Anita Bejmuk

Avec un style à la fois percutant, réfléchi et irrévérencieux, le photographe Jonathan Becker appartient davantage au domaine artistique qu'au domaine documentaire, capturant magistralement un sens théâtral de l'inattendu tout en offrant des aperçus dans des mondes rares.

Bea BIGLI - la légendaire directrice artistique, aujourd'hui décédée, responsable de l'embellissement de Harper's Bazaar et Rolling Stone dans les années 1960 et 1970 - a donné à Becker sa première grande chance en 1981, lorsqu'elle lui a demandé de soumettre des images pour le relancement de Vanity Fair.

Becker, qui avait 26 ans à l'époque, avait déjà été le premier photographe basé à Paris pour le magazine W et avait noué une étroite amitié avec le photographe surréaliste franco-hongrois Brassaï, alors âgé de 70 ans. À cet âge, Becker s'est également forgé une réputation enviable en tant que photographe portraitiste en travaillant pour le magazine Andy Warhol's Interview et aux côtés de Slim Aarons et Norman Parkinson à Town & Country, tout en sachant qu'il ne devait pas marcher sur les plates-bandes de ses célèbres confrères. "J'étais un jeune intrus", dit-il. "J'ai plus appris en écoutant et en observant ces géants qu'en essayant d'engager des interactions directes avec eux."

Le jeune photographe, qui travaillait à l'époque comme chauffeur de taxi à New York, n'avait pas imaginé que le projet mettrait ses photos sur un pied d'égalité avec celles des légendes du médium : Ont également contribué à cette première édition certains des plus grands noms de la photographie , dont Richard Rever, Irving Penn et Helmut Newton, ainsi que l'étoile montante Annie Leibovitz, dont la popularité avait récemment grimpé en flèche, grâce à sa photo de couverture Rolling Stone d'un John Lennon nu, recroquevillé à côté d'une Yoko Ono entièrement vêtue.

Ce numéro a changé la donne dans l'édition moderne de magazines, avec Vanity Fair qui a placé la barre pour un éditorial engageant et un design audacieux pour les décennies à venir. Il a également marqué la naissance d'un homme : Le talent de Becker pour la narration visuelle s'est révélé dans son hommage avant-gardiste, et l'équipe créative du magazine l'a gardé, marquant ainsi le début de sa longue carrière.

En tant que collaborateur régulier de Vanity Fair, Becker a travaillé dans les plus hautes sphères de la société, voyageant à travers le monde et immortalisant d'innombrables personnalités de premier plan dans les domaines de la mode, de la culture et de la politique, sans oublier la royauté.

La façon non conventionnelle dont Becker dirige son regard est clairement instinctive, ce qui donne lieu à une esthétique inhabituelle qui mélange à parts égales perception, mythe et réalité. Cet équilibre est particulièrement évident dans sa célèbre photo en noir et blanc de Robert Mapplethorpe, prise en 1988 lors de l'ouverture de l'exposition rétrospective de Mapplethorpe au Whitney, alors que le célèbre photographe était en train de mourir du sida. Il s'agit d'une photo de groupe, montrant plusieurs personnages sous différents angles, dans laquelle Mapplethorpe, de profil et écoutant attentivement une femme agenouillée à ses côtés, semble arrêter le temps. L'instant est lourd d'émotion et aussi onirique. C'est ineffablement surréaliste.

AGE nous a donné Stephen King en zombie aux yeux croisés (1980) ; Dustin Hoffman en malfaiteur, se prélassant sur une pile de chaises longues au Beverly Hills Hotel (2004) ; et Diana Vreeland en madone raphaélesque vieillissante vêtue d'une volumineuse robe noire et assise les jambes croisées dans son célèbre salon tout de rouge vêtu au 550 Park Avenue (1979). Le photographe, amoureux de la spontanéité et jouant habilement avec les perspectives, nous intrigue avec ses récits ouverts.

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Utilisé pour faire référence à une époque plutôt qu'à une esthétique, L'art contemporain décrit généralement des pièces créées après 1970 ou réalisées par des artistes vivants n'importe où dans le monde. Cette immédiateté signifie qu'elle englobe l'art répondant au moment présent à travers des sujets, des médias et des thèmes divers. La peinture contemporaine , la sculpture, la photographie, la performance, l'art numérique, la vidéo et plus fréquemment encore, comprend des œuvres qui tentent de remodeler les idées actuelles sur ce que l'art peut être, depuis Felix Gonzalez-Torres'utilisation de bonbons pour commémorer un amant qu'il a perdu à cause de complications liées au SIDA, jusqu'à Jenny Holzer's ongoing "Truisms",", une série Conceptual qui voit des messages provocateurs imprimés sur des panneaux d'affichage, des T-shirts, des bancs et d'autres lieux publics qui existent en dehors des expositions formelles et du "cube blanc" conventionnel des galeries.

Depuis des années, l'art contemporain repousse les limites de l'expression créative. Son bouleversement des concepts traditionnels de l'art vise souvent à engager les spectateurs dans des questions complexes sur l'identité, la société et la culture. Dans la dernière partie du XXe siècle, les mouvements contemporains comprenaient Land art, dans lequel des artistes comme Robert Smithson et Michael Heizer créent des sculptures, des installations et d'autres œuvres à grande échelle, spécifiques à un site, dans le sol et les étendues d'eau ; Sound art, avec des artistes comme Christian Marclay et Susan Philipsz qui centrent l'art sur les expériences sonores ; et New Media art, dans lequel les médias de masse et la culture numérique informent le travail d'artistes comme Nam June Paik et Rafaël Rozendaal.

Les premières décennies du XXIe siècle ont vu l'essor de l'art africain contemporain, le renouveau de la peinture figurative, l'émergence de l'art de rue et l'essor de NFTs, œuvres d'art numériques uniques qui sont alimentées par la technologie blockchain.

Les principaux artistes contemporains sont Ai Weiwei, Cecily Brown, David Hockney, Yayoi Kusama, Jeff Koons, Takashi Murakami et Kara Walker.

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La photographie en couleur évoque une émotion qui peut faire entrer le spectateur dans la scène. Il peut nous transporter dans des endroits lointains ou dans le passé.

La première photographie en couleur, prise en 1861, était plus un exercice de science que d'art. Le photographe Thomas Sutton et le physicien James Clerk Maxwell ont utilisé trois expositions distinctes d'un ruban écossais - filtrées en rouge, vert et bleu - et les ont composées en une seule image, ce qui a donné lieu à la première représentation multicolore d'un objet.

Avant cette innovation, les photographies étaient souvent teintées à la main. Dans les années 1890, des procédés de photographie en couleur ont été introduits sur la base de cette expérience des années 1860. Au début du 20e siècle ( ), les autochromes ont permis à la photographie en couleur d'atteindre un public commercial.

Aujourd'hui, la photographie en couleur est largement disponible, et ces photos historiques documentent des moments et des scènes qui sont encore vifs des générations plus tard. Les photographes des XXe et XXIe siècles ont offert de nouvelles perspectives dans le domaine en pleine évolution de la photographie moderne en couleur avec des portraits saisissants, des paysages enneigés, une architecture étonnante et bien d'autres choses encore.

Dans la volumineuse collection de photographies sur 1stDibs, retrouvez de vibrantes images en couleurs de Slim Aarons, Helen Levitt, Gordon Parks, Stefanie Schneider, Steve McCurry et d'autres artistes. Apportez un intérêt visuel à n'importe quel coin de votre maison avec une photographie en couleur - introduisez une galerie de style salon ou un autre arrangement qui s'adapte le mieux à votre espace.