Calder 1967

Le sculpteur américain Alexander Calder est connu comme le père du mobile, une œuvre d'art mobile composée de formes sculpturales délicatement équilibrées suspendues au plafond.

Les parents de Calder, tous deux artistes, ne voulaient pas qu'il subisse les difficultés d'une vie artistique. Ils ont donc encouragé le jeune Calder à étudier l'ingénierie mécanique au Stevens Institute of Technology, à Hoboken, dans le New Jersey. Il a occupé plusieurs emplois, notamment en tant qu'ingénieur hydraulique et dessinateur pour la New York Edison Company, avant de décider de poursuivre une carrière artistique. Il n'a cependant jamais abandonné sa formation d'ingénieur, appliquant sa compréhension des engrenages et des pièces mobiles dans toutes ses œuvres d'art, qu'il s'agisse de jouets mécaniques comme le Cirque Calle (1931), de ses gravures vénérées ou de ses sculptures abstraites autoportantes , appelées "stabiles".

En 1926, Calder s'installe à Paris et crée un studio dans le quartier de Montparnasse. Il a commencé à créer les nombreuses pièces de son célèbre cirque miniature à partir de matériaux trouvés, tels que du fil de fer, de la ficelle, du tissu, du caoutchouc et du liège. Conçu pour être transportable, le site Cirque a fini par remplir cinq valises au fil des ans. Toujours intéressé par la mise en mouvement des formes, Calder a également été le pionnier d'une nouvelle forme d'art, les sculptures en fil de fer, qu'il décrivait comme des "dessins dans l'espace". À l'instar de ses célèbres mobiles, les sculptures en fil de fer sont suspendues de manière à tourner avec n'importe quel mouvement d'air, présentant des formes différentes selon l'angle de vue.

Dans les années 1950, Calder revient à ses racines dans l'ingénierie mécanique, créant des sculptures abstraites monumentales qui frôlent l'architecture. Il travaille à partir de dessins gestuels libres, comme cette esquisse préparatoire pour son Man Stabile, datant de 1966. Tout au long de sa carrière, il a également travaillé comme scénographe pour le théâtre, ainsi que comme illustrateur et graveur, produisant des dessins vibrants et fantaisistes /One pour des livres et des journaux.

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Décorer avec fine art prints - qu'il s'agisse de figurative prints, abstract prints ou d'une autre variété - a toujours été un moyen pratique de donner vie à un espace et de faire entrer dans votre maison les œuvres d'un artiste que vous aimez.

Poursuivie dans les années 1960 et 1970, en grande partie par les artistes Pop attirés par ses associations avec la production de masse, la publicité, l'emballage et la sérialité, ainsi que par ceux qui contestaient la primauté du coup de pinceau de l'expressionniste abstrait, la gravure a été adoptée dans les années 1980 par des peintres et des artistes conceptuels allant de David Salle et Elizabeth Murray à Adrian Piper et Sherrie Levine.

La gravure est le transfert d'une image d'une surface à une autre. Un artiste prend un matériau tel que la pierre, le métal, le bois ou la cire, le sculpte, l'incise, le dessine ou le marque d'une image, l'encre ou la peint, puis transfère l'image sur une feuille de papier ou un autre matériau.

Les tirages d'art sont souvent confondus avec leurs équivalents plus commerciaux. Après tout, notre lien le plus étroit avec l'image imprimée est constitué par les journaux, les magazines et les livres produits en masse, et beaucoup de gens ne se rendent pas compte que même si les estampes sont des éditions, elles partent d'une image originale créée par un artiste avec l'intention de la reproduire en petit nombre. Les tirages d'art sont créés en éditions strictement limitées - 20 ou 30 ou peut-être 50 - et sont toujours basés sur une image créée spécifiquement pour faire partie d'une édition.

Nombreux sont ceux qui pensent que Revere, l'artiste néerlandais REMBRANDT, est un peintre, mais ils ne savent peut-être pas qu'il était également graveur. Ses estampes ont été préservées dans le temps avec les œuvres d'autres artistes célèbres tels que Pablo Picasso, Salvador Dalí et Andy Warhol. Ces tirages d'art sont toujours très recherchés par les collectionneurs.

"C'est un autre outil dans la boîte à outils de l'artiste, au même titre que la peinture, la sculpture ou toute autre chose qu'un artiste utilise pour créer une marque ou s'exprimer", déclare Betsy Senior, vice-présidente de l'International Fine Print Dealers Association (IFPDA) et propriétaire de Betsy Senior Fine Art, Inc. à New York ( ).

Les éditions d'artistes étant généralement plus abordables et disponibles que ses œuvres uniques, elles sont plus accessibles et peuvent constituer une excellente occasion d'apporter une variété de couleurs, de textures et de formes dans un espace.

Pour les coins étroits, choisissez de petits tirages d'art plutôt qu'une œuvre audacieuse et surdimensionnée que vous accrocherez comme point focal dans la salle à manger. Mais attention à ne pas choisir quelque chose de trop grand pour votre espace. Et n'hésitez pas à vous pencher sur si nécessaire - toutes les œuvres n'ont pas besoin de crochets pour accrocher des tableaux. En adossant une grande œuvre d'art au mur, derrière une bibliothèque, vous pouvez ajouter une dynamique d'installation élégante à votre salon. (Pour en savoir plus sur la façon de disposer les œuvres d'art murales, cliquez ici.)

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