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ArmanStatue de la Liberté1998
1998
À propos de cet article
La statue de la Liberté d'Arman est un motif récurrent dans l'œuvre de l'artiste. Tout au long de sa carrière, Arman a travaillé sur les thèmes et les techniques des "accumulations" et des "déconstructions" - des œuvres d'art qu'il a soit brisées, soit tranchées, soit brûlées. Il s'agit le plus souvent d'instruments de musique, de reproductions sculpturales, voire de meubles. Il a commencé à créer ses "déconstructions" en 1959 avec ses violons brules, des instruments qu'il disséquait dans leurs panneaux de bois. La motivation de son action artistique est de suspendre l'action de déconstruction et de contrôler les dernières étapes de la durée de vie d'un objet. Son approche orientée objet renvoie à Marcel Duchamp. Pourtant, Arman se différencie en disant : "En évoluant vers l'art de l'objet, je me suis retrouvé qualifié d'artiste pop, mais le terme n'est pas tout à fait juste. Les artistes pop refont l'objet. J'ai utilisé l'objet réel. Marcel Duchamp, qui est le père évident de l'art de l'objet, aurait pu prendre une boîte de soupe et la mettre sur un piédestal. Andy Warhol repeindrait la boîte de soupe. Jasper Johns l'a coulée en bronze. Je prendrais la boîte de soupe et la couperais en morceaux ou en souderais des centaines afin de changer l'état de l'objet par rapport à ce qu'il était lorsque vous l'avez vu pour la première fois au supermarché. Ce qui m'intéresse, c'est d'explorer les différents univers de l'objet."
Cette vue unique de la statue de la liberté incite l'œil à explorer ses nombreuses couches de perspectives diverses dans l'interprétation. Chaque morceau de la statue originale est divisé et décalé, conservant sa forme originale malgré l'image de déconstruction. Au sommet de sa tête se trouve sa célèbre couronne d'or. La torche qu'elle tient dans sa main droite est également colorée d'un brillant éclat d'or. À travers les couleurs, on peut encore discerner les plis complexes de sa robe et les détails de son costume. Les traits de son visage sont subtilement discernables, ce qui incite à les étudier de plus près.
Cette sculpture en bronze coulé à patine verte oxydée est une épreuve d'artiste, numérotée de l'édition de 20 ; à part de l'édition numérotée de 100.
- Créateur:Arman (1928 - 2005, Français)
- Année de création:1998
- Dimensions:Hauteur : 77,98 cm (30,7 po)Largeur : 34,04 cm (13,4 po)Profondeur : 9,91 cm (3,9 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Palo Alto, CA
- Numéro de référence:Vendeur : 57051stDibs : LU1567210846662
Arman
Arman est né à Nice, en France, en 1928, et a montré un talent pour la peinture et le dessin dès son enfance. Il a étudié à l'École nationale des arts décoratifs de Nice, puis à l'École du Louvre à Paris. Dans ses premières années, il s'est concentré sur les peintures abstraites. Puis, en 1957, il s'intéresse aux objets usuels en tant qu'œuvres d'art. Il réalise d'abord ce que l'on appellera ses "allures d'objet", où il trempe un objet dans la peinture et le presse sur la toile, laissant ainsi l'ombre ou l'empreinte de l'objet. Puis il a décidé que l'objet lui-même valait la peine qu'on s'y intéresse et a commencé à les traiter à sa manière. Son intention était de supprimer la fonction matérielle d'un objet afin que la seule fonction restante soit de "nourrir l'esprit" en tant qu'œuvre d'art. Quel meilleur moyen d'atteindre ce résultat que de briser, découper ou même brûler des objets tels que des violons, des téléphones, des machines à écrire ou même des voitures entières ? Il a également rendu des objets inutiles en les accumulant, comme 2 000 montres-bracelets dans une boîte en plexiglas qui donnaient toutes une heure différente. Une fois détaché émotionnellement des circonstances associées à un objet cassé, le spectateur pouvait en apprécier la beauté abstraite ; ainsi, dans un sens, Arman enseignait littéralement que des choses dont on n'aurait jamais pensé qu'elles pouvaient être considérées comme attrayantes pouvaient en effet le devenir. Grâce à cette réalisation, Gaines a acquis une reconnaissance mondiale et est considéré comme l'un des créateurs les plus prolifiques et les plus inventifs de la fin du XXe siècle. Ses œuvres figurent dans les collections de nombreux musées, dont le Metropolitan Museum of Art de New York, la Tate Gallery de Londres et le Centre Pompidou de Paris. Les œuvres d'Arman ont également été exposées dans des galeries, des musées et des espaces publics du monde entier, notamment au Musée d'art contemporain de Téhéran (Iran), au Musée d'art de Tel Aviv (Israël), au Musée des arts décoratifs et à l'Opéra de Paris (France), au La Jolla Museum Contemporary (Californie) et au Guggenheim (New York). Il est décédé en 2005 à New York.
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Par Max Kalish
Max Kalish (américain, 1891-1945)
Nu marchant, 1930
Bronze
Signé et daté sur la base
17 x 9 x 4 pouces
Né en Pologne le 1er mars 1891, le sculpteur figuratif Max Kalish est arrivé aux États-Unis en 1894, sa famille s'installant dans l'Ohio. Jeune homme talentueux, Kalish s'inscrit à l'Institut d'art de Cleveland à l'âge de 15 ans et reçoit un premier prix pour le modelage de la figure lors de ses études avec Herman Matzen. Après avoir obtenu son diplôme, Kalish se rend à New York, où il étudie avec Isidore Konti et Herbert Adams pendant les deux années suivantes.
En 1912, Kalish étudie avec Paul Bartlett à l'Académie Colarossi à Paris, en France. En 1913, il poursuit ses études avec Jean Antoine Injalbert à l'Ecole des Beaux-Arts. Le soutien financier de son frère, de sa famille et de ses amis a permis à Kalish de se rendre en Europe. Mais l'argent vient à manquer et, bien que Kalish expose deux portraits-bustes au Salon de Paris de 1913, il est contraint de retourner en Amérique, où il travaille sur la Colonne du progrès pour l'Exposition de Panama-Pacifique de 1915, à San Francisco, en Californie, avec son ancien professeur, Isidore Konti.
De retour à Cleveland, il travaille sur des commandes de portraits de deux sénateurs des États-Unis et du maire. Dans l'armée en 1916, Kalish a sculpté une série de figures de soldats en bronze, grandeur nature. En 1920, il est de retour à Paris, où il commencera à passer la moitié de l'année. En 1921, il sculpte son premier ouvrier, "The Stoker", genre pour lequel il sera le plus connu, en utilisant comme modèle un ouvrier des hauts-fourneaux de Cleveland. À Paris, en 1922, les sculptures d'ouvriers de l'artiste belge Constantine Meunier (1831-1905) ont cimenté le désir de Kalish de sculpter des travailleurs. Kalish a remporté le premier prix pour quatre sculptures - trois ouvriers - en 1925 lors de l'exposition des artistes et artisans de Cleveland, dont l'une, un torse nu en marbre, a été acquise par le Cleveland Museum of Art. Ce prix et cet achat ont accéléré la carrière de Kalish. En 1928, la ville de Cleveland lui commande une sculpture en bronze de 12 pieds de haut représentant Abraham Lincoln prononçant le discours de Gettysburg. Elle se trouve aujourd'hui devant l'entrée ouest du Conseil de l'éducation, sur la 6e rue Est.
Vivant et travaillant à New York en 1932, il est élu associé de la National Academy of Design en 1933. Il est ensuite devenu membre de la National Sculpture Society. Au début de la Seconde Guerre mondiale, Kalish a été chargé par le Musée d'histoire américaine de sculpter 48 figures en bronze - grandeur nature - de personnes participant à l'effort de guerre, dont le président Roosevelt, son cabinet et d'autres personnalités importantes. Il a vécu jusqu'à l'achèvement de l'œuvre, bien qu'atteint d'un cancer dont il est mort le 18 mars 1945 à New York. La sculpture de Max Kalish a été incluse dans l'exposition de 1997 à Berkeley, Californie, "When Artists Became Workers : The People's Art Movement of the '30s and '40s", au Judah L. Magnes Museum.
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