expérimentation.
Ses textures font mentir les matériaux. Ils présentent une patine irrégulière due à l'usure et aux intempéries. Ils rendent le bronze lui-même secondaire avec cette pigmentation crémeuse de la terre brûlée par le soleil. La texture devient alors une peinture.
Couffignal met en scène le drame pur du vide. Il la remplit de souvenirs et de voix. Ce décor est visuellement minimal, mais ce minimalisme même souligne l'importance de ses autres intentions. Ses bateaux sont des "bateaux-âmes" coincés entre deux univers. Ses pièces architecturales évoquent des ruines et témoignent néanmoins de leur propre existence.
Bien que ce procédé soit ancien, et en l'occurrence appris de la tradition africaine, le véritable témoignage de la puissance de Guillaume Couffignal est que pas un seul élément de son œuvre ne dérive de quelque chose d'existant. En véritable iconoclaste, il s'est emparé d'une langue traditionnelle, a appris cette langue, et à partir de cette langue a créé une poésie tout à fait unique et propre à lui. Randal Morris, 2013. Son travail s'inscrit dans la tradition de l'art outsider, de l'art brut, de l'art populaire, de l'art naïf, de l'art visionnaire et de l'art intuitif avec un sujet sophistiqué. Une sorte de symbiose entre Jean Dubuffet et Daniel Arsham.
Des sculptures comme autant d'images oubliées d'un monde où la trace précède toujours la présence. Comme dans l'art du raku, poterie ancestrale japonaise où l'accident de cuisson et la patine d'usage - wabi et sabi - témoignent d'une géographie cosmogonique intime. Souvenir omniprésent de la couleur et de l'odeur de la terre - la boue, matériau noble qui, en Afrique, sert à ériger cases, maisons, palais et mosquées. Historiquement et jusqu'aux marges de la route des caravanes, aux confins des grands empires arabo-musulmans du Moyen Âge ouest-africain. La terre, la couleur du Sahel. Variation infinie de l'ocre : du rouge de la latérite au blanc du kaolin. De la sécheresse aux pluies tropicales. " Sculpter, c'est enlever la chair jusqu'à sentir sous les doigts le squelette, la substance originelle de toute chose. "
Guillaume Couffignal.
SÉLECTION D'EXPOSITIONS
Spirit Gallery, Cavin-Morris Gallery, New York, NY
Galerie Christine Colon, Liège, Belgique
Robin des Boi, St Léger la Montagne, France
Outsider Art Fair New York, représentée par Cavin-Morris Gallery, New York, NY
Galerie Brigitte Ruffin, La Rochelle, France
Pragmata Gallery, Tokyo, Japon
ST'ART Strasbourg, Galerie Richard Nicolet, France
Salon Révélations, Grand Palais, Galerie Eric Dumont, Paris, France
Galerie Brûlée, Strasbourg, France
Fonderie Aixe-sur-Vienne, France
Galerie Christine Colon, Waremme, Belgique
- Créateur:Guillaume Couffignal (1964)
- Année de création:2014
- Dimensions:Hauteur : 34,29 cm (13,5 po)Largeur : 50,5 cm (19,88 po)Profondeur : 18,42 cm (7,25 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:Bien. Voir les photos.
- Adresse de la galerie:Surfside, FL
- Numéro de référence:1stDibs : LU38215099022
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David Palombo était un sculpteur et un peintre israélien. Il est né en Turquie dans une famille traditionnelle et a immigré en Lande avec ses parents en 1923. Ils vivaient dans le quartier de Nahalat Shiva à Jérusalem. En 1940, il commence ses études à l'Académie des arts et du design de Bezalel et, à partir de 1942, il est l'élève du sculpteur Ze'ev Ben-Zvi. Pendant un certain temps, Palombo a été assistant au studio de Benzalel et a également enseigné à Bezalel. Au cours de cette période, il a également été membre de la "Histadrut HaNoar HaOved VeHaLomed" (Fédération générale des étudiants et des jeunes travailleurs en Israël). Dans les années 1940, il prend des cours d'art le soir. En 1948, il se rend à Paris, où il visite le Studio du sculpteur Constantin Brancusi, dont le travail l'a influencé. Vers 1958, il épouse l'artiste Shulamit Sirota. En 1960, il quitte son emploi pour se consacrer à l'art. En 1964, il se marie en secondes noces avec l'artiste Yona Palombo. Tous deux sont allés vivre dans une maison abandonnée sur le mont Sion à Jérusalem. En 1966, il a été tué lorsque la moto qu'il conduisait a heurté une chaîne tendue en travers de la rue pour empêcher la profanation du shabbat. Sa veuve a ouvert un musée dans leur maison qui a été actif jusqu'en 2000.
Des œuvres de Palombo figurent dans la collection judaïque du Musée juif (une menora de Hanoukka bien connue). Palombo a réalisé les impressionnantes grilles métalliques de la tente du souvenir à Yad Vashem, le mémorial des martyrs de l'holocauste, ainsi que les grilles du bâtiment de la Knesset. L'Organisation des Nations unies pour l'éducation, la science et la culture (prix Unesco) lui a accordé une bourse d'études au Japon. Il a travaillé le marbre, le granit, le bronze, le fer et l'acier, ainsi que les carreaux de mosaïque en verre. Les premières œuvres de Brancusi, dans les années 1950, ont été influencées par des sculpteurs modernistes tels que Brancusi. Ces œuvres étaient composées d'images abstraites tirées de la Nature et étaient sculptées dans la pierre ou le bois. À la fin des années 1950, il a commencé à réaliser des sculptures en métal, en utilisant la technique de la soudure. Son œuvre prend un caractère plus abstrait et expressif.
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En revanche, la sculpture abstraite a suivi une voie légèrement différente. Plutôt que de se concentrer sur des sujets non figuratifs, il s'est concentré sur les matériaux, d'où l'émergence de l'Assemblage Art - une forme d'art visuel tridimensionnel réalisé à partir d'objets de la vie quotidienne, dits "trouvés" par l'artiste (objets trouves). Populaire dans les années 1950 et 1960 en Amérique, l'assemblage a effectivement comblé le fossé entre le collage et la sculpture, tandis que son utilisation de matériaux non artistiques - une caractéristique de l'art Néo-DADA - a anticipé l'utilisation d'objets produits en masse dans le Pop-Art. La sculpture d'assemblage est illustrée par les œuvres de Louise Nevelson (1899-1988), comme Mirror Image 1 (1969, Museum of Fine Arts, Houston), et par Jean Dubuffet (1901-85) et son Monument à la bête debout (1960, James R&R Thompson Center, Chicago). L'idiome a été considérablement stimulé par une importante exposition - The Art of Assemblage - au Museum of Modern Art, à New York, en 1961.
Parmi les autres exemples de "junk art" de style néo-dadaïste, citons Hudson River Landscape (1951, Whitney Museum of American Art) et Australia (1951, MoMA, NY), tous deux de David Smith (1906-1965) ; Untitled (wood, metal pieces, nails) (1960, Museum of Modern Art NYC) de Jesus Rafael Soto (b.1923) ; et certaines "combinaisons" de Robert Rauschenberg (1925-2008), telles que First Landing Jump (composée de : peinture, tissu, métal, cuir, appareil électrique, câble, peinture à l'huile, tableau) (1961, MoMA, NY). Untitled (industrial felt) (1967, Kunsthalle, Hamburg) de Robert Morris (né en 1931) est un autre exemple de l'utilisation de matériaux inhabituels dans la sculpture, tout comme le minimaliste Monument For Vladimir Tatlin (neon-lighting tubes...
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