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Elie NadelmanTête classiqueca. 1920
ca. 1920
À propos de cet article
Provenance :
Collectional, New York ; leur vente :
Swann Galleries, New York, 9 mars 2000, lot 704 ; où acquise par :
Collectional, New York, jusqu'en 2025.
Figure emblématique de la sculpture du début du XXe siècle, Elie Nadelman a fait la synthèse entre la tradition classique et l'esthétique moderniste pour créer des œuvres d'un raffinement et d'une beauté saisissants. Notre tête de femme classique, sculptée vers 1920, peu après que Nadelman se soit installé aux États-Unis, illustre sa capacité magistrale à distiller l'essence de l'antiquité dans une forme moderne et épurée.
Sculptée dans le marbre, cette œuvre reflète la fascination durable de Nadelman pour la beauté idéalisée, qu'il a d'abord développée lors de ses études de sculptures antiques à la Glyptothèque de Munich et qu'il a ensuite affinée à Paris, dans le bouillonnement artistique du début du 20e siècle. Nadelman était une connaissance de Gertrude et Leo Stein, ce dernier l'ayant présenté à Pablo Picasso et à d'autres grands artistes d'avant-garde. Après avoir participé au Salon des Indépendants et au Salon d'Automne de 1905 à 1908 et avoir fait une exposition personnelle à la Galerie Druet en 1909, &New a participé à l'Armory Show de 1913 à New York. Sa réputation désormais internationale lui profite grandement un an plus tard, lorsqu'il s'installe définitivement en Amérique pour échapper à la Première Guerre mondiale.
Au moment où cette femme éthérée a été conçue, Nadelman s'était fermement établi en Amérique. S'appuyant sur son répertoire de têtes féminines classiques et de nus debout en pied qu'il avait développé à Paris, à New York, les œuvres de l'artiste s'inspirent de plus en plus de sources classiques et de traditions vernaculaires, ce qui donne naissance à un langage sculptural distinctif qui fait le lien entre les beaux-arts et l'art populaire - un domaine d'intérêt particulier pour Nadelman. Dans cette œuvre, la précision lisse et géométrique du visage, avec son expression sereine mais énigmatique, évoque à la fois la pureté des prototypes classiques et l'élégance qui a défini le style mature de Nadelman. La douce ondulation des cheveux ajoute une qualité rythmique qui rappelle le raffinement stylisé de la sculpture antique.
L'œuvre date d'environ 1915-1920, au début de la période américaine d'Elie Nadelman. La signature "Eli" apposée sur la sculpture est conforme aux pratiques de l'artiste et représente une première forme de sa signature, qui a évolué au fil du temps (Fig. 1). Il reflète le prénom de l'artiste, Eliasz, qu'il a ensuite raccourci en Elie.
- Créateur:Elie Nadelman (1885-1946, Polonais)
- Année de création:ca. 1920
- Dimensions:Hauteur : 40,64 cm (16 po)Largeur : 44,45 cm (17,5 po)Profondeur : 21,59 cm (8,5 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:New York, NY
- Numéro de référence:1stDibs : LU10215914712
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5,0
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Harmony, 20e siècle, base en bronze et marbre vert, homme et femme nus avec lyre
Par Max Kalish
Max Kalish (américain, 1891-1945)
Harmony, c. C. C.
Bronze avec base en marbre vert
Signature incisée sur la partie supérieure droite de la base
14 x 9 x 5 pouces, sans la base
17 x 10 x 8 pouces, y compris la base
Né en Pologne le 1er mars 1891, le sculpteur figuratif Max Kalish est arrivé aux États-Unis en 1894, sa famille s'installant dans l'Ohio. Jeune homme talentueux, Kalish s'inscrit à l'Institut d'art de Cleveland à l'âge de 15 ans et reçoit un premier prix pour le modelage de la figure lors de ses études avec Herman Matzen. Après avoir obtenu son diplôme, Kalish se rend à New York, où il étudie avec Isidore Konti et Herbert Adams pendant les deux années suivantes.
En 1912, Kalish étudie avec Paul Bartlett à l'Académie Colarossi à Paris, en France. En 1913, il poursuit ses études avec Jean Antoine Injalbert à l'Ecole des Beaux-Arts. Le soutien financier de son frère, de sa famille et de ses amis a permis à Kalish de se rendre en Europe. Mais l'argent vient à manquer et, bien que Kalish expose deux portraits-bustes au Salon de Paris de 1913, il est contraint de retourner en Amérique, où il travaille sur la Colonne du progrès pour l'Exposition de Panama-Pacifique de 1915, à San Francisco, en Californie, avec son ancien professeur, Isidore Konti.
De retour à Cleveland, il travaille sur des commandes de portraits de deux sénateurs des États-Unis et du maire. Dans l'armée en 1916, Kalish a sculpté une série de figures de soldats en bronze, grandeur nature. En 1920, il est de retour à Paris, où il commencera à passer la moitié de l'année. En 1921, il sculpte son premier ouvrier, "The Stoker", genre pour lequel il sera le plus connu, en utilisant comme modèle un ouvrier des hauts-fourneaux de Cleveland. À Paris, en 1922, les sculptures d'ouvriers de l'artiste belge Constantine Meunier (1831-1905) ont cimenté le désir de Kalish de sculpter des travailleurs. Kalish a remporté le premier prix pour quatre sculptures - trois ouvriers - en 1925 lors de l'exposition des artistes et artisans de Cleveland, dont l'une, un torse nu en marbre, a été acquise par le Cleveland Museum of Art. Ce prix et cet achat ont accéléré la carrière de Kalish. En 1928, la ville de Cleveland lui commande une sculpture en bronze de 12 pieds de haut représentant Abraham Lincoln prononçant le discours de Gettysburg. Elle se trouve aujourd'hui devant l'entrée ouest du Conseil de l'éducation, sur la 6e rue Est.
Vivant et travaillant à New York en 1932, il est élu associé de la National Academy of Design en 1933. Il est ensuite devenu membre de la National Sculpture Society. Au début de la Seconde Guerre mondiale, Kalish a été chargé par le Musée d'histoire américaine de sculpter 48 figures en bronze - grandeur nature - de personnes participant à l'effort de guerre, dont le président Roosevelt, son cabinet et d'autres personnalités importantes. Il a vécu jusqu'à l'achèvement de l'œuvre, bien qu'atteint d'un cancer dont il est mort le 18 mars 1945 à New York. La sculpture de Max Kalish a été incluse dans l'exposition de 1997 à Berkeley, Californie, "When Artists Became Workers : The People's Art Movement of the '30s and '40s", au Judah L. Magnes Museum.
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